Cuadros de una Exposición.com
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CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN TAMBIÉN OPINA

SE EXHIBE ARTE PARA UN PÚBLICO

QUE NO TIENE CONOCIMIENTO DEL MISMO

Autor: CHINDO FERMÍN AMORES

Las redes sociales se han convertido en una herramienta de comunicación imprescindible, que para muchos roza la adicción, para dar a conocer opiniones, temas familiares, noticias, mensajes, eventos y un largo etc., de motivos para los cuales en el fondo, fueran creadas, aunque un análisis en profundidad nos haría darnos cuenta de que también son una herramienta de control por parte de poderes fácticos, multinacionales o gobiernos de toda índole.

 

Es lógico, que muchos pintores, escultores, grabadores, dibujantes, etc., utilicen las mismas para dar a conocer sus creaciones artísticas, subiendo imágenes como una forma promoción y difusión para ellos mismos, algo muy loable y de lo que en absoluto, desde Cuadros de una Exposición.com se está en contra, sino plenamente a favor.

Autor: RAÚL BALLESTÁ

Pero el hecho de exponer al público, también implica el riesgo de que las obras exhibidas, al igual que en una galería de arte, puedan ser objeto de comentarios,  tanto positivos como negativos. Con respecto al primer ámbito, nada que decir. En lo referente al segundo, cuando, quien suscribe estas líneas expresa un comentario nada favorable, siempre con prudencia y respeto, y en ocasiones midiendo las palabras para no herir sensibilidades, más de un  artista se sube por las paredes, y en absoluto acepta la crítica, sino que responde en ocasiones de forma poco correcta, creyéndose por encima del Bien y del Mal, en una demostración de egolatría en grado sumo- Otros, utilizan el silencio.

                                                                                                           

¿Por qué no se publican críticas negativas sobre exposiciones? ¿Por qué los críticos se someten a la voluntad de la prensa, cuando está cada vez dedica menos espacio al arte y a sus manifestaciones? ¿Por qué podemos hacer críticas a los políticos, a las empresas, a los gobiernos, a los programas de televisión o las películas de los cines Y NO PUEDE CRITICARSE Y PUBLICARSE NEGATIVAMENTE EL ARTE?

Autor: MANUEL GALIA CURTÓ - Escultura

La falta de críticas negativas – de la que esta web no es, por supuesto,  un ejemplo, pues lo ha demostrado con creces cuando una exposición no le ha convencido – ha perjudicado enormemente al arte. Muchos críticos han dado soporte a manifestaciones artísticas deleznables, pero “políticamente correctas” que el público en general no ha entendido, y ello junto con el radical cambio de costumbres, precisamente debido a las redes sociales y a las  nuevas tecnologías, han alejado al público del arte y de sus creadores.

 

Los medios de comunicación también son en parte, responsables del fenómeno, al dar cabida dentro de las noticias a las extravagancias del arte, especialmente en manifestaciones y certámenes como ARCOMadrid.

 

El crítico comprometido, amante y conocedor del arte, de voz escasa y repercusión nula, lo manifiesta en su libertad, en blogs y webs, es a penas considerado, mientras el crítico afín a intereses de medios de comunicación o políticos, calla, pasa por alto, o lo ensalza, según  conveniencia.

Autora: MARIANA ROZADOS - Diversas obras

Lo mismo ocurre en las redes sociales. Los artistas exhiben sus trabajos. Apenas nadie comenta. La mayoría indica “me gusta” o “recomienda” o ponen emoticonos. Y es comprensible, nadie quiere mojarse ni ofender al amigo.

 

Pero como he manifestado anteriormente, quien exhibe su obra al público está sujeto a todo tipo de opiniones, y la capacidad muchos artistas del siglo XXI para aceptar las negativas es nula. Se mueve en un entorno donde ya hay poco que decir, donde el relativismo impera, y en el que la formación humanística brilla por su ausencia.

 

Por otra parte, el artista también es conocedor de que no toda su producción es buena –ya no digo extraordinaria o excepcional –y al mismo tiempo,  también es sabedor que el público en general dispone de escasos conocimientos con respecto al arte, debido a ese alejamiento mencionado, y que no obtendrá respuestas negativas. Cuando alguien dispone de experiencia en este ámbito y expresa su parecer, entonces salta la ofensa y se exterioriza un “amor propio” en muchas ocasiones desmesurado.

Autora: SANTI GARCÍA CÁNOVAS

Al artista actual –y generalizo, pues entiendo que puedan haber excepciones –en su mayoría su formación en historia del arte es poca, escasa preparación intelectual, - ni interés por tenerla -  con exceso de egolatría, dedicados en buena parte a otras profesiones para obtener el sustento diario, con lo cual su concentración para el arte no es al 100%, y por lo tanto, horas que deberían dedicarse al arte, deben desplazarse al sustento, aunque sea dando clases.

 

El artista, debe realizar una preparación y formación constante, en arte y en muchas otras ramas de la cultura (historia, literatura, música, informaciones de toda índole…), y en todo lo que nos rodea. Es esta una ardua pero gratificante tarea,  como puede asegurar esta crítico de provincias, pero absolutamente imprescindible para ejercer su tarea, para conseguir lo que en su día manifestó Leonardo da Vinci sobre el arte:

 

Leonardo DA VINCI - La Virgen de las Rocas (1480-1490) - National Gallery (Londres)

 

 

 

El Arte eleva el espíritu humano, sublima sus emociones básicas, y cultiva el sentido de ser más sensibles a las cosas buenas de la vida. El arte da  la paz y la vitalidad a la mente humana  y al alma.

 

Para cultivar la mente,  para los que el arte puede "hablar", debe darse a sí mismo, por encima del nivel del reino animal.  Es dar libertad al espíritu del hombre,  que es la verdadera alegría de la vida.

Autora: Sílvia ALCALÁ

Sin embargo, en la segunda década del siglo XXI, el amplio acceso al arte provocado a partir de los años 70 del pasado siglo, por el auge de estrilos vanguardistas -  a los cuales muchos, procedentes de las más estrictas enseñanzas académicas,  se dedicaban pero pocos podían vivir de la creatividad de las mismos -  apareció  en masa como forma indirecta de “modus vivendi”,  el hecho de dar clases, a lo que otros más clásicos también se acogieron.

 

Ello supuso poner al alcance de todos, medios técnicos y de enseñanza de los conceptos básicos del arte (dibujo, composición, estructura, tratamiento del color, uso de pinceles, materiales escultóricos,  etc.,). Poco a poco, y por razones puramente crematísticas,  se iba relajando la  exigencia academicista, el esfuerzo y la capacidad real de creación, la aceptación de la crítica, hasta llegar al abandonado de la autocrítica, lo cual repercute en la realidad actual: artistas faltos de base intelectual y formación humanística, específicamente centrados en la técnica y una temática apetecible.

Autor RAFAEL ROMERO

TS Elliot, poeta, dramaturgo y crítico literario anglo-americano, publicó en su ensayo Notes Towards the Definiton of Culture (1948):

 

“La ingenua idea de que a través de la educación, se puede transmitir la cultura a la totalidad de la sociedad, está destruyendo la “alta cultura”, pues la única manera de conseguir esa democratización universal de la cultura es empobreciéndola, volviéndola cada día más superficial”.

 

El insigne ensayista centra su disertación en el contexto global de las humanidades, por lo que por extensión,  el arte queda perfectamente contenido en la anterior cita. Para Elliot, la “alta cultura” es la élite intelectual y de pensamiento, que en nada tiene que ver con un status económico o político.

 

Un artista que se precie, con preparación técnica, cultural, perfectamente informado, no debe temer a las críticas negativas, si estas se hacen con argumento suficiente. Debe poseer la “alta cultura” que indica Elliot, porque ello le permitirá ofrecer al público el máximo de su creatividad con humildad y el eterno deseo de aprender.

Autor: ANTONIO SÁNCHEZ

Personalmente, voy a seguir opinando, en positivo o negativo de las imágenes que vea en las redes sociales, puesto que NO TODO VALE, a pesar del relativismo imperante. No voy  pasar de largo. Dentro de un espíritu crítico, que aun reside en mi persona, voy a expresar mi parecer, subjetivo, sin duda, discutible, efectivamente, siempre dentro del respeto - aunque escasas son las ocasiones en que recibo por parte del artista un elevado nivel de debate -  pero basado en la experiencia y en un buen hacer profesional, puesto que son muchas las exposiciones visitadas, cuantiosas las lecturas en diversidad de materias, y profusa la información de que dispongo.

Fundació JOAN MIRÓ - Autor: ANOTHER VACANT SPACE

Ello puede crearme problemas, seguro, pero dentro de mi derecho a la libertad de expresión, puedo opinar de lo que un artista hace público. Es difícil el mundo del arte pero si se es uno de los mejores, no ha de haber problema.

 

NOTA: Las imágenes que ilustran este artículo han sido extraídas de redes sociales, de la sección de imágenes de Google, así como de mi archivo personal, con lo que su nivel de exhibición es público, y consecuentemente, expuestas a opiniones de toda índole. En el caso de quien firma este artículo proporcionan el ejemplo de trabajos de perfil bajo,  claramente mejorable y superable.

 

Marta Teixidó

Crítico de arte

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GALERÍAS, GALERISTAS, SUCEDÁNEOS

Y TIENDAS QUE VENDEN ARTE

Hace unos días, una amiga galerista me hablaba de los sinsabores del gremio, y del intrusismo que existe en el ámbito del arte. Me comentaba que en la actualidad, la mayoría de quienes gestionan una sala de exposiciones,  no son entendidos en la materia y apenas amantes del arte. Si lo fueran, serían perfectamente capaces de asumir que muchos de los “productos artísticos”  que a nivel galerístico se ofrecen, no deberían tener salida comercial, ni formar parte de colecciones, privadas o públicas, bien por calidad o bien por nombres arropados por intereses diversos.

 

Son intrusos, personajes  que con algo de dinero, básicos conocimientos de la historia de arte, dominar el lenguaje del mercado, tener dotes de relaciones públicas, y buenos contactos, construyen un montaje creíble que les permite poner precios altos para artistas que en realidad están fuera del mercado.

Los trabajos de un artista publicitario que sólo haya expuesto en algunos hoteles o ámbitos de segunda y tercera fila,  no pueden tener los mismos precios que los que corresponderían a quien posee un currículo exhaustivo de exposiciones en galerías, museos y fundaciones de todo el mundo. Por interesante que sea su obra, los precios deben tener un equilibrio entre la calidad y el mercado. No basta ser muy bueno.

 

En los hoteles, la mayoría de 4 y 5 estrellas, quienes gestionan las exposiciones que visten salas principales de los mismos, disponen por lo general de escaso criterio artístico, y aceptan todo los que se les ofrece, y que además se vende -  en estos momentos, la mejor sala para exponer es precisamente un hotel – puesto que los clientes que adquieren las piezas, tienen posibles y creen que lo que allí se exhibe es de alta calidad. 

El mercado del arte tiene unas reglas básicas que se deben conocer y respetar. Todo ello, los intrusos lo ignoran, o no les importa. Algunos se creen por encima del bien y del mal, porque lo único que les interesa es hacer dinero. Su capacidad de relacionarse es su mayor virtud. En los ambientes en los que se saben mover, encuentran mucha gente económicamente muy estable, sin espíritu crítico,  con ganas de gastar, que no saben distinguir las diferencias, ni disponen de conocimientos, sus visitas a exposiciones son escasas, pero les sobra por doquier, no sólo dinero sino ganas de ostentar y aparentar, por lo que son presa fácil para muchos galeristas con escasos escrúpulos.

 

Esta forma de actuar perjudica enormemente a los galeristas de vocación, que creen en lo que exponen y lo defienden con válidos argumentos. Un galerista quiere vivir del arte porque ama el arte y desea expandirlo, difundirlo y venderlo con el ánimo de dar cotización al artista en el que cree, así como dar prestigio a su establecimiento, algo básico para crear la confianza indispensable entre artista, cliente y galerista.

 

Pero no sólo el intrusismo damnifica al galerismo. También cohabitan con el mismo  lo que en realidad se podrían llamar "tiendas de arte" - para diferenciarlo de una galería - que se dedican a cobrar de los artistas, vendiéndoles la película de que se les ofrece una oportunidad, que les hace difusión - se limitan a enviar una invitación a medios de comunicación (ni siquiera son capaces de enviar una nota de prensa decente),  cuyo caso omiso es evidente -,  pero en realidad ni creen ni les interesa el artista que expone; sólo que pague por exponer, algo que puede ser legítimo ya que los gastos son importantes, pero que debe tener una contraprestación plausible e importante.

 

Estas “tiendas de arte” no se gastan un euro en publicidad,  y además envuelven la nula gestión,  informando que ha habido cliente interesado en la obra, pero que no se ha decidido todavía, y mejor devolverla al artista, a portes debidos, si es posible.

Hay otros especímenes galerísticos donde el cliente, suele también tener posibles, y con mucha labia, venden una obra de calidad técnica, buena factura pero absolutamente convencional, fría y con marcado sentido comercial. El artista apenas es conocido fuera de un determinado circuito, pero venden una pieza a 5.000 €,  - que puede pagar a plazos - y la cotización real de ese artista, de siempre oscila entre los 500 €.

 

Unas obras que captan la atención de un cliente que no entiende con arte, pero que ha visitado a unos amigos y ha visto un cuadro que le ha gustado y “¿dónde lo has comprado?”,  o ha pasado por delante del escaparate, y con una buena decoración piensa que aquella sala de arte es “buena”, y la adquisición de una pieza de la misma “es una excelente inversión”.

Y finalmente, están los intrusos institucionales, que bajo el cobijo del dinero público, potencian a personajes de currículum escaso y desconocidos generalmente fuera del mundillo, pero les dan espacio para exhibir una obra, que nunca pasará de un talante público, y que no les aportará cotización, algo que los artistas ignoran, pero quienes adquieren su obra, normalmente al margen del galerismo y directamente al artista, se encuentran que el paso del tiempo devalúa la misma por las razones expuestas. 

 

Los intrusos institucionales se han apropiado del papel de los galeristas, lo han manipulado a su conveniencia a base de edificaciones públicas y colocación de adláteres políticos, y han arrasado el mismo,  y todo ello, curiosamente,  con el consentimiento del galerismo establecido, que ha querido mantener buenas relaciones con los usurpadores públicos, y que al final ha caído en la caridad de las subvenciones,  e incluso algunos,  obligados a exponer lo que dictan pomposas áreas de cultura, ministerios y consejerías incluidos.

El galerismo bien entendido, amado y soportado por sus dueños, debería estar mucho más unido, a todos los niveles, reivindicando su papel desde la segunda mitad del siglo XIX como verdaderos impulsores del arte, a través de sus exposiciones y salones, expulsando a intrusos y sucedáneos galerísticos. Ello permitiría mejorar la calidad de las obras a exhibir y potenciar, y quienes adquiriesen las mismas, sabrían de seguro que tendrían una buena pieza, digna de herencia.

Marta Teixidó

Crítico de arte

Cuuadros de una Exposicion

 

ART FINANCE REPORT-2016

Amenazas al funcionamiento y reputación

del mercado del arte

 

Por NIAL ART LAW

 

La firma Nial Art Law, bufete de abogados especializados

en el mercado del arte, ha hecho llegar a la redacción

de Cuadros de una Exposición.com, el siguiente artículo

en el que se hace mención de aspectos importantes

relacionados con la cotización e inversión en obras de arte

 

El “Art and Finance Report 2016” es un prestigioso informe anual publicado por Deloitte y ArtTactic que tiene como objetivo actuar como un barómetro para la industria del arte emergente y las finanzas. Resalta las principales tendencias y desarrollos en el mercado del arte y efectúa un análisis de las motivaciones y percepciones de las personas participantes en este mercado.

 

Este informe, junto con el “2016 The European Art Fair Report” (TEFAF) publicado hace pocas semanas, son las dos referencias con mayor autoridad relacionadas con el mercado del arte.

 

El “Art and Finance Report 2016″ está dividido en cinco secciones que abarcan: 1) El mercado del arte 2) Arte y gestión de patrimonio 3) El arte como inversión 4) Arte y tecnología 5) Regulación.

 

NIAL Art Law ha participado este año en el “Art and Finance Report 2016″ en la sección sobre “Regulación” tanto con la redacción del artículo “Money laundering in the Spanish market” (página 153 del informe) como dando su opinión de experto en el mercado del arte junto a otros expertos mundiales participando en contestar una encuesta.

La sección “Regulation” es una sección nueva incluida en el “Art and Finance Report 2016″ que se basa en los hallazgos de las encuestas realizadas a profesionales relacionados con el mercado del arte cuyo propósito fue identificar un conjunto de prioridades sobre las cuestiones que suponen una mayor amenaza para la reputación y el funcionamiento del mercado del arte a nivel mundial.

 

El resultado de estas encuestas hace ver que las cuestiones que suponen una mayor amenaza para el mercado del arte son:

 

1. La manipulación de precios y otros comportamientos anticompetitivos: el 73% de los “wealth managers”, el 82% de los coleccionistas, y el 73% de los profesionales del arte ven en la manipulación de precios y otras conductas contrarias a la competencia un importante factor perjudicial para la reputación del mercado del arte mundial. Este es un factor crítico que socava la confianza y la credibilidad del mercado. Los coleccionistas de arte en particular se sienten fuertemente vulnerables a este aspecto específico del mercado.

 

2. Conflictos de intereses no revelados: el 77% de los “wealth managers”, el 72% de los coleccionistas y el 70% de los profesionales del arte ven en las cuestiones relativas a conflictos de intereses no revelados un problema serio para el mercado del arte. El papel de los intermediarios en el mercado del arte sigue siendo un área gris y no reglamentada. La relación entre los intermediarios y el vendedor y el comprador está, a menudo, plagada de falta de transparencia y posibles conflictos de intereses. Según el informe, mientras el mercado del arte esté basado en unos ingresos por comisión, el problema de los conflictos de intereses se mantendrá.

 

Respecto a cuáles son las otras cuestiones importantes que afectan a la confianza y a la credibilidad en el mercado del arte, el “Art and Finance Report 2016″ señala la autenticidad, la falta de procedencia, la falsificación y la atribución.

 

NIAL ART LAW

Beatriz e Isabel Niño

Despacho de abogados especializado en el mercado del arte

Rosselló, 77 pral. 
Barcelona

http://www.nial-artlaw.com/

 

VERIFICACIÓN PREVIA

PARA LA COMPRA DE UNA OBRA DE ARTE

 

Con la finalidad de informar al lector de

Cuadros de una Exposición.com, el bufete de abogados especializado en el mercado del arte NIAL ART LAW, facilita el decálogo básico y esencial para la compra de una obra de arte, con las máximas garantías.

La compra de una obra de arte puede significar, en muchas ocasiones, una inversión importante de dinero. Por ello, verificar previamente a la compra de una obra de arte la inexistencia de problemáticas, juntamente con un adecuado asesoramiento por parte de especialistas, es fundamental.

 

Los principales puntos que se deberían chequear son:

 

1.- Verificar la identidad del vendedor teniendo en cuenta si estamos ante una persona particular (persona física) o ante una sociedad (persona jurídica).

 

2.- Comprobar el título de propiedad del vendedor aunque es ésta una de las principales carencias con las que nos encontramos en el mercado del arte.

 

3.- Asegurarse de que se está comprando a través de un profesional adecuado ya que la compra de una obra de arte a través de profesionales del sector ofrece mayores garantías en las transacciones.

4.- Cerciorarse de que la obra de arte objeto de compra no se encuentre en algún registro de objetos de arte robados y que no proceda del comercio ilítico.

 

5.- Solicitar el certificado de autenticidad de la obra de arte y, en el supuesto de que la obra haya sido exportada de otro país, pedir copia del permiso de exportación.

 

6.- Verificar si la obra de arte ha sido declarada bien de interés cultural (BIC) o se encuentra incluida en el Inventario General de Bienes Muebles para respetar los derechos de adquisición preferente a favor de la Administración del Estado.

 

7.- Demandar cualquier documentación acerca de la historia de la obra de arte.

 

8.- Solicitar un informe de condición (estado y conservación) de la obra de arte antes de la compraventa lo cual puede ayudar a identificar si se trata de una obra auténtica o falsa.

9.- Asegurarse de obtener una factura escrita y fecha del vendedor con todos los detalles de la obra efectuando el pago por cheque o por transferencia bancaria y solicitar un recibo de la compra.

 

10.- Obtener una buena foto de la obra de arte objeto de compraventa y mantener la documentación de la compra en lugar seguro y separado de la obra de arte en sí.

La relevancia de la transacción que vayamos a llevar a cabo y el tipo de obra de arte que vayamos a comprar nos indicarán si será necesario chequear con todos y cada uno de los puntos anteriores o, por el contrario, si podremos obviar alguno de ellos (por ejemplo, el punto 8 relativo al informe de condición).

 

NIAL ART LAW

Beatriz e Isabel Niño

Despacho de abogados especializado en el mercado del arte

Rosselló, 77 pral. 
Barcelona

http://www.nial-artlaw.com/

LA VIRGEN DE LA GRANADA DE FRA ANGELICO,

 

 O COMO LOS ESPAÑOLES SOLVENTAMOS

LOS PROBLEMAS DE LIQUIDEZ Y DE IMPUESTOS

DE LA CASA DE ALBA

 

 

Es loable y necesario que las autoridades culturales de nuestro país, velen por la conservación del patrimonio histórico-artístico, lo incrementen y lo difundan para deleite de entusiastas y conocimiento de la ciudadanía.

 

Sin embargo, tan encomiable labor, encierra en más de una ocasión excesivo celo y acumulación de obras, que escasamente ven la luz expositiva.

 

El pasado 14 de enero, la agencia Logopress publicó la noticia en la cual la Casa de Alba ultimó la venta del cuadro La Virgen de la Granada de Fra Angelico por 18 millones de euros.

FRA ANGELICO: El Funeral de San Antonio Abad

Con fecha 20 de enero, apareció una nueva noticia al respecto, en la que se informaba tanto de la forma de pago como del hecho de la aceptación de la propuesta de donación de Carlos Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo, XIX Duque de Alba de Tormes, de otra importante tabla florentina, una predela con el tema de la muerte de San Antonio Abad, cuyo reciente estudio ha permitido su atribución también a Fra Angélico.

 

En la nota del día 14, se indica que el cuadro puede valer mucho más, ya que en última salida de España para ser expuesta de forma temporal en el Meadows Museum de Dallas en Estados Unidos, la obra se aseguró en 40 millones de euros.

Entre los meses de noviembre de 2012 y marzo de 2013, esta obra, fue exhibida en Centro Centro Madrid, en la muestra “El legado de la Casa de Alba”, y según indica el catálogo, magnífico y muy detallado,  la que ahora la prensa menciona como “La Virgen de la Granada”, fue denominada como “Virgen con el niño y dos ángeles”, una pieza de 1426, pintada por Fra Angelico, y que en 1817 fue adquirida por Carlos Miguel Fitz James –Stuart, duque de Alba en la época, y que hasta la fecha indicada, no había visto la luz, al permanecer en las dependencias del Palacio de Liria, con la excepción de 1955, en que la pintura fue incluida en la exposición del quinto centenario de Florencia.

 

Con respecto a la obra, tal como indica la nota de prensa:

 

La pintura, en perfecto estado de conservación, deja visible los pliegues y sombras en el paño dorado de honor sostenido por ángeles, que protege la espalda de la Virgen. El Niño Jesús, sentado sobre las piernas de su madre, está vestido con una túnica roja y juega con la granada que sujeta María con la mano derecha.

 

La escena transcurre mientras la Virgen, vestida con los colores propios de la iconografía religiosa de la época, rojo y azul, mira al espectador. Una magnífica composición que impide desviar la mirada consiguiendo de esta forma trasmitir el espíritu más íntimo de la escena.

Cómo puede comprobarse, una maravilla absoluta e indiscutible del arte florentino y de Fra Angelico, y naturalmente, por parte del Estado Español, fue declarada inexportable, y por lo tanto, o se la quedaba el Prado o permanecía en la Casa de Alba.

 

Y he aquí el quid de la cuestión: el hecho de que No era exportable, con lo cual el duque de Alba no ha podido sacar 40 millones de euros, y los impuestos de los sufridos ciudadanos de este país, que hemos tenido que pagar el reflotamiento de los bancos, el fracaso de la plataforma Castor, las preferentes de Bankia – y otros bancos – ahora hemos de solucionar los problemas de liquidez de la Casa de Alba – los ricos también lloran, afortunadamente – por el bien del patrimonio pictórico español, aunque tampoco es descartable la opción del correspondiente pago de tasas, debido al impuesto de sucesiones u otros tributos. La presencia del Ministro de Hacienda, Cristóbal Montoro en la presentación de ambas piezas, da que pensar que el tema económico vaya en esa dirección, y la donación de la predela también.

Como amante del arte y crítico del mismo, naturalmente estoy a favor de donaciones y conservación de patrimonio. Pero la actual legislación española con respecto a las obras de arte es EXTREMADAMENTE rígida e intervencionista, cuando en un mundo globalizado como el actual, debería existir más fluidez y más abertura de fronteras y de posibilidades de compra-venta, y seguir los pasos del Reino Unido, cuyas mayores exportaciones son precisamente la venta de obras de arte.

 

Los impuestos de los españoles NO tienen por qué pagar la falta de recursos económicos, ya que  ésta es la más que probable razón de la venta del cuadro al Museo del Prado, sin descartar, como ya se ha mencionado anteriormente,  la posible liquidación de tributos de la Casa de Alba.

 

Según indicó la agencia Logopress en un comunicado posterior: la compra será abonada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y el Museo Nacional del Prado en cuatro anualidades, a partir de 2016. El Ministerio aportará a la compra diez millones de euros a pagar en tres años a partir de 2017 y el Museo contribuirá con ocho millones de euros, cuatro de los cuales serán aportados por la Fundación de Amigos del Museo del Prado, iniciando su abono en 2016 – 

Ante la actual problemática con  respecto a jóvenes sin empleo, trabajos precarios, empresas que cierran y una economía inestable, por mucho que el gobierno – en funciones – manifieste a los cuatro vientos, unas bondades macro-económicas, que en nada tienen que ver con la micro-economía real, noticias como esta hieren la sensibilidad de quien las lee y de quien sufre los recortes en sanidad, educación, o le desahucian la casa. Y no se trata de demagogia, sino de una realidad que todos los ciudadanos vivimos directa o indirectamente.

 

A ello hay que añadir la deslealtad que ejerce el Gobierno Español y el Ministerio de Hacienda con personas físicas y jurídicas que ante falta de recursos para pagar impuestos, desean abonar las cantidades correspondientes con obras de arte, también de gran valor, y no lo admiten porque la agencia tributaria necesita dinero, no arte.

 

El duque de Alba debería haber tenido la libertad de llevar la obra a casas de subasta de reconocido prestigio, y sacar el mejor partido posible, y el Estado Español a pujar como cualquier otro millonario. Si no tiene dinero para ello, pues no compra.

 

En esto, la baronesa Thyssen (Carmen Cervera), tuvo mejor acierto y puso a buen recaudo en un paraíso fiscal la famosa “La exclusa” de John Constable, por lo que el Estado Español nada pudo hacer al respecto, y Tita Thyssen, rica en arte pero no en liquidez, saco unos nada desdeñables 25 millones de euros.

 

Vivimos en un país que para sostener un estado autonómico y burocrático insostenible, es restrictivo y acaparador con los impuestos, tanto para las grandes fortunas que NO OPERAN en bolsa, o sea, no trapichean con Sicavs ni nada por el estilo, como para nosotros, ciudadanos grises que sólo servimos para pagar impuestos.

 

Si fuese un estado de política anglosajona, que fuera la sociedad civil que a través del mecenazgo favoreciera las actividades culturales y humanistas, muchos famosos pagarían muy a gusto los impuestos, y a otros, no seríamos los españoles, cornudos y apaleados en demasía, lo que solucionaríamos sus problemas económicos.

 

Marta Teixidó

Crítico de arte

www.cuadrosdeunaexposicion.com

NOTA:

 

En el número 3732 de la revista HOLA!, con fecha 10 de febrero, apareció la noticia de una posible disconformidad de la familia de Alba con respecto a la venta de La Virgen de la Granada, algo que Carlos Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo descartó con toda seguridad, aludiendo un nueva "re-ordenación de la casa, todo el aspecto económico y estructural y quería que al desprenderme de este cuadro fuera al Prado...." , así como es la apertura al público del Palacio de Dueñas, algo comentado hace tiempo con la fallecida Cayetana.

 

Evidentemente, una re-orientación como forma de obtener ingresos importantes con la finalidad de seguir conservando tan magnífico patrimonio, y que sigue la tradición de la aristocracia inglesa con visitas guiadas a sus fincas, castillos y mansiones. Algo absolutamente imprescindible ante un Estado tan devorador de impuestos como el español.

CON RESPECTO A LAS RESIDENCIAS PARA ARTISTAS

 

Por Anna Belsa,

directora de la galeria de arte barcelonesa

EL QUADERN ROBAT

Una de las “utilidades” que ha tenido esta crisis, ha sido el hecho que muchos de los ambientes artísticos existentes, han tenido que utilizar el ingenio para ganarse la vida. Y uno de los inventos que han propiciado han sido son las llamadas residencias para artistas.

 

Basándose en una idea muy antigua – espacios que se realquilan - en los últimos años, han proliferado por doquier, vistiéndolas muy bien, pues quienes las organizan saben lo que se hacen. Son gente bien preparada, y saben aprovechar muy bien las estrategias de marketing. Una residencia de artistas en Barcelona puede tener mucho gancho, sobre todo porque se aprovecha el tirón turístico que tiene la ciudad.

 

El interés real para el arte contemporáneo en Barcelona es otra cosa, pero los artistas extranjeros esto no lo saben, y los que regentan las residencias tampoco lo dicen. En los últimos meses de mi estancia en la otra galería, tuve una experiencia en este sentido con una artista japonesa que había sido "invitada" a hacer una serie de grabados y una exposición en Barcelona. Durante la inauguración y los días posteriores, el artista se topó con la realidad: prácticamente no entraba nadie. Le habían hecho creer que Barcelona era un oasis en medio de la crisis; que los ambientes artísticos hervían de actividad y que el arte interesaba a todos. Le habían vendido la ciudad como un crisol de coleccionistas, y la verdad es que no se vendía nada desde hacía meses....

Me ha costado un poco encontrarlo, pero finalmente he podido saber las tarifas de una de estas residencias: Alojamiento y estudio 550, - € al mes. Si el artista residente quiere hacer una exposición 650, - €. Por cada día que prolongue su estancia (siempre que se pueda, claro), tendrá que pagar 50 €.

 

La residencia consultada, como la mayoría, sólo aceptan artistas extranjeros. Su política pasa por la internacionalización, como no podía ser de otra manera. No he encontrado ninguna parte una explicación convincente de esta condición sine qua non. Quizás les es más fácil "llenar" si los que vienen son de fuera: además de aprovechar el atractivo turístico de la ciudad, los pueden hacer creer, como le pasó a la artista japonesa, que en Barcelona se atan los perros con longanizas.

 

Aparte de ofrecer alojamiento y exposición, hay que decir que algunas se mueven bastante bien. Además de intercambios de artistas con otras residencias, se han sabido conectar con los círculos artísticos institucionales (incluso reciben subvenciones, esto es saberse vender!), Y han llegado a colaborar en eventos diversos. Ignoro si en algún caso, ha sido a cambio de alguna contrapartida económica, pero lo que sí es cierto, es que, estas conexiones les son muy útiles para tener una nutrida lista de espera de artistas ansiosos de formar parte de su "proyecto". 

¿Quién se puede resistir a entrar en una de estas residencias (¡ aunque sea pagando!) que pueden servir de escaparate de museos y centros de arte ?

 

No sé si,  lo que se cuece en estas residencias de artistas forma parte del mundo real, o si todo es una especie de entelequia artística-intelectual difícil de convertirse en objeto de deseo. Supongo que eso ya se verá; ¡ojalá que sus actividades sean capaces de generar el interés suficiente para estimular un coleccionismo nuevo!

 

El único peligro que veo, y que personalmente me produce un gran pesar, es que utilizan el lenguaje del horror. Frases como "prácticas curatoriales auto-gestionadas" o "proyectos independientes desde lo micro y con el recurso de un espacio doméstico", aparte de dar bastante inquietud, no nos dicen nada nuevo. Que yo sepa, eso es lo que han hecho las galerías de arte desde siempre. La única diferencia es que las buenas, no cobran alquiler a los artistas. Es de la venta de obras de arte, de lo que tienen que vivir.

 

Anna Belsa

http://quadernrobat.blogspot.com.es

 

PRACTICAS IRREGULARES

 

Por Anna Belsa,

directora de la galeria de arte barcelonesa

EL QUADERN ROBAT

Desde hace algunas semanas, un amigo nuestro, estampador y a veces editor de grabados, está muy preocupado. Parece ser que circula una cantidad considerable de obra gráfica falsa. Él es un miembro permanente de la comisión Tàpies, un grupo de personas expertas que, al amparo de la Fundación del artista, se dedican a determinar si las obras que les llegan son auténticas o no. Ya hace tiempo que colaboran con una unidad especializada de la policía, pero por lo que nos cuenta, si la familia no interpone una denuncia, esta unidad no puede iniciar ningún tipo de investigación.

 

Únicamente se certifica la no autenticidad de la pieza, y aquí se acaba la historia. Ya hace tiempo que este amigo nos había explicado que un comerciante de la ciudad había comprado un lote de litografías a 30 € la unidad. Era más que probable que aquellas litografías fueran todas falsas. Por lo que nos explicó, hoy en día, con las técnicas digitales, es bastante sencillo falsificar una litografía. No ocurre lo mismo con el grabado. La gran complejidad técnica que conlleva, lo hace prácticamente imposible. Ni sale a cuenta, ni es factible. Muchas de estas falsificaciones están a la venta por internet. Yo siempre había aconsejado no fiarse de según qué medios para comprar obra gráfica, y sobre todo, desconfiar de las ofertas sospechosamente accesibles en cuanto al precio.

 

Además de esto, hay un gran desconocimiento general con todo lo que tiene que ver con las tiradas de las series. Quizás hay que explicar que, de una obra gráfica se hace una tirada numerado, y que además, es del todo legal hacer, además un 10% de PA (pruebas de artista) y un 10% de ejemplares H.C. (Hors commerce, o fuera de comercio). Las pruebas de artista pertenecen al artista, y puede hacer el uso que quiera. Los ejemplares H.C. pertenecen al editor. Originalmente, servían de muestra: para ser expuestos, o para enseñar al público.

 

La contradicción que encontramos con estos ejemplares HC es que, por su definición, no se deberían comercializar, pero sí que se comercializan. De todos modos, esto no supone ninguna irregularidad: si la edición numerada está completamente agotada, y los ejemplares HC están en buen estado, el editor puede disponer para su venta. Sin embargo, hay un detalle que a mí siempre me ha inquietado.

 

Estos porcentajes de P.A. y de HC, que como ya he comentado, son completamente lícitos, deberían estar numerados, y no siempre lo están. Con esto quiero decir, que en una tirada de 100 ejemplares, se deberían haber 10 PA numeradas del P.A. 1/10 al P.A. 10/10 y 10 H.C. numerados del H.C. 1/10 al H.C. 10/10. Muchas veces he visto ejemplares P.A. o H.C. sin numerar, así como certificados de autenticidad en los que se explica que sólo se ha numerado un 5% de la edición de ejemplares HC El resto, constan como ejemplares H.C. sin numerar. Y quién nos asegura que sólo se hicieron 5? Debemos confiar en que sea así, pero también podemos sospechar que hicieran "algunas más".

 

Algún artista me contó hace años, que se había negado a firmar una edición, porque habían hecho una tirada que sobrepasaba en mucho el número de ejemplares pactados. En este caso, no hablamos de obra gráfica falsa, sino de "tiradas irregulares". Y eso es dificilísimo, por no decir imposible de averiguar. Lo que sí se debería eliminar del todo, es esta práctica, a fin de eliminar posibles equívocos y sospechas.

 

Lo realmente preocupante es cuando todo es falso: la litografía (estampada sin consentimiento del artista) y la firma. Hay que tener cuidado con aquellos que confunden la obra gráfica con papel moneda. En momentos de crisis, cuando la gente busca "gangas", los falsificadores encuentran un terreno bien abonado. Ya lo dicen: "sacar provecho del embrollo".

 

Anna Belsa

http://quadernrobat.blogspot.com.es

ANÁLISIS Y REFLEXIONES

EL ARTE, CAMBIOS Y DERIVA 

AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN - Exposición RAMON GASCH-2014

Tanto el lector habitual, como el esporádico de esta sección, comprenderá por el título de este artículo,  que  el mismo hace referencia  a la actual crisis financiera, económica, política y social que España vive con intensidad, y de la que no se augura su fin a corto plazo. Pero no sólo nuestro país. A excepción de los emergentes, y tal vez, Estados Unidos, Australia y Canadá, Europa y buena parte del mundo  sufre de forma pertinaz e implacable.

 

En consecuencia con lo antes expuesto, el mundo del arte no es para nada ajeno al mismo; bien al contrario, es un escaparate grande y “luminoso” de esta época de trances y declive, que la tecnológica sociedad del siglo XXI soporta con estoicidad, y sin grandes atisbos de revueltas o disturbios.

Para un análisis del entorno artístico, es necesario precisar que el mismo se compone de dos vertientes claramente diferenciadas.

 

La primera, la de los artistas de renombre, las grandes galerías, las astronómicas cifras que acomodados en fortuna y millonarios en vanidad, algunos pagan por esnobismo, por un puñado de obras escogidas, de muchos autores de trayectoria vital displicente, artísticamente bohemia, y crematísticamente desventurada.

 

Y la segunda, diametralmente opuesta,  artistas del ego, que no del alma, que se mueven por circuitos promovidos por asociaciones culturales, sin ánimo de lucropero que en sus exhibiciones permiten dejar la tarjeta del expositor, y la oportuna lista de precios, en clara competencia desleal con las galerías– salas de arte de carácter público, museos o instituciones, cuyo mantenimiento costeamos con nuestros impuestos. 

COL·LEGI D'APARELLADORS DE MATARÓ - Exposición Rafael Romero-Noviembre-2014

Bajo la apariencia de organizar muestras temporales, tienen como objetivo dar  una oportunidad a artífices, que dentro de un circuito galerístico intermedio – mucho más al alcance del mencionado en el primer apartado -  no tendrían en realidad salida alguna.

 

Este loable y encomiable propósito, ha sido el detonante en realidad, de la actual situación de precariedad creativa, de decadencia en innovación e imaginación de temáticas, estilos, que la actual crisis económica, que padecemos - y que  seguiremos aguantando durante unos cuantos años más, a pesar de lo que digan los portavoces del gobierno de turno -  ha puesto al descubierto, al descender el poder adquisitivo de los consumidores y contribuyentes de este país, para comprar arte.

 

El arte está masificado. Un artista puede hacer una obra en un minuto, si se lo propone. Los medios, los soportes y la técnica se lo permiten. No se crea arte, SE FABRICA, SE PRODUCE. Y ya se sabe, la producción en masa hace descender el valor y bajar los precios.

AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN - Expo Sílvia ALCALÁ - Julio-2014

Hasta la década de los años 70 del siglo pasado, un artista podía, con más o menos fortuna, consagrarse a su arte, y para ello el aprendizaje era constante, la práctica necesaria y la autocrítica imprescindible. Pero a partir de esa fecha, y especialmente con la llegada de los ayuntamientos democráticos, en su mayoría, con  equipos de gobierno de izquierdas, se empezó a establecer una estructura de centros cívicos, entidades y espacios expositivos públicos y subvenciones a entidades, que para detrimento del ARTE, dieron oportunidad a la mediocridad, a perfiles bajos de creatividad o a personajes y personajillos, adictos al régimen gobernante en el consistorio, que con el dinero de todos, pudieron ver expuesta una obra, mayoritariamente de carácter contemporáneo y conceptual,  que actualmente descansa en paz en el cementerio del olvido, y que además, con el paso del tiempo y de los cambios sociales, ha provocado la total apatía del público por visitar exposiciones.

LA PRESÓ - Expo Petits Plaers - Jordi SANTAMARIA - Noviembre-2014

A lo antes citado, hay que añadir que muchas entidades sociales y culturales, están dirigidas por personan mayores de 65 años, que como forma de distraerse, o incluso de perder el tiempo, son elegidos presidentes de estas entidades.  La biología hace su curso, el espíritu crítico se desvanece, todo vale, y expone cualquiera: desde los que dibujan o pintan como terapia recomendada por su médico de cabecera, hasta los que retoman las bellas artes, olvidadas por la vida laboral y la atención a la familia, y ahora rescatadas por la jubilación, hasta el que tiene por hobby la pintura, cuando en realidad sería más aconsejable dedicarse a coleccionar sellos o al macramé.

 

A lo anteriormente expuesto, se debe añadir ese sentido tan meritorio, que en ocasiones raya la hipocresía de muchas entidades culturales que disponen de local para exponer: “nosotros no somos galeristas, ni nada de eso, pero nos hace mucha ilusión ver la cara de los artistas cuando presentan su obra”. Y ante esa ilusión, no perciben que una oportunidad hay que darla a quien se lo merece, y que hay que ser mucho más experto, que el arte no se trata de exhibirlo como una atracción de feria, sino que es una de las esencias fundamentales de las humanidades, y que hay que ser más exigente y tener más conocimiento.

AMICS CASTELL DE SANT FERRAN - Expo Jordi MILLÁN- Abril-2014

Las imágenes que hasta este punto han están ilustrando este artículo, son suficientemente explicitas de lo que ocurre con espacios culturales, acogidos bajo el paraguas institucional  - sea municipal, autonómico o del estado - , y gestionados por entidades culturales.

 

Pero pruebas son amores, y es hora de ser más explícito, tomando como ejemplo dos entidades en concreto, como muestra más que significativa de lo que ocurre en todo el país.  

 

En más de una ocasión se ha informado y comentado las exposiciones de entidades como “Amics del Castell de Sant Ferran”, o la “Associació Sant Lluc per l’Art”. La primera tiene su sede en el castillo del mismo nombre, antigua prisión militar de Figueres (Girona), y la segunda en Mataró.

 

Y si bien muchas de estas muestras merecerían el silencio por respuesta, debido a la infame calidad de las mismas, tal como se indica en el perfil de esta web: 

AMICS CASTELL DE SANT FERRAN - Expo Sílvia ALCALÁ - Julio-2014

Esta web tiene como objetivo,  comunicar y comentar el acontecer de los distintos eventos que tienen lugar en el mundo del arte.

 

Si el conjunto tiene o no calidad, si vivimos momentos de alta creatividad,  o si por el contrario se atraviesa una etapa de cierta confusión e incertidumbre,  será resultado de la realidad artística.  Se expone lo que se produce, y se informa y comenta al respecto.

 

Sin embargo, no deja de ser inconcebible para esta crítico de provincias, que haya “artistas”, que tengan la osadía y la frescura de exponer una obra que degrada totalmente la sublimidad del ARTE.

 

Obsérvese por ejemplo a Sílvia Alcalá, que en el mes de julio expuso en el Castell de Sant Ferran.   Según el currículum de esta auto-proclamada “artífice”: es profesora de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. ¿CÓMO ES POSIBLE QUE UNA LICENCIADA EN ESTA MATERIA, CON AÑOS DE EXPERIENCIA COMO DOCENTE, TENGA LA DESFACHATEZ DE EXHIBIR UNA OBRA DE ESTAS CARACTERÍSTICAS, DE BAJO PERFIL,  VULGAR y que carece de los mínimos conocimientos para encuadrar una composición?

COL·LEGI D'APARELLADORS - Expo Rafael ROMERO - Noviembre-2014

Otro caso que también expuso las salas del Castell de Sant Ferran, y que durante el mes de noviembre lo ha hecho en Mataró, concretamente en la Sala del col·legi d’Aparelladors gestionada por la Asociación antes mencionada,  es Rafael Romero. Su descaro es impresionante. En su currículum destaca que es: Doctor “Cum Laude” en Bellas Artes. Profesor del Laboratorio de Procedimentos Pictóricos y Escultóricos de la Facultat de Belles Arts, de la Universidad de Barcelona.

 

Todo un “pedigrí”, que viene acompañado por una explicación de su obra, que no tiene pérdida:

 

Mi  pintura, entendida como un mero retrato vivencial y experiencial, fenomenología de principios sensibles, parte siempre como en todos mis otros haceres, de una convulsión anímica sistemática.

            

COL·LEGI D'APARELLADORS - Expo Rafael ROMERO - Noviembre-2014

Frente al paradigma en estos tiempos de ética light, pintar es hoja de ruta, medicina nectárea paliativa. Si el mundo puede perder su inquietud metafísica, el artista no.

 

Así, el arte deviene desde este punto de vista, en gran medida, activismo revolucionario, de cuestionamiento hacia un hábitat hostil e insoportable para el ser humano (sobretodo agresivo hacia su dimensión moral y afectiva). (…) Desde mi particular entendimiento, es pues el arte, naturaleza metafísica y nostalgia de trascendencia, interpretación y posicionamiento delindividuo respecto al papel que le toca desarrollar en este mundo.

 

¿ES POSIBLE QUE UN “CUM LAUDE”, defina con tan abrumador y pomposo uso del vocabulario,  una obra MERAMENTE NAÏF, de lo más simple, donde la ingenuidad se traduce en ignorancia y la espontaneidad es mero artificio? 

Un “Cum Laude” cuyo currículum expositivo se mueve entre galerías de segundo a tercer orden, y salas de exposiciones municipales, tanto a nivel estatal como europeo,  ¿puede decir de una obra artísticamente obsoleta, técnicamente prosaica e intelectualmente derogada que Desde mi particular entendimiento, es pues el arte, naturaleza metafísica y nostalgia de trascendencia, interpretación y posicionamiento delindividuo respecto al papel que le toca desarrollar en este mundo”? Dejo la respuesta al buen entendimiento del lector.

 

LA PRESÓ - Expo Lídia TUR - Septiembre-2014

Sigamos con Mataró, y con una exposición que, a cargo de Lidia Tur. Procedente de una familia de artistas que en otros tiempos tuvo su prestigio, y que durante el mes de octubre estuvo en la sala “La Presó” (llamada así porque hasta hace escasamente unas tres décadas fue prisión municipal). La muestra se llamaba: De Animalibus et diis (Los animales y otros) - el latín está de moda para titular exposiciones.

LA PRESÓ - Expo Lídia TUR - Septiembre-2014

 

La materia prima de sus obras son los baldosas que corta y adapta a la forma deseada, y que intenta imitar a los mosaicos del imperio Greco-romano. Sin  embargo, tal como puede comprobar el paciente lector, su resultado es absolutamente horripilante, indigno de alguien que quiera ser y llamarse artista, y por supuesto, sin ningún nivel expositivo.

SALA CASAL ALIANÇA - Expo "Entre Copes" - Jordi SANTAMARIA - Noviembre-2009

Para finalizar los ejemplos, en la actualidad exhibe su obra en la misma sala, La Presó, otro pintor local – porque en la actualidad es imposible que alguien de fuera de los límites de la ciudad exponga en la misma – Jordi Santamaria.

 

El artista, que dispone de conocimientos, de técnica, que ha presentado obras que ha sabido resolver con buena factura, pero que tal vez por presión de carácter expositivo de la ASLL, tal vez por demasiada avidez comercial, o por ambas cosas, por ampliar su currículum expositivo, o por cualquier otra razón que pueda escapar al entendimiento de esta critico de provincias, presenta una obra, que temáticamente recuerda a una de sus anteriores exposiciones “Entre copes” (Noviembre-2009), y de la que en aquella ocasión manifesté en mi blog de Cròniques Mataronines: 

SALA CASAL ALIANÇA - Expo "Entre Copes" - Jordi SANTAMARIA - Noviembre-2009

Un conjunto de alrededor de una veintena de obras donde el pintor, con un sensacional dominio del cromatismo, mostró los ambientes de varios cafés o bares de copas que recorridos en un determinado periodo de tiempo, y por diferentes regiones europeas y españolas.

 

La pintura de Santamaria (óleo s / lienzo - formato pequeño y medio) es cálida, reconfortante, invita a tomar algo, o tomar un café en una tarde donde el tiempo no tiene reloj. Especialmente interesante resultó una obra como Lectura en Oxford, donde refleja con encanto, el ambiente de un café de esta ciudad universitaria, de incuestionable estilo británico, pero no exento de bohemia y de entorno de debate.

SALA CASAL ALIANÇA - Expo "Entre Copes" - Jordi SANTAMARIA - Noviembre-2009

Santamaria dispone de un trazo muy meticuloso. Se expande a gusto en mil y un detalles, y su concepto de espacio y volumen está lleno de naturalidad, sin artificios reflejando lo que ve o lo que quisiera ver, pero lo que siempre es una constante en él es la diversidad de colores: en rostros, en paredes, en ventanas ... una auténtica poesía visual, alrededor de imágenes cotidianas, captadas en la improvisación y reflejadas con maestría y de forma muy precisa, no dejando ningún detalle al azar.

LA PRESÓ - Expo Petits Plaers - Jordi SANTAMARIA-Noviembre-2014

Y que pasados tan sólo CINCO AÑOS, presenta una exposición de temática parecida, más centrada en el aspecto gastronómico, que en ambientes interiores, realizada con excesiva rapidez y presión, en un soporte como el cartón, juego cromático poco elaborado, trazo suelto pero aplicado con premura, especialmente en los formatos pequeños, excesiva densidad en la composición y en conjunto, con factura poco resuelta, y enmarcados con excesiva sencillez.

 

 No obstante estas afirmaciones, hay que señalar que el conjunto de piezas con puntos rojos – se entiende como obra vendida  - era importante, aunque las piezas que más llamaron la atención en este aspecto, eran las más pequeñas, con un coste de 65 €. Lo más probable es que el compromiso personal o familiar, fuera la razón de adquisiciones tan bajas.

LA PRESÓ - Expo Petits Plaers - Jordi SANTAMARIA-Noviembre-2014

Con todo lo que se acaba de exponer, la pregunta es obvia ¿por qué se consiente la mediocridad artística? La respuesta se encuentra en las imágenes y en el texto de este artículo, pero que podemos resumir en breves palabras, las que en su momento pronuncio T.S Elliot poeta, dramaturgo y crítico literario anglo-americano y que en más de una ocasión han tenido repercusión en esta web:

 

En su ensayo  Notes Towards the Definiton of Culture (1948) public lo siguiente:

 

“La ingenua idea de que a través de la educación, se puede transmitir la cultura a la totalidad de la sociedad, está destruyendo la “alta cultura”, pues la única manera de conseguir esa democratización universal de la cultura es empobreciéndola, volviéndola cada día más superficial”.

 

Trasladado al hecho específicamente artístico: la proliferación de espacios auspiciados por estamentos públicos, ha provocado competencia desleal con galeristas, y la aparición de pseudo-artistas a los que les falta genialidad, pasión, entusiasmo y sobre todo CONOCIMIENTOS del arte y de su historia. A este argumento, hay que añadir además la invasión de Internet y la facilidad a través de las subastas on line de que muchos accedan al ARTE, por precios asequibles, dependiendo claro está de la obra subastada, y además, por el importe de un pseudo-artista que expone en espacios públicos, pueden perfectamente tener una obra de siglos pasados, o actual, de mucha más calidad.  

 

Un ejemplo de lo que se acaba de mencionar es Set d’Art, decana de las subastas por internet, que cuenta diariamente con más de 7.000 visitas en su web, y pone en licitación 120 lotes diarios.

LA PRESÓ - Expo Lídia TUR - Septiembre-2014

Ante el panorama expuesto, el lector también podría preguntarse ¿Hay solución?

 

Los tiempos son complejos, y el avance de las nuevas tecnologías implacable. Habría que buscarla, y adecuarla a estos condicionantes.

 

Como iniciativa, una sugerencia,  podría ser la desaparición de este tipo de salas expositivas, a nivel individual, y facilitar un espacio más amplio para salones de primavera, verano, otoño e invierno, unos de mayor importancia que otros, donde pudieran ser aplicados criterios estrictos por parte de un jurado calificador, que permitiera algunas exposiciones individuales muy concretas, dentro de un periodo de tiempo prudencial, con proyección local y autonómica, y a su vez, el público también tuviera participación en los mismos, juzgando el resultado o facilitando su opinión, ya que al  respetable hay que considerarlo como probable comprador de arte. Es tan sólo una idea.

Guillermo PÉREZ VILLALTA

Con ello, no se niegan oportunidades, pero si se hace una criba. Del mismo modo que en los concursos de alta gastronomía tan de moda en las televisiones últimamente, la exigencia y el nivel son altísimos, en el arte debería ocurrir exactamente lo mismo.

 

Hace unos días, leía en la revista Tendencias del Mercado, una entrevista a Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 1948), Premio Nacional de Artes Plásticas en 1985, y uno de los representantes de la llamada “Nueva figuración Madrileña”. Un artífice, como a él le gusta llamarse,  que considera la historia del arte como un estado de cambio perpetuo, que se interesa por el arte de todas las épocas, y con una visión global del arte y de su historia.

Guillermo PÉREZ VILALTA

A la reflexión sobre el hecho de haber escrito el catálogo de la muestra, manteniendo su habitual postura crítica con el sistema, Pérez Villalta manifiesta:

 

Siempre he sido muy crítico. Pienso que a partir de los años 90, el arte en general, hizo desaparecer la pintura. Los que entonces pintábamos éramos seres casi marginales, porque se creó una situación absurda a partir de unos principios ideológicos que se aceptaban como verdad.  Considero que gran parte del arte actual es ajeno al concepto humanista del arte, se proclama que el arte debe tener un fin social… ¡no, no! El arte nunca ha servido para nada, sólo para expresar todo aquello del espíritu humano que no tiene manera de expresarse, es decir, lo inefable…

 

Guillermo PÉREZ VILALTA

Con respecto a su método de trabajo:

 

Cuando tengo el esquema claro en mi cabeza, empiezo  a hacer los primeros garabatos, anotaciones muy esquemáticas con dibujos microscópicos que apenas tienen 3 cm, una cosa mínima para que no se me olvide, y luego empiezo el proceso de bocetos. Es un proceso largo porque puede haber varios esbozos y además los medito muchísimo porque puedo corregirlos…

 

DIGNO EJEMPLO A IMITAR, EN TODOS SU CONCEPTOS.

 

Marta Teixidó

Crítico de arte

 

Cuadros de una Exposición

 


CUANDO LOS GALERISTAS APUESTAN POR LA EXTRAVAGANCIA

Esta crítico de provincias nunca dejará de sorprenderse, cuando a su buzón de correo electrónico,  llegan por parte de algunas salas de arte,  propuestas de lo más paradójico, bajo la apariencia de proyectos artísticos.

 

Evidentemente, un galerista debe exponer lo que a su juicio y en línea con su galería, debe considerar más oportuno. Es una iniciativa privada, que paga sus tributos correspondientes, para satisfacción de Tiburón Montoro y su equipo de escualos recaudadores de impuestos.

 

Pero el criterio galerístico no debe necesariamente coincidir con el gusto y entendimiento del público, si se tiene en cuenta, además,  que algunas exposiciones se disfrazan de extravagancia, más por afán de notoriedad,  que no por al amor al arte.

La galería Javier López de Madrid, una de las más “fashion” e “in” de la Villa y Corte, http://es.galeriajavierlopez.com/, remitió hace unos días a Cuadros de una Exposición, la nota de prensa y un par de fotografías correspondientes a su muestra de inauguración de su temporada 2014-2015, titulada “El nuevo mundo”, a cargo de Pilar Albarracín, y de la cual el amable, paciente y desconocido lector tiene la prueba gráfica que ilustra este texto.

 

Efectivamente, no se equivocan. Se trata de ropa interior femenina, concretamente “coulottes”, para decirlo finamente, aunque mentalmente perciban que se trate de bragas de señora, como se diría en Román paladino,  cosidas unas con otras, formando singulares figuras geométricas. 

Si las imágenes de por sí,  - algunas han sido obtenidas gracias al Google - pillán desprevenido al lector de forma fehaciente, no lo es más la nota de prensa, que ilustra con egregio vocabulario, la exhaustiva búsqueda de definición a lo que la representación gráfica exhibe:

 

En 2012, con el título de “ El origen del mundo Pilar Albarracín comenzó un conjunto de creaciones plásticas, a partir de ropa interior femenina donada por su círculo más allegado. Desde el inicio, el proceso de elaboración de estas obras ya planteaba cuestiones sobre el propio cuerpo.

 

¿Cuáles son las gloriosas y a la vez enmarañadas cuestiones que sobre el propio cuerpo planteaba? ¿Quizás la sublimidad que algunas de las amigas utilizaban calzas más sexis que otras? ¿Tal vez la excelsitud que algunas piezas podían tener mayor desgaste por uso frecuente? ¿Acaso cuestionar vehementemente la función de protección corporal de los “coulottes”, que cubren desde tiempos inmemoriales a partir de la cintura hasta el arranque de las piernas? ¿O simplemente se trata de una versión del siglo XXI, más glamourosa que el famoso "Origen del mundo" de Gustave Coubert, título que la exposición toma directamente prestado al prestigioso pintor, precursor del Realismo en el siglo XIX?

Las amigas de Pilar, reaccionaron de forma variopinta, pero sin indiferencias. Según la nota de prensa: (…) Ese momento Se abrió una discusión sobre sus bragas, rompiendo así una imposición general sobre el tema, siempre marcado por el silencio y la intimidad.

 

(…) Al exponer estas piezas realizadas con prendas “donadas”, la artista muestra a las mujeres no como un objeto sino como un sujeto liberado.

 

¿Las tiendas de ropa interior como Intimissimi, Victoria Secrets, Wonderbra, etc., o la sección de lencería de El Corte Inglés,  que muestran en sus escaparates y expositores calzas y sostenes de lo más atractivo y seductor, silencian la intimidad? ¿Los anuncios en las revistas del “Cuore” o en los magazines de moda (Vogue, Elle,  Cosmopolitan, Glamour, etc.,) acallan la interioridad femenina, cuando muestran con descaro y desparpajo,  una sensual y atractiva iconografía en páginas interiores,  sin obviar cierta asiduidad en portada de las mismas? Ante estos argumentos ¿No está el sujeto liberado desde hace mucho tiempo?

Ese primor de nota de prensa continúa informando:

 

Tras clasificarlas, seleccionarlas y combinarlas siguiendo patrones geométricos basados en los círculos cósmicos, las cosió entre sí para realizar una serie de mándalas.

 

¡¡Ole el “chocho alegre” de la Pilarín!!, que tiene amigas por doquier, y que gratis et amore, le ceden sus bragas -  se supone perfectamente limpias y con suavizante -  y que después de clasificadas sigue patrones geométricos basados en círculos cósmicos para formar mándalas, esas representaciones simbólicas espirituales y rituales del macrocosmos y el microcosmos, utilizadas en el Budismo y el Hinduismo, que la magnificencia de la imaginación de Albarracin convierten en exhibición de ropa interior femenina, símbolo de lo erótico y la lujuria, en claro contraste con la espiritualidad y definición de ese espacio sagrado (el centro del universo y soporte de concentración), que representa el mándala.

 

Pero el esmerado texto introductorio a la exposición no se queda ahí:

 

Al recurrir a la costura,  reafirma el papel que ésta ha desempeñado en la socialización de las mujeres.Recupera esta técnica tradicional reivindicada por las feministas en la creación de composiciones en las que predominan los tonos propios del ritual: el negro, el blanco y el rojo, para hacer la transición de lo cotidiano a lo sagrado.

Querida galería Javier López, pregunta esta iletrada crítico de provincias que suscribe este artículo: ¿des de qué época ha representado la costura la socialización de las mujeres? El ser modista – y lo digo por experiencia – es una de las tareas más arduas y agotadoras que existen: puntadas, pespuntes, coser costuras, realizar ojales, pasar señales y más es absolutamente agotador después de ocho o diez horas diarias, y la vista y las articulaciones se resienten como nunca.  

 

Y si nos atenemos a las cosedoras de prendas de vestir, sean interiores o exteriores,  que trabajan en cadena en fábricas de confección es todavía más demoledor, hasta tal punto que al cabo de pocos años, las lesiones de espalda son de lo más frecuente. Y según mis recuerdos de juventud, y lecturas correspondientes, las feministas jamás reclamaron la socialización de la costura para las mujeres, sino equipararse en puestos de poder con los hombres.

En cuanto al ritual de colores para hacer: la transición de lo cotidiano a lo sagrado, mi sincera, efusiva y entusiasta felicitación por tal definición; nunca hubiera imaginado que unas bragas de mujer trascendieran de la simpleza de lo cotidiano, a formas tan nobles y gloriosas de supremacía y preponderancia.

 

Ante una exposición que realza a la quinta dimensión, más allá de toda estratosfera, una prenda tan común y de la que existen tantos modelos como las bragas, ¿qué sería de los calzoncillos para caballeros? ¿Llegarían a la misma preeminencia? ¿Habría que aplicar la misma liturgia? ¿O tal vez debería acudirse a los rituales de la religión Zen o del sintoísmo japonés?

 

No quiero aburrir más a mi querido y paciente lector. La nota de prensa elevada a la máxima potencia de expresión verbal para describir la inconsistencia del argumentario de la muestra, continua, pero quien suscribe estas líneas prefiere terminar.

 

Y lo hace, como no podía ser de otro modo, liberando su mente de laberínticas cuestiones: ¿Dónde colocaría yo uno de los mándalas de Pilarín? ¿En el comedor entre el Matisse y el Miró? ¿O tal vez entre el Dalí y el Picasso? ¿Tal vez en el salón al lado de un Monet o cerca del Pissarró, enfrente del Renoir? ¿En la biblioteca, al lado del retrato de mi antepasado el Francesc Dorda, Abad del Monasterio de Poblet a principios del siglo XVIII? ¿En una pared de mi patio, entre plantas y platos de cerámica tradicional catalana? ¿En el desván de mi casa, entre objetos llenos de polvo y telarañas? ¡¡Es para mí un terrible dilema!! ¿Puede alguien aconsejarme? Estoy demasiado anonadada y no sé cuál puede ser el lugar más adecuado.

 

 

Marta Teixidó

Crítico de arte

Cuadros de una Exposición

EL ARTE Y LAS BUENAS INTENCIONES

En plena segunda década del siglo XXI, ni la pobreza, ni el hambre ni las enfermedades han sido eliminadas. Los conflictos bélicos en convenientes lugares alejados del mundo occidental siguen en su apogeo, y las deficiencias económicas de muchos países hacen tambalear la estabilidad social.

 

A pesar de la evolución del ser humano en el ámbito social, económico y científico, hay parámetros constantes que si bien cambian de forma, en esencia siguen siendo idénticos a los que sucedieron en siglos pasados.

 

Debido precisamente a la falta de erradicación, surgen como setas en otoño, iniciativas benéficas de toda índole, hasta tal punto que con la cantidad de fundaciones, ONG, etc., existentes en el orbe, uno puede pensar que las miserias humanas deberían desaparecer por completo. No obstante, el día a día de la actualidad informativa, indica todo lo contrario.

MARTA DURAN - (Primer plano) - Serie PEIXOS - con trabajos de Jenifer Espejo y Tere Ollero

Entre estas propuestas solidarias, el arte tal vez sea la más utilizadas, bien para recaudar fondos a base de vender obra en subasta, bien para introducir en sociedad a personas con discapacidad, como una forma de integración, hecho este especialmente fomentado por organizaciones de tipo social y solidario.

 

Sirva como ejemplo de lo antes mencionado la exposición MIRADES SINGULARS: Mostra d’art integrador i solidari que entre los meses de mayo y junio tuvo lugar en el Ateneu Fundació Iluro de Mataró.

MARC PRAT con trabajos de Oscar Baranco y Maria Llanos Lozoya (al fondo - margen derecho)

Bajo el lema “Un autor, dos versiones” la muestra presenta una particular colectiva con obras de reconocidos artistas locales, junto con las versiones de las mismas realizadas por personas con discapacidad intelectual de la Fundació Maresme, una institución privada sin ánimo de lucro,  situada en Mataró, que trabaja en pro de las personas con disminución psíquica, promoviendo e impulsado la integración social y la mejora de la calidad de vida de las personas con discapacidad intelectual de la comarca del Maresme y de sus familias.

 

Una exposición de estas características no puede tener una crítica de arte, porque la razón de su temporal existencia, es animar a estas personas a ser capaces de llevar a cabo una tarea, y desarrollarla.

ANA GARCÍA (Primer plano) con dos trabajos de Ariana Bustamenta y Sebastià Peña

Loable propósito, insigne proyecto, solidaria empresa, pero ¿realmente se consiguen los objetivos que se persiguen en su totalidad? Estas personas con discapacidad intelectual han tenido una oportunidad, pero ¿y una continuidad?

 

Una vez exhibidos sus trabajos – que sólo pueden contemplarse bajo el significado terapéutico – a estos seres humanos se les ha creado la ilusión de poder exponer con artistas locales reconocidos. Pero ¿y después? ¿Van a seguir creando? ¿Podrán volver a exponer? ¿Su trabajo vale como el de un artista? ¿No se les ha esperanzado en algo que sólo es momentáneo y gratifica las conciencias de las fundaciones respectivas y de los artistas correspondientes? ¿Sólo ha sido un entretenimiento?

MANUEL CUSACHS (margen izquierdo) con trabajos de Albert Burniol y Carme Mir

Para Albert Alís, Pere-Màrtir Brasó, Josep M. Codina, Manuel Cusachs, Marta Duran, Ana García, Ricard Jordà, Perecoll, Marc Prat, Albert Romero, Tomàs Safont Tria y Josep Serra ha supuesto una forma de exhibir su creatividad, ya que todos ellos  aportaron a la muestra, no sólo la obra que recoge el lema de la misma: Un  autor, dos versiones, sino que muchos mostraron otras obras suyas, en parte para llenar la sala, y en parte aprovechar la ocasión para intentar captar la atención del público fuera para una posible venta, o como mínimo conocimiento de obra para conseguir, es de suponer, una posible venta. Ya sabemos todos que la venta de arte no  está en sus mejores tiempos.

MANUEL CUSACHS - Obra Escultórica

En  cuanto a las piezas expuestas, puede decirse que están dentro de la norma habitual a la que ya nos tienen acostumbrados tan reconocidos artistas locales cuando exhiben su obra en solitario o dentro de una colectiva: sin sorpresas, sin innovaciones, casi podría decirse que tradicionales – tampoco era ocasión para mostrar nuevas tendencias -  y dentro de un marcado sentido decorativo y sin duda, comercial. No hay que olvidar, por supuesto, el mérito de contribuir a una noble causa.

 

Como puede verse por las imágenes del artículo, una exposición con un marcado sentido social y caritativo (la solidaridad es sinónimo de caridad), “very fashion” en la actualidad, y que ha permitido a organizadores y artistas participantes, descansar sus espíritus realizando la buena acción del año.

ALBERT ALLÍS (margen izquierdo) con dos trabajos de Enrique Pérez e Isamel Saavedra

Algo que Fundació Setba también de forma anual, exhibe a través de “el Balcó de les Arts”; personas también con discapacidades psíquicas englobadas bajo este programa, y que antes exhibían sus singulares creaciones  en una muestra específica en las salas de exposiciones del Real Centre Artístic Sant Lluc, y que ahora son puestas en pública subasta para recaudar fondos para este proyecto. Personalmente, si bien he sido informada  de la actividad, nunca del resultado ni del montante obtenido en subasta.

 

Son estos dos ejemplos. A gran escala, me vienen a la memoria Proyecto Hombre, contra la drogadicción, Apadrina un niño, Fundación Starlite, encabezada por Antonio Banderas.

 

De izquierda a derecha: 4 obras de TOMAS SAFONT TRIA y dos trabajos de Mario Barguño y Manuel García

Tampoco es descartable el famoseo. Cuando es víctima directa de la tragedia, también crea instituciones para dar a conocer su problema, bajo el pretexto de luchar contra enfermedades concretas, algo que si no les hubiera ocurrido, no hubieran creado.  Sirvan de ejemplo la periodista Isabel Gemio o el cantante Bertín Osborne. Incluso Miguel Bosé tiene una fundación en favor de la lucha contra las drogas.  No deben olvidarse tampoco las maratones organizadas por los canales de televisión en Navidad, y un largo etc., de causas en pro de la humanidad, de la que siempre se obtiene la pertinente información, pero de forma habitual se desconocen sus resultados reales.

 

Dentro del relativismo imperante, la caridad y la integridad evolucionan acorde con los tiempos y con las conductas sociales, donde las buenas acciones, a pesar de ser muchas, son de corto alcance, para la constante y gran magnitud de la indigencia humana.

 

Marta Teixidó

Crítico de arte

 ARCOmadrid VERSUS ARTMADRID-2014

DATOS Y COMENTARIOS

Glosar un acontecimiento desde la distancia, y sin haberlo presenciado de cerca, podría perfectamente ser considerado una osadía, un descarado atrevimiento al que,  el sentido común aconsejaría simplemente la observación desde la prudencia.

 

Sin embargo, esta crítico de provincias es amante del riesgo seguro, y de la temeridad más insolente, y en base a las informaciones aparecidas en los medios de comunicación, escasas por cierto, y recordado aquella famosa frase de Oscar Wilde "lo mejor para vencer la tentación es caer en ella", presenta a continuación su particular, personal e intransferible opinión sobre los certámenes artísticos que han tenido lugar durante el pasado mes de febrero.

DATOS E INFORMACIÓN

Según publicaba Jesús F. Briceño, periodista de economía, politólogo y tertuliano,  en una noticia difundida por la agencia de comunicación Logopress, bajo el título: “DESDE UN BURDEL A UN DESGUACE, TODO TIENE CABIDA EN ARCOmadrid”: (…) si hace un par de años una galería nos sorprendió con un Francisco Franco de cuerpo presente empaquetado en un dispensador de coca cola, este año la estrella de la provocación es un burdel de strip-tease que representa al Congreso de los Diputados. No se sabe si al igual que aquel montaje acabó en los tribunales, los padres de la patria van a apelar a alguna instancia superior en defensa del decoro mancillado.

Estas provocaciones consentidas por la jet set de los creadores forman parte de la vida de ARCO igual que en años anteriores se hizo alarde de la casquería humana con profusión de vísceras, mujeres humilladas o niños despanzurrados en nombre del arte. En esta ocasión ARCO viene mucho más light y no pasará a la historia salvo por la monotonía y las nostalgia de tiempos mejores.

Ante tales expectativas, y con la aparición con anterioridad de otra noticia publicada por la misma agencia Logopress: IFEMA DESTINARÁ UN MILLON DE EUROS PARA TRAER A 500 INVITADOS VIP A ARCOmadrid.

 

Un millón de euros es la factura que desembolsará IFEMA para pagar el viaje y la estancia en Madrid -comidas y desplazamientos incluidos- a 500 invitados VIP a ARCO en la presente edición, según reconoció en la rueda de prensa de presentación del certámen su presidente Luis Eduardo Cortés.  Entre ellos, 150 directores de museos, comisarios de bienales y otros profesionales relevantes, que participarán en distintos ámbitos y programas de la Feria. El resto, hasta completar la cifra del medio centenar, son 250 coleccionistas, críticos o periodistas.

 

Todo hacía pensar antes de iniciar la edición 2014 de ARCO, que las perspectivas no eran nada halagüeñas para el sector del arte contemporáneo y conceptual más radical.

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Y los hechos lo han demostrado. La misma agencia Logopress, al igual que Europapress, La voz de Galicia, El Imparcial y otros medios de comunicación de prestigio, publicaron sin reserva como el Reina Sofía se había gastado la cifra de 204.000 € en comprar obra en ARCO.

 

Es bueno recordar que hace escasamente dos años, el mismo Museo dilapidó 900.000 € en obra, pasando en la edición 2013 a 400.000 €, para llegar este año a una cifra que sigue siendo desorbitada, para un tipo de arte minoritario, que no atrae al gran público, ni lo hará jamás, pero que todos los españoles soportamos con nuestros impuestos.

 

Terminada la edición, concretamente el 24 de febrero, tan solo Logopress, a través de su Revista de Arte público la siguiente noticia: 100 OBRAS VENDIDAS EN ARCOmadrid, siendo el periódico El País quien apostillaba el fracaso de la 33ª edición de este certamen, con el siguiente comentario:

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Llega la hora de las conclusiones y de la primera entrega de datos de la 33º edición de ARCO, la feria internacional de arte que lleva años arrastrando una crisis de identidad, el tira y afloja sobre la utilidad de su modelo, y que no obstante partió en 2014 desde la esperanza: la bajada del IVA que se ha quedado en un 15,5%, una organización espacial más racional, la invitación a 300 potenciales compradores… y otro empuje a la apuesta por acompasarse al ritmo de citas como Zona Maco de México o Art Basel Miami, ahora antorchas del pujante arte latinoamericano. Los premios a la creación constituyen la primera tanda de este corto y cierro de la cita de 2014.

Gracias al magazine on line HOY ES ARTE, se pudo saber que: Madrid vuelve a convertirse en febrero en la capital del arte contemporáneo gracias a ARCOmadrid, que en esta nueva edición busca consolidarse como feria de descubrimiento de artistas e investigación de su obra.

 

Buena muestra de ello es que de las 217 galerías seleccionadas por el Comité Organizador y los comisarios de los diferentes programas, más de 60 presentan uno o dos artistas bajo la nueva opción propuesta para el ProgramaGeneral, SOLO/DUO…

 

Con todo lo expresado con anterioridad, y haciendo uso de las matemáticas más corrientes:

 

100 obras vendidas, 17 adquiridas por el Reina Sofía, 5 por la Fundación Mª Cristina Masaveu Peterson, y otras seis por parte del  Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC), hacen un total de 28 obras COMPRADAS CON DINERO PÚBLICO, ES DECIR, PROCEDENTE DE NUESTROS IMPUESTOS, siendo la venta privada tan sólo de 72 obras.

 

Las cifras son claras: 217 galerías – algunos medios indican 219 – 100 obras vendidas –28 a estamentos públicos. En resumen, más de la mitad de las galerías de ARCO-2014, no hicieron caja.

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Indirectamente tal afirmación ha sido confirmada por la propia organización del certamen, en su rueda de prensa de ayer, 4 de marzo:

 

ARCOmadrid DICE QUE HA SUPERADO LA CRISIS SIN APORTAR DATOS NI CIFRAS.

 

He aquí algunos extractos de la noticia:

Así mismo, ARCOmadrid ha contabilizado la asistencia de más de 24.800 profesionales de todo el mundo, durante sus dos primeras jornadas, alcanzando la cifra global de más de 100.000 visitantes, con una valoración por parte de las galerías del creciente nivel y calidad del público asistente.

(…)Según declaraciones de diversos galeristas, la paulatina recuperación del sector y el impacto de la presencia de los coleccionistas invitados, han sido coincidentemente los aspectos mejor valorados.

 

En resumen, la opinión más extendida es que ARCOmadrid 2014 no dejará huella entre los coleccionistas por su espíritu innovador,ya que se han visto muchas obras repetidas de otros años y otras de autores que no son exactamente contemporáneos, como Picasso, Miró, Dalí, Torres García, Saura, Clavé o Tapies entre otros; sino por ser una feria de transición en la que, previsiblemente, se ha dejado atrás lo peor de la crisis y que contó, como anécdota más comentada, con una performance en forma de estriptease como parodia del Congreso de los Diputados

Y mientras tanto, ¿Cómo les ha ido a los participantes de ARTMADRID 2014?

 

La misma fuente Logopress, publicó lo siguiente:

 

VEINTE MIL PERSONAS VISITARON ART MADRID EN CENTRO CENTRO

 

Expectativas cumplidas en todos los sentidos, tanto en afluencia de público como en ventas. La feria Art Madrid finalizó la novena edición en la Galería de Cristal de CentroCentro con fuerzas renovadas gracias a la presencia de numerosos coleccionistas.

 

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La Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles tuvo aforo completo durante varios momentos de la 9ª Edición de la Feria de Arte Contemporáneo Art Madrid que, entre su inauguración el pasado 19 de febrero y su clausuró cinco días después, recibió la visita de más de 20.000 personas. Tanto para los organizadores como para las galerías participantes se confirmaba así que un evento de estas características, bien comunicado y situado en pleno centro de la ciudad es garantía de éxito.

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(…)Los buenos datos no sólo se dieron en público asistente sino que también se vieron en las ventas. “Hemos podido contactar con muchos coleccionistas actuales y, lo más importante, futuros… Las ventas han superado lo esperado”, asegura Marc Decoene. En efecto, más del 90% de las galerías participantes han vendido obra desde el primer día de la feria, e incluso se han cerrado ventas a escasos minutos del cierre.

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COMENTARIOS:

 

Ante los datos presentados, y a pesar de la prudencia de algunas informaciones,  puede afirmarse que ARCOmadrid está en fase terminal, en su actual modelo de gestión.  A pesar del dinero público empleado, la crisis de coleccionismo con respecto al arte contemporáneo y conceptual es demasiado evidente como para no ignorar que los compradores y coleccionistas quieren ir sobre seguro.  

 

Los tiempos no están por realizar apuestas arriesgadas, de tantos y tantos artistas, surgidos del “marchandasing”, de creatividad artificial, faltos de imaginación, que en absoluto han conseguido mantenerse en el mercado.

 

Con el paso del tiempo ARCOmadrid ha demostrado ser una feria de excentricidades y provocación, que nada tiene que ver con el ARTE, y que ha sido reflejo de artistas creados de forma artificial y salvaje,  con la única misión de que sean fagocitados por coleccionistas adinerados, pero sin conocimiento del mercado. “Creadores” que al cabo de un año, máximo dos, desaparecen para dar paso a nuevos artificios tanto o más falsos que los anteriores, que sepultan implacablemente al artista autentico, creativo, original, con sentido en su arte, mensaje en su obra y técnica en su trabajo, en medio de la basura más inmunda.

ARCOmadrid-2014

ARTMADRID y sus galeristas están dando una auténtica lección de perseverancia y calidad, con muchos menos dispendio y despilfarro.  De apostar por el ARTE, de fomentar el mismo, y de buscar nuevos y creadores, en todas las disciplinas, sin olvidar que se viene a hacer negocio. El arte siempre lo ha sido y los galeristas y marchantes se han basado en la creatividad humana,  para obtener los correspondientes beneficios a su inversión de capital. Es algo tan legítimo como fabricar y vender móviles de última generación.

 

No obstante, ARCO puede resurgir de sus cenizas, con un duro cambio de gestión, que de paso a gentes relacionadas directamente con el arte, rechazando los políticos y funcionarios de turno, innovando y apostando por la calidad, agilizando, reclamando desgravaciones y una Nueva Ley de Mecenazgo.  Si no es así, se presencia se extinguirá cual dinosaurio del Mesozoico.

 

Marta Teixidó

Crítico de arte

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Marta Teixidó

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mteixido62@gmail.com

 

PERFIL

Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

http://cuadrosdeunaexposicin.blogspot.com/

 

Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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