Cuadros de una Exposición.com
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GALERIA MARLBOROUGH (Montecarlo)

Exposición de Joyas de CHUS BURÉS

El pasado 20 de marzo se inauguró en la galería Marlborough de Montecarlo Dialogue entre l’art et le design, una amplia exposición del genial joyero y creador español Chus Burés. En esta ocasión, la muestra presenta el trabajo de Chus en conjunción con grandes artistas como Miquel Barceló, Louise Bourgeois, Santiago Sierra o Getulio Alviani.

 

Dialogue entre l’art et le design permite establecer un diálogo visual entre el objeto de diseño y la obra de arte como resultado del encuentro entre la inspiración del artista y el savoir-faire del diseñador.

La firma TF Artes Gráficas se ha encargado de la producción del catálogo que se ha editado con ocasión de esta exposición, ilustrado con un texto de Domitille d’Orgeval, comisaria de la misma. Una publicación elegante, original, a la altura de la propia muestra, que ha sido supervisada personalmente por el propio Chus Burés.

 

La exposición Chus Burés: Dialogue entre l’art et le design, permanecerá abierta hasta el  próximo 7 de mayo.

GALERIA MARLBOROUGH (Montecarlo)

http://www.marlborough-monaco.com/index.php/en

MUSEO THYSSEN BORNEMISZA (Madrid)

MIRADAS CRUZADAS – 8: Nocturnos

La luz, la magia o el misterio de la noche ha fascinado a muchos pintores y ha supuesto también para ellos un interesante desafío. La nueva propuesta de la serie < miradas cruzadas > que se presenta del 24 de marzo al 25 de mayo, plantea un acercamiento a la historia del paisaje nocturno a través de diez obras de la colección:

 

Desde el gran especialista en lunas de la escuela holandesa del XVII, Aert van der Neer, hasta la representación de la noche moderna y urbana de Georgia O’Keeffe o la de los sueños y la imaginación del surrealista Paul Delvaux, pasando por los grandes espectáculos cromáticos de paisajistas norteamericanos como Thomas Cole o la visión romántica de la noche de Friedrich o Grimshaw.

 

La instalación estará abierta hasta el 25 de mayo, todos los días de la semana y, como siempre, con acceso gratuito.

 

MUSEO THYSSEN BORNEMISZA

 

Paseo del Prado, 8,

Madrid

http://www.museothyssen.org

FUNDACIÓ SETBA (Barcelona)

 

Exposición: ROSA SOLANO:

LA INTENSIDAD DE LA GEOMETRIA RECTANGULAR

Tal vez el amigo lector pueda considerar un tanto “pretencioso” el título de este artículo. Nada más lejos de esta crítico de provincias que utilizar expresiones fatuas; lo único que se pretende es expresar con pocas palabras  de inicio, lo que supone la exposición ARQUITECTURES PINTADES (Arquitecturas Pintadas), que Rosa Solano exhibe hasta finales de este mes de marzo, en la Fundación Setba de Barcelona.

 

Una muestra basada técnicamente en el uso de formas geométricas simples,  combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales, que evidentemente no deja de tener connotaciones constructivistas, si bien profundizando un poco más en la historia del arte del siglo XX, pueden entreverse referencias del abstracto americano Burgoyne Diller (1906-1965), o del alemán Hans Hofmann (1880-1966), en una tendencia más abstracta-expresionista.

ARQUITECTURA TEXTIL-I (Técnica mixta sobre lienzo)

No obstante, al contrario de los artistas citados, Rosa Solano sorprende al visitante con una gama cromática elegante, austera y muy atractiva, de grises, pardos, blancos y negros combinada en ocasiones con tonos vibrantes y vehementes en naranja y verde especialmente.

 

Solano - de la que pudo contemplarse una excelente muestra de su trabajo en el año 2010, con  la exposición “Entredós 2.0” que realizó junto a Fiona Capdevila, y que como memoria de la misma, se exhiben piezas que recuerdan a los patrones para la confección de prendas -  exhibe en esta muestra un carácter mucho más radical, en base a juegos geométricos rectangulares o cuadrados, donde también están muy presente el concepto de tridimensionalidad. Se observa cálculo y precisión matemática, y elementos muy afines a la conocida frase de Joaquín Torres García (1875-1949) “Pensar es geometrizar”, citada en el catálogo de la muestra. 

INTERSECCIONS -I (Técnica mixta sobre madera)

Un formato anguloso,  que estéticamente, basándonos en una percepción exclusivamente óptica, no deja de recordarnos a las refinadas telas de cuadro de Gales, símbolo de distinción de clases privilegiadas.

 

Pero al margen de esta “ilusión visual”,  Solano transporta su mensaje al arte pictórico, a veces de forma más densa, en otras más sobria, y en algunas más crítica y más implacable, dentro de ese pensamiento geometrizante de edificación constante,  que envuelve la muestra, donde volúmenes y formas constituyen un conjunto expositivo de acertado planteamiento estético.

 

A nivel técnico, es importante destacar las palabras, de Cristina Sempere, responsable de proyectos culturales de la Fundació Seba, mencionadas en la presentación del catálogo, y que permiten profundizar aún más en el significado de la muestra: “estas obras, tal como si de una construcción arquitectónica se tratase, necesitan una base para ir añadiendo poco a poco, las distintas capas de color, rematando la superficie con el collage, incorporando diferentes materiales a la tela como madera, hilo o metacrilato…”

ESPAI TROBAI I (Técnica mixta sobre maxera)

Una exposición, donde la artista invita al visitante a “sentirse” dentro de una tela realizada con papel japonés de amplio grosor– tanto en su aspecto del tejido como de soporte pictórico – y propone una instalación de composición simple, pero creando de forma efectiva la sensación de “adentrarse” en los “hilos del tejido”, en este caso artístico.

 

Arquitectures Pintades ofrece al visitante ávido de encontrar muestras de calidad, una obra muy estudiada, equilibrada, no exenta de complejidades, lo que la hace poderosamente atractiva, con diversidad de enfoques – algunas de las piezas presentadas pueden ser la base para el diseño de tejidos – sin obviar la dureza de las formas usadas en un claro mensaje de las líneas, cuadros o rectángulos que envuelven, sin que lo apreciemos,  la cotidianidad de nuestras vidas.

ARQUITECTURES DESAPAREGUDES

Muestra de Fotografía

La exposición se complementa con otra titulada Arquitectures Desaparegudes (Arquitecturas Desaparecidas), en la que se exhiben una serie de 10  imágenes, procedentes del Archivo Huertas,  realizadas por importantes nombres de la fotografía como son: Català Roca, Pepe Encinas, Manolo Laguillo y José Antonio Sancho. El visitante puede realizar un singular retorno al pasado de una Barcelona con parajes ya desaparecidos, pero aun en la memoria, o edificios que han corrido la misma suerte.

 

Esta muestra se gestó a partir del libro “La Barcelona desapareguda” del periodista  y redactor jefe de diversos periódicos, Josep M. Huertas Claveria (1939-2007) y Guillem Huertas (1974) técnico en imagen y sonido, dedicado en la actualidad al mundo de la cinematografía. 

Entre las diez imágenes de esta muestra, destacan sin lugar a dudas “El Águila entre llamas” y “Colón” de Pepe Encinas, como símbolos identificativos de la ciudad condal y su economía, el primero ya desaparecido, así como el “Gasòmetre de Poblenou” o el “Pont de Control de la Estació de França” de J.A Sacho, como parajes  significativos de un proceso de la tardanza de un proceso de industrialización.

 

Una exposición donde la técnica y la crónica visual van de la mano, y que permite comprar lo que fue y lo que ya no existe en Barcelona.

 

FUNDACIÓ SETBA

Plaça Reial, 10-1r-2ª.

Barcelona 

 

www.fundaciosetba.org

 

FUNDACIÓN ARTE Y MECENAZGO (Barcelona)

 

La coleccionista Pilar Citoler,

Premio Arte y Mecenazgo 2014

 

La Fundación Arte y Mecenazgo que impulsa "la Caixa" ha dado a conocer hoy el segundo de los galardonados que conformarán la cuarta edición de los Premios de esta fundación,  y que reconocen a los referentes en el estímulo de la escena artística española

 

La galardonada en la categoría Coleccionista ha sido Pilar Citoler. El jurado, compuesto por Carlos Fitz-James Stuart, Duque de Huéscar, Felipa Jove y Juan Uriach,  ha valorado especialmente "el elevado nivel artístico del conjunto de la colección Circa XX, que Citoler ha construido a lo largo de 44 años en los que ha ejercido un papel muy significativo en el apoyo a la creación artística de nuestro país".

 

Así mismo, también ha reconocido su contribución y complicidad en el refuerzo del mercado local y en la dinamización del arte, un efecto ejemplarizante que estimula la práctica del coleccionismo, como muestran las diversas exposiciones que han visibilizado su colección, y un compromiso decidido con las instituciones públicas o privadas implicadas en la difusión del arte.

 

Pilar Citoler ha apostado permanente por nuevos formatos, asumiendo riesgos en sus adquisiciones, siendo un modelo de relación con la contemporaneidad.

 

Citoler se suma a la lista compuesta por José Luis Várez Fisa –recientemente protagonista de una significativa donación al Museo del Prado-, Helga de Alvear y la Fundación Juan March, ganadores de las tres primeras ediciones de los Premios Arte y Mecenazgo. 

Con la concesión de este premio, se ha querido dar énfasis a la enorme generosidad que acompaña su decisión de donar el 85% por ciento de su colección a la Comunidad de Aragón para su conservación y difusión permanente asegurando la unidad de la misma en el futuro.

 

Pilar Citoler recibirá como galardón una escultura realizada por Miquel Barceló especialmente para los Premios.

 

          FUNDACIÓN ARTE Y MECENAZGO

Avda. Diagonal 621

Barcelona 

 

http://fundacionarteymecenazgo.org/

MEAM (MUSEU EUROPEU D’ART MODERN) – Barcelona

Exposición DON EDDY – EL MISTICISMO DEL HIPERREALISMO

 

La crítica de arte es un oficio que precisa de estudios en la materia, experiencia vital y preparación intelectual. Tales elementos,  permiten afrontar la obra de un artista con conocimiento de causa y profesionalidad en la tarea. Sin embargo,  para ejercer esta apasionante labor, no exenta en ocasiones de deprimentes condiciones, también es preciso una total abertura de conceptos y mente amplia en cuanto temáticas y estilos.

 

Confiesa esta crítico de provincias su poca afición por el hiperrealismo, al que admira técnicamente,  en base a la precisión y pulcritud, a la captación de reflejos y efectos de luz, la utilización de una gama de colores de gran riqueza de matices, diversidad de tonalidades, meticulosidad en la composición, etc., Pero en demasiados pintores, se observa frialdad y distancia en sus obras, las cuales tienen excesiva semejanza a la fotografía más documental. No obstante,  tras la observación y contemplación de la obra de DON EDDY (California, 1944), que desde el pasado cuatro de febrero y hasta finales de este mes de marzo, se exhibe en el Palau Gomis, sede del MEAM, es necesario realizar ciertas matizaciones. 

A River Called in Lumen Profero - Acrílico sobre lienzo -

Esa obertura de miras mencionada al principio de este texto, es la que ha permitido contemplar una obra,  donde el autor plasma sentimiento, alma y vida, gracias a una técnica depurada, pero también pasión por el trabajo que realiza. No puede vislumbrarse esta exposición bajo la definición del concepto clásico del hiperrealismo: tendencia radical de la pintura realista que surgió en los años 60 del siglo XX, que propone reproducir la realidad con más fidelidad que la fotografía.

 

El MEAM presenta por primera vez en España una exposición de DON EDDY, aunque muchos tengan en la memoria algunas de las obras que formaron parte de la colectiva “El Hiperrealismo americano” del Museo Thyssen en 2012. El maestro americano expuso en París en 1973 y desde entonces no ha tenido en Europa otra muestra individual como la actual de Barcelona,  que recoge ocho trípticos creados entre 2005 y 2011, y que se centra en paisajes, jardines y vidrieras.

 

Nostos: There is no road to Grace House - Acrílico sobre lienzo

Si el pintor es conocido principalmente por sus vehículos, abigarrados escaparates o multitudes de objetos en una superficie, o dentro de un espacio, utilizando como técnica una combinación del aumento inspirada por el Pop Art, con una minuciosa reproducción de la iluminación y los reflejos, tanto  naturales como artificiales, a fin de conseguir un silencioso estatismo a la cotidianidad de las escenas presentadas,  en esta magnífica exhibición artística no hay densidad ni enmarañadas situaciones, sino ligereza, armonía y misticismo, pues es la espiritualidad el nexo de unión de todo el conjunto expositivo, en el que de forma contundente expresa un mensaje: es necesario que el ser humano encuentre el equilibrio con la Naturaleza.

 

La utilización de una paleta cromática de gran riqueza de matices, diversidad de tonalidades, la vitalidad de la Naturaleza, una luminosidad en perfecto equilibrio de contrastes y una composición estructural por supuesto, excelentemente bien resuelta donde destacan en plenitud los reflejos, a través de una pincelada elaborada, calculada casi a la centésima, permite al espectador relajarse y a la vez extasiarse, sin frialdad alguna, a la búsqueda del sosiego y la reflexión.

EON - Acrílico sobre lienzo

Resulta absolutamente contrastante en cuanto a temática, pero no mensaje ni en el uso del color, sus obras: Nostos: There is no road to Grace House un canto a los espacios abiertos, a la fluidez del espíritu, a la contemplación, a la purificación con Eon, una obra cargada de ritualismo, donde la vid nos indica su fruto y elaboración posterior, el vino, símbolo bíblico por excelencia de la sangre de Cristo, en concordia con un paisaje agreste pero cargado de magnificencia, creado por Dios… y por la evolución de la Tierra, en discrepancia material, pero conformidad creativa con el relieve de mármol, de connotaciones bélicas, tremendamente confuso, que nos habla de cómo el ser humano desoye la llamada de la espiritualidad,  para enzarzarse en inagotables batallas.

My Brother Keeper - Acrílico sobre lienzo

Otra de sus obras: My brother keeper, muestra también en un tríptico la creación humana: densas edificaciones de moles de cemento y cristal, radiantes en la oscuridad, para recordarnos la espectacularidad, la técnica, el esfuerzo, pero ante todo la belleza de la creatividad, con una hermosa escultura masculina situada a la entrada de una espléndido palacio, para retornar nuestra mirada a un bucólico paisaje arbolado en otoño, donde cruza un riachuelo.  Un bosque urbano, producto de una tal vez, cuestionable evolución humana, en contraste con la impenetrabilidad del bosque natural.

Revelation Rain - Acrílico sobre lienzo

Aunque Donald Kuspit crítico de arte estadounidense, poeta, historiador y filósofo del arte en la State University of New York at Stony Brook,  y profesor de historia del arte en la prestigiosa School of Visual Arts , indique en el prólogo del catálogo, sobre la obra de Eddy: “es un misticismo sin Dios, un misticismo secular”, el hecho de equiparar urbanismo y naturaleza, conducen irremediablemente al visitante de la muestra a la religión y a la figura de un Ser Supremo.

 

Si bien el mensaje de Don Eddy en esta muestra es claro y nítido, y cargado de simbolismo,  también es necesario destacar el formato y las técnicas que el pintor ha utilizado para crear las piezas.

 

Place Bandit IV - Acrílico sobre lienzo

Cada cuadro es la suma de tres paneles individuales, separados normalmente por espacios de 02,54 cm uno del otro. Sus imágenes están inspiradas en fotografías y pintadas con un aerógrafo que tiene 55 años. Se trata de técnicas del arte comercial que hoy son plenamente vigentes, pero que en los años 60 fueron bastante controvertidas. Por otra parte, los cuadros están pintados utilizando un elaborado sistema de entre 15 y 25 capas de pintura, una técnica habitual en el arte pre-moderno de Europa Occidental,  pero no tan común en la pintura contemporánea.

 

La obra de Eddy forma parte de importantes colecciones en Estados Unidos, entre ellas las del MOMA y el Museo Whitney.  Y no es para menos, tanto por elaboración como por mensaje. Donald Kuspit,  describe a la perfección el significado de esta muestra, a través del ilustrativo catálogo de la misma: “Don Eddy es un realista espiritual. No es ni un superrealista, ni un realista de enfoque nítido o fotográfico, ni un neorrealista o hiperrealista, que es lo que se suele comentar que es. Tal como el pintor declaró en 1997: “Este es el cometido de mi obra, celebrar el misterio del Ser.” (…) Para Eddy, la gran revelación es que el Ser puro y el Yo puro puedan encontrarse; que el arte puede liberar tanto el objeto como el Yo mundano y lo funcional, lo que les permite coincidir y converger”.

 

(MEAM)Museu Europeu d'Art Modern
Barra de Ferro, 5

BARCELONA

 

www.meam.es

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Marta Teixidó

Crítico de arte

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mteixido62@gmail.com

 

PERFIL

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Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

http://cuadrosdeunaexposicin.blogspot.com/

 

Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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