Cuadros de una Exposición.com
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FUNDACIÓN MAPFRE – Casa Garriga Nogués – (Barcelona)

HIROSHI SUGIMOTO: BLACK BOX

 

EL SILENCIO DE LA IMAGEN

HIROSHI SUGIMOTO - Bay of Sagami, Atami [Golfo de Sagami, Atami], 1997. Impresión a la gelatina de plata. Cortesía del artista 119.5 X 149 cm ©

El silencio es un bien escaso en la globalizada sociedad del siglo XXI. Podemos residir en plácidos espacios, donde apenas percibamos el sonido de una hoja al caer. Sin embargo, ello no significa que esa abstención de ruido,  nos evite gozar del sigilo de estar con nosotros mismos, deteniendo el tiempo y proyectar nuestros deseos y preocupaciones entre las luces y sombras de nuestra mente.

 

Hiroshi Sugimoto en la selecta retrospectiva que bajo el título de Black Box, comisariada por Philip Larratt-Smith y que Fundación Mapfre en Barcelona le dedica entre los meses de febrero a mayo, muestra en las 40 imágenes seleccionadas, fechadas entre 1976 y 2012, - todas ellas  realizadas en gelatina, un procedimiento muy artesanal, que le supone dificultades importantes para encontrar el material adecuado - ,  un intrínseco purismo en una técnica fotográfica, donde domina la seducción de contrastes de luces y sombras, así como  también el goce estético del blanco y negro.

De izquierda a derecha: HIroshi Sugimoto - Pablo Jiménez Barillo y el comisario de la muestra Philip Larratt-Smith

Nacido en Tokio en 1948, Hiroshi Sugimoto se traslada a Estados Unidos en 1970 para estudiar fotografía. Artista multidisciplinar, trabaja con la escultura, la arquitectura, la instalación y la fotografía, campo, este último, en el que está considerado como uno de los más importantes autores de la escena internacional. Es un maestro artesano que rechaza la tecnología digital, a favor de métodos tradicionales.

 

Pablo Jiménez Barillo, director del Área de Cultura de la Fundación, resaltó en la presentación de la muestra para la prensa, la excepcionalidad de esta exposición, así como la reflexión que del tiempo realiza el fotógrafo, su peculiar representación de la realidad, no exenta de notas inquietantes en un mundo complejo de implicaciones visuales.

 

La exposición  dividida en cinco ámbitos: Seascapes (paisajes marinos), Portraits (Retratos), Theaters (Cines), Dioramas y Lithing Fields (Campos de relámpagos), presenta bajo una noción mayoritariamente conceptual, una obra estéticamente emotiva, técnicamente impecable y artísticamente absoluta. El espectador contempla unas imágenes de extraña y subjetiva belleza, limpia, exquisita, subyugante y por encima de todo mística. 

HIROSHI SUGIMOTO - Catherine of Aragon [Catalina de Aragón], 1999. Impresión a la gelatina de plata. Cortesía del artista 93.7 x 74.9 cm ©

En su parlamento, Philip Larratt-Smith, mostró su admiración por lo emblemático del inmueble -  de inspiración Modernista creado por Enric Sagnier entre 1902 y 1904, en los que se mezclan elementos clásicos y rococó - que acoge la muestra y que “crea un nuevo contexto del arte catalán por lo que este edificio adquiere un timbre especial”, y que evidentemente ha condicionado la colocación de la obra – de manera impecable – para exhibir la obra de “este hombre del Renacimiento, que dispone de un abanico de acontecimientos en el aspecto artesanal y conceptual.

 

Larratt-Smith hizo hincapié en la re-interpretación que de la fotografía ha realizado Sugimoto, de la foto tradicional a la abstracta: “No hay límite en lo que puede conseguir; precisión en los detalles, claridad y el uso al máximo de las posibilidades de la black box (Caja negra)

 

Otro de los puntos comentados por el comisario de la muestra fue la representación de elementos o cosas que no podemos ver: “La inconciencia óptica y las posibilidades de captar la realidad hace que nos preguntemos: ¿Es una foto realmente? El lenguaje del fotógrafo crea singulares tensiones entre la ilusión y la realidad, el pasado y el presente… Hay una metáfora de lo que vemos en la realidad.

HIROSHI SUGIMOTO - Vladimir Ilyich Lenin [Vladímir Ilich Lenin], 1999. Impresión a la gelatina de plata. Cortesía del artista 93.7 x 74.9 cm ©

Mi personal recorrido expositivo se inició en la serie Portaits (Retratos). Diversas figuras de cera (casi todas del museo Madame Tussaud de Londres)  de personajes históricos célebres: reyes y reinas de Inglaterra, estadistas, e incluso un retrato de Juan Pablo II configuran unas bellas y fantasmagóricas apariciones, realizadas a tamaño natural, destacando  el aislamiento del fondo negro. Inspiradas en retratos pictóricos, algunos de célebres pintores del Renacimiento, como Holbein, Van Dyck o David, aunque también se aprecia en la fotografía de Sugimoto las recreaciones en cera de La lección de música de Vermeer.

 

La serenidad de la imagen, y la frialdad del poder marcan la personal visión del silencio de la historia, la que no cuentan los documentos pero si las miradas distantes y altivas de los personajes representados, enfundados en ricos trajes y brocados. Elegancia y brillantez en el contexto de una gélida y sepulcral ausencia de sonidos.  La conjunción magistral de un crudo y metafórico realismo con sutileza y habilidad técnica,  dan como resultado una austera sobriedad de hermosa solidez.

HIROSHI SUGIMOTO - U.A. Playhouse, New York [U.A. Playhouse, Nueva York], 1978. Impresión a la gelatina de plata. Cortesía del artista 119.5 X 149 cm ©

De los retratos se pasó a los Theaters (Cines). Hermosas salas de proyección, donde se aprecian distintas concepciones arquitectónicas. Espacios  llenos de quietud y faltos de bullicio a la espera de espectadores ávidos de placer,  deseos de olvidar, cansados de sufrir  o animados por ver en esa pantalla de blanco níveo, radiante y omnipresente el espectáculo de sus vidas o sus más recónditas aspiraciones en la misma. Una obra cuidada hasta el extremo de iluminar arcos, columnas, palcos y techos artesonados que guardan sigilosamente la sublimación silenciosa de la sala vacía.

 

Si bien el montaje acoge principalmente locales cerrados, son de destacar las fotografías de los autocines, donde el exterior abraza y cubre la inmaculada pantalla, resultando absolutamente sensacional el Autocine Try City de San Bernardino. El parque infantil sin vida aparente por falta de niños, se convierte en espectador estático y mudo, pero presente en el entretenimiento fotográfico, mirando de frente al inmenso vacío de la blanca mampara.

 

HIROSHI SUGIMOTO - Tri City Drive-In, San Bernardino [Autocine Tri City, San Bernardino], 1993. Impresión a la gelatina de plata. Cortesía del artista 119.5 X 149 cm ©

En su intervención en la rueda de prensa, Hiroshi Sugimoto, una vez realizados los agradecimientos de rigor, al igual que sus predecesores en el turno de la palabra, se mostró sorprendido por el título de la muestra, Black box, encontrando el mismo no obstante, lleno de significado: “Mi vida está la oscuridad. La mitad de ella está en la oscuridad ya que paso entre cinco y seis horas diarias en la cámara de revelado. También es la caja negra que se encuentra en la máquina de fotografiar. La abrimos y vemos el mundo”. Sus reflexiones también se encaminaron hacia los seres humanos como tales, y el origen de la mente humana: “¿Por qué somos seres humanos? ¿Por qué podemos tener esa conciencia?”

 

Evidentemente que un artista se haga tales preguntas invita a un análisis profundo de su obra, ya que cada imagen lleva horas y horas de trabajo, de perfeccionismo constante y permanente.

 

HIROSHI SUGIMOTO - Alaskan Wolves [Lobos de Alaska], 1994. Impresión a la gelatina de plata. Cortesía del artista 119.5 x 211 cm ©

En su serie Dioramas, se observa un paisajismo idealizado. Casi no parece la Naturaleza terrenal sino el particular paraíso de Sugimoto más allá de la muerte, (Aves Alpinas,), una idea que constantemente ronda la obra de este fotógrafo, y de la que también se habló en la rueda de prensa. Sin presencia humana real,  y con los pájaros, lobos, cóndores pingüinos o alces como protagonistas, el espectador percibe una crítica locuaz al ser humano. Especialmente impactantes, llenas de una extraña y enigmática belleza resultan sus imágenes Cóndor de California. Un ave que se alimenta de carroña, y que domina los cielos en busca de la preciada descomposición de materia orgánica. Un paisaje abrupto, duro, seco, donde impera la ley de la supervivencia, algo que también se aprecia en Aves de Georgia del Sur. A destacar también Lobos de Alaska. Bellos ejemplares oteando un horizonte infinito, extremadamente luminoso, y perversamente celestial.

HIROSHI SUGIMOTO - Lightning Fields 119 [Campos de relámpagos 119], 2009. Impresión a la gelatina de plata. Cortesía del artista 149 x 119.4 cm ©

Lightning Fileds (Campos de relámpagos)  La realidad del esplendor de las tormentas eléctricas, sometida al potestad de Sugimoto,  para mostrarnos un espectáculo estremecedor convertido a la magia de la virtualidad, que obran en el espectador la pregunta clave de toda la exposición: ¿es real lo que se muestra?  No es ficción, pero ¿qué parte de la realidad es el relámpago que tan electrizantemente ha captado el fotógrafo? ¿Son relámpagos o especies marinas que viven en lo profundidades abismales? Curiosamente, el cielo nocturno y profundidades marinas tienen como nexo común una oscuridad recóndita y tenebrosa.

 

Como ya se ha comentado, la muerte, la no vida tiene una gran importancia para Sugimoto.

 

En el turno de preguntas, pocas y de escasa calidad hasta el punto de solicitar una breve descripción de la exposición, algo que inteligentemente Sugimoto respondió que era cuestión de ver la exposición, - para los plumíferos, esta muestra es un trabajo que cumplir, no una exhición fotográfica de gran calidad  - esta crítico manifestó con referencia a la obra del fotógrafo japonés, el silencio como común denominador de la misma. 

HIROSHI SUGIMOTO - California Condor [Cóndor de California], 1994. Impresión a la gelatina de plata. Cortesía del artista 119.4 x 185.4 cm ©

Sugimoto respondió que el silenció es calma y sosiego, aunque también comento “No tengo idea de que mis imágenes sean silenciosas” e hizo mención cómo algunos críticos comparaban sus fotografías con las obras japonesas del siglo XII, dentro de un concepto de belleza equilibrada, que nada tiene que ver con la idea occidental del tema, añadió posteriormente Philip Larratt-Smith. “La perfección de impresión de las obras nos lleva a otra dirección”, matizando también que en la obra de Sugimoto, siempre se aprecia el concepto de incertidumbre.

 

El fotográfo manifestó su obsesión por la muerte, “Sí, tengo un poco de necrofilia. La muerte es un momento helado, congelado. La pintura es una forma de conseguir recuerdos. Utilizo mi cámara como una máquina del tiempo. Voy del pasado al futuro…”

 

HIROSHI SUGIMOTO - Bay of Sagami, Atami [Golfo de Sagami, Atami], 1997. Impresión a la gelatina de plata. Cortesía del artista 119.5 X 149 cm ©

La última sala de mi particular recorrido expositivo fue Seascapes (Paisajes marinos). Tuve la enorme fortuna de poderla contemplar en soledad y en silencio, al margen de las banales conversaciones de los periodistas, que en nada apreciaban en verdad la obra de Sugimoto.

 

Dentro de esa selección de piezas se estima con toda claridad, la presencia del misticismo, y ese parar el tiempo que significa la muerte. El horizonte infinito, nítido transparente, dividido por una fina línea de mar y cielo. ¿Puede ser ese el sentir después del final existencial? Mares en calma grises, pero también llenos de una niebla que envuelve el misterio, lo desconocido. El inicio de un viaje sin retorno por esas aguas quietas contemplando el embeleso de un amanecer o de un atardecer. Mares oscuros y sombríos también están presentes en esta selección que en conjunto muestra el éxtasis sobrecogedor, de íntimo y profundo silencio, de meditación y recogimiento, y de una profunda paz espiritual.

HIROSHI SUGIMOTO - Tyrrhenian Sea, Conca [Mar Tirreno, Conca], 1994. Impresión a la gelatina de plata. Cortesía del artista 119.5 X 149 cm ©

Una exposición, de la que se ha editado un muy completo y excepcional catálogo,  que debe contemplarse en silencio, con quietud, sosiego, dentro de un entramado juego intelectual, que permite cuestionar, tiempo, espacio, realidad o ilusión, existencia y expiración.

 

Marta Teixidó

Crítico de arte

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Marta Teixidó

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PERFIL

Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

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PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

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ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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