Cuadros de una Exposición.com
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MEAM (Museu Europeu d’Art Modern) Barcelona

 

CONTRASTE DE EXPOSICIONES: 

Martyrium Sanctae Eulalie y Modportrait 2013  

EL MARTIRIO HAGIOGRÁFICO COMO INSPIRACIÓN ARTÍSTICA  

Lo más probable es que para el amigo y desconocido lector resulte curioso o extraño el título de este artículo. Sin embargo, nada es por casualidad, y el mismo responde a la exposición Martyrium Sanctae Eulalie que hasta finales del mes de junio presento el MEAM de Barcelona.

 

Organizada por The Crossing Lab, un laboratorio artístico de creación de ideas,  se basa en una interpretación extremadamente libre de la tortura a que fue sometida Santa Eulalia, patrona de la ciudad condal.

MUESTRA DE IMAGINERÍA TRADICIONAL

Si bien, la exposición presenta un pequeño apartado de imaginaria tradicional, como información para el visitante,  los artistas han basado la presentación de sus obras, en un aspecto morboso y tortuoso en algunos casos, demostrando total desconocimiento por el significado del martirio con respecto a la Fe cristiana, en este caso católica.

 

La leyenda, de la que se tiene constancia a partir del siglo VII, se remonta a la época romana. Según la tradición cristiana, Eulalia fue una niña, educada en el cristianismo, que vivió en las afueras de la ciudad de Barcino (actual Barcelona), a finales del siglo III.

Con 13 años, durante el período de persecuciones a los cristianos del emperador Diocleciano (284-305 dC), Eulalia se escapó de su hogar y fue a buscar al gobernador de Barcino, Daciano, para recriminarle las represiones. Éste, ante la negativa de la niña a renunciar a la fe cristiana, la condenó a trece martirios, tantos como años tenía.

 

Según la tradición, como primer tormento fue encarcelada en una prisión oscura, para posteriormente ser azotada. En el ecúleo le fue desgarrada la carne con garfios. Luego fue puesta de pie sobre un brasero ardiendo y le fueron quemados los pechos. Las heridas le fueron fregadas con piedra tosca, para luego arrojarles aceite hirviendo y plomo fundido, además de lanzarla a una fosa de cal viva etc., etc., y al final, paseada desnuda por las calles de la ciudad hasta el lugar del suplicio donde fue crucificada en una cruz en forma de aspa.

 

Con esta “excelsa” tanda de torturas, la joven, por razones obvias de la biología, debía tener pocas fuerzas para continuar con vida después del primer martirio. Científicamente, la leyenda es del todo cuestionable. 

JOSEP S. JASSANS - Saint Eulalia -Lápiz sobre papel

No obstante, para la Religión Católica el significado es muy distinto: el mártir moría por total certeza y seguridad de su Fe; saber que actuaba atendiendo a sus principios, desoyendo cualquier tipo de presión. Es creer a ultranza, con pasión y devoción, con firmeza y templanza, en una fe verdadera.

 

Es defender una postura y un convencimiento hasta perder la vida por ello, por la verdad. El martirio de Santa Eulalia como el de cualquier santo, debe contemplarse bajo este punto de vista. La joven jamás renunció al respeto por sí misma, y por la causa cristiana. Morir por lo que uno cree es tener un gran valor y una fortaleza únicos.

 

Pero, tal como se ha indicado, the Crossing Lab, un laboratorio de creación, un espacio de pensamiento y debate donde proponer temas de reflexión artística, sólo han basado su especial “iconografía”, bajo la morbosidad de la tortura, la perversión estética y sexual del suplicio, desconociendo o apartando el real sentido de convicción, que el ejemplo de la leyenda del martirio de esta santa supone.

AMANDA CHIARUCCI - Cosa restera de me

Dejando claro, pues,  este aspecto más religioso, por parte de The Crossing Lab del martirologio de Santa Eulalia, y basando la crítica en el hecho artístico presentado,  puede decirse que parte de la exposición,  estética y visualmente dispone de algunas piezas de calidad, de imaginación desbordante, de composición y estructura interesantes, mientras que otras demuestran un nivel bastante mediocre.

 

Entre los 16 artistas nacionales e internacionales que han participado, pasamos a comentar los siguientes:

 

Bien resuelto a nivel técnico el dibujo de Josep S. Jassans Saint Eulalia, que sigue un parámetro académico, al que ha añadido el toque de refinada perversión sexual. El montaje de fotografías de Amanda Chiarucci titulado Cosa restera di me, propone una visión atrevida y vanguardista, destacando una figura femenina central, apoyada en la puerta de un frigorífico, y la desmembración de sus brazos, rodeados de imágenes de vísceras o armas blancas. Una visión sin duda esperpéntica, grotesca, un tanto repelente en algunas imágenes. Una comparación dura pero interesante. No se puede negar un cierto sentido de innovación, e incluso de crítica social.

IGNACIO ZORNOZA

Lo contrario de lo antes mencionado, es el enfoque bello, grácil y esbelto, sinuoso y sensual, de Ignacio Zornoza, a través de un cuerpo femenino desnudo parcialmente, con las manos atadas y la cabeza inclinada hacia atrás. Casi parece una lápida mortuoria. Una postura clásica y academicista, no exenta de ciertas connotaciones relacionadas con el sadismo, aunque en conjunto, la obra no está exenta de atractivo en su contemplación a nivel estético.

NÚRIA GUERRA - Dactilosomas

Valeria Pierini presenta conjunto de imágenes un tanto inconexas, que por su número da a entender que se trata de un singular y minimalista simbolismo de 12 de los 13 martirios a los que fue sometida Santa Eulalia, mientras que Núria Guerra y su obra Dactilosomas, una palabra inventada formada por Dáctilo – del latín dáktylos, «dedo» - y del griego soma,  - cuerpo o elemento- , ofrece al espectador un punto de vista con ciertas connotaciones místicas. Un fondo oscuro hace destacar con plenitud puntos de luz, procedentes de las huellas, los dedos de la mano. Un título y obra con carga simbólica: un cuerpo desaparecido, que irradia energía, en base a la luz que surgió del ultimo martirio de la santa, y esta se elevó al cielo.

LUCA FRESCHI - Credo

Helena Hamerski y su Martyrium construye su trabajo en base a la iconografía tradicional, impresa en papel, cortada en finas tiras, plasmando con evidencia,  el título de la obra, pero su talante es bastante convencional, sin apenas innovación, y que debe mirarse de cerca, si se quieren apreciar las agujas y los cortes. Luca Freschi también nos exhibe un lado místico en base a una inexistente crucifixión, pero perfectamente delimitada, a través de las distintas piezas de terracota que componen su muy sui generis Credo

MASSIMILIANO FABBRI

Pau Roig también presenta un punto de vista gráfico, conceptual en exceso, sin excesivas originalidades y parco en significados: Untittled (series), mientras que Massimiliano Fabbri plantea su obra en un tono surrealista, más con tendencias de pintura metafísica, que bien podrían valer para una santa como para una dama del Renacimiento. 

JORGE EGEA - Passió

 

Finalmente Jorge Egea ofrece dos esculturas, con elementos de simbolismo martirologio,  pero terriblemente mal resueltas, rozando lo burlesco y lo incongruente. Las dos piezas Expiratio y Passió de absoluto mal gusto y vulgaridad.

 

En lo referente a la segunda, parece más un striptease “grunge” que escultura.  Si no fuese por el contexto de la exposición, bien podría formar parte de otra de tintes carnavalescos. Total desacierto en lo que artísticamente se llama mirada de Niobe. (En la mitología griega,  Niobe (en griego antiguo Νιόβη Nióbe) fue una reina de Tebas, hija de Tántalo y Dione castigada por los dioses con la muerte de sus hijos. Su dolor fue tal que, deshecha en un mar de lágrimas, quedó inmóvil y terminó convirtiéndose en piedra. Esa leyenda sirve a los artistas para reflejar un ideal de belleza, basado en el rostro de la reina, sumido en el dolor y con los ojos vacíos de lágrimas.

 

Sin lugar a dudas, una muestra desigual, extraña en el MEAM, no exenta de curiosidad en algunas de las distintas perspectivas plasmadas por los artistas, basadas sólo en un aspecto con dominio de la perversión, obviando como se ha citado al principio, su real significado, para presentar un festín visual entre burlonas alegorías y perversas visiones, siendo lo artístico apenas perceptible en pocas piezas.

 

 

MODPORTRAIT 2013

 

Organizado por la galería Artelibre de Madrid, en colaboración con la Fundació de les Arts i els Artistes, el MEAM presenta Modportrait 2013, una muestra con 32 obras finalistas, resultado del concurso del mismo nombre, basado exclusivamente en el retrato realista o hiperrealista.

 

Esta nueva iniciativa cuenta con un Primer Premio de 5.000 euros. La Barcelona Academy of Art también colabora otorgando tres workshops de una semana. La entidad, primera escuela española dedicada a la enseñanza del dibujo, la pintura y la escultura, concederá estas tres estancias para dotar a los ganadores de la oportunidad de profundizar en técnicas de dibujo.

 

El conjunto expuesto resulta de calidad. Hay profesionalidad, conocimiento, técnica depurada y también mucha frialdad en algunas de las obras expuestas.

 

La técnica hiperrealista consiste principalmente en la pintura realizada a partir de la proyección de una fotografía en forma de diapositiva sobre un lienzo (con un video-proyector, retro, proyector de diapositivas o cualquier otro medio informático). Es una técnica de copiado fácil y precisa aunque requiere un trabajo lento y elaborado, partiendo de colores muy diluidos y metiendo poco a poco capas de color.

 

Sin obviar el perfeccionismo que requiere la técnica, podría decirse que la decisión del jurado es, no obstante, un tanto discutible. 

Formado por el conocido pintor hiperrealista Don Eddy,  Nancy Hoffman, directora de la galería en Nueva York que lleva su nombre, José Manuel Infiesta, director del MEAM, Golucho, Carlos Muro, Eduardo Laborda,  Iris Lázaro, pintores realistas,  César Santander, pintor fotorealista, Zhaoming Wu (pintor y profesor de la Universidad de Belles Arts de San Francisco, y  José Enrique González, director de la galería Artelibre,  su visión y análisis de las obras ha sido tanto a nivel virtual como físico.

 

Como puede comprobarse, en el citado jurado se encuentra un exceso de pintores y falta de coleccionistas y críticos, por lo que la concesión del premio, se ha basado más en la técnica que en la temática y atractivo de la obra, el comprador o poseedor de obras de arte.

Edgar Noe Mendoza (México) - Fenotipo I. PRIMER PREMIO

Edgar Noe Mendoza de México obtuvo el primer premio con la obra Fenotipo I. Un prodigio técnico, pero como una gran mayoría de obras hiperrealistas, resulta fría e impersonal, al imitar con obviedad absoluta, la imagen fotográfica. ¿Qué coleccionista adquiriría una obra como esta?

 

El trabajo hiperrealista debe partir de una composición de lugar, para que, independientemente de esta técnica, la obra mostrada tenga no tan sólo temática, sino alma, y sepa reflejar para el espectador, el profundo espíritu creativo del artista, tal como pudo apreciarse en la muestra de Don Eddy, que el MEAM exhibió a principios de este 2014, algo que la obra ganadora no exhibe en absoluto.

AURELIO RODRÍGUEZ - Pintando en “Azul y oro II” – Shalenn - MENCIÓN DE HONOR

Algo que resulta absolutamente evidente, tanto por su planteamiento estético como técnico la obra del español Aurelio Rodríguez que recibió una mención de honor: Pintando en “Azul y oro II” – Shalenn. Utilizando como base la técnica del pastel y derivando hacia el hiperrealismo, el artista plantea un trabajo exquisito, bello, de pincelada pulcra y luminosidad radiante, que ensalza a la mujer como si de Venus se tratase. Excelente la idea de la mano del pintor acabando la obra.

ALBERT RAMOS -El hombre que amé - MENCIÓN DE HONOR

Varias obras más han tenido Mención de Honor: Paco Lafarga y Javier Ruiz, (ambos de España) por su obra P., y Virginia respectivamente. Iván Franco y Albert Ramos también españoles por Le-(Salmacis Num.3 y El hombre que amé, esta última admirable, conmovedora en su composición y en su título, magistralmente elaborada y con una gran carga emotiva. Técnica depurada, pincelada pequeña y cuidada y un juego lumínico donde luz y sombras están en perfecto equilibrio.

CÉSAR SANTOS y CARLOS ASENSIO - Amore y retrato de Vicente Traver Calzada - OBRAS SELECCIONADAS

Una exposición en conjunto con obras interesantísimas en cuanto al enfoque del retrato. Atrevida y vanguardista, se observan unos planteamientos y composiciones estéticas donde se conjugan todo tipo de sentimientos. Retratos llenos de miradas tristes unas, vacías o indiferentes otras, principalmente con dominio de la soledad como nexo común, y que saben captar la atención del espectador tanto por calidad como por el enfoque de la temática.

 

No se trata de una exposición de retratos, como los que se pintaban hasta hace 50 años. Es una muestra donde el artista es cronista en imágenes de una realidad poco edulcorada, donde no se exhibe la belleza, sino el momento actual de la sociedad y del arte figurativo.

 

(MEAM)Museu Europeu d'Art Modern
Barra de Ferro, 5

Barcelona

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Marta Teixidó

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PERFIL

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Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

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Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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