Cuadros de una Exposición.com
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SALA D’EXPOSICIONS LA PRESÓ (Mataró-Barcelona)

JOAN CASTELLÀ: ACADEMICISMO Y PULCRITUD

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Hay exposiciones a nivel local, cuyo objetivo primordial es ofrecer el trabajo y la tenacidad de un artista amateur que, sin pretensiones de figurar, exhibe su arte con la sencillez del aprendiz constante, y con la maestría de la persona afable.

 

JOAN CASTELLÀ cumple con lo antes mencionado a través de su primera exposición de dibujos, que hasta finales de mes de noviembre exhibe en La Presó. El visitante puede observar una obra pulcra, exquisitamente realizada siguiendo con ejemplo y rigor los cánones académicos, y donde figuración y paisaje se dan de la mano, destacando la minuciosidad empleada en las fachadas de piedra, la destreza en las fuentes y el detalle en las figuras.

 

 

Es una obra sin idealismos ni vehemencias, sin apasionamiento ni delirio. Es un trabajo bien hecho, bien estructurado, con excelente dominio de la tinta china, y uso preciso de la acuarela. El crítico efervescente pasará por alto la muestra o la despreciará en todas sus circunstancias, ya que para algunos “entendidos”, no posee ímpetu creativo.

Pero a veces, es necesario destacar precisamente esa falta de ímpetu, en aras del buen hacer, y del dibujante estricto y meticuloso, que dispone de solidez demostrada en su base técnica, algo que muchos que se llaman “artistas” eluden y no practican, y que la sencillez de la obra de Joan Castellà pone de manifiesto: el dibujo es primordial, y aunque a nivel paisajístico, su trabajo no está tomado al natural, su método y exactitud son excelentes.

En la exposición podemos encontrar temas muy cercanos y cotidianos para este dibujante, que aprovecha la tranquilidad de la noche para realizar sus trabajos. Obras curiosas como un particular licor de ajos para el reuma, un reloj antiguo y una botella de aceite de ricino que el artista aún conserva; un simpático y mimoso búho, las estatuas situadas en las arcadas góticas del patio de un convento, o una particular afición por las puertas y cerrojos de iglesias o casas particulares.

Una muestra que tal como hemos manifestado con anterioridad, está planteada con extremada sencillez en cuanto a temáticas, y dentro de una perspectiva decorativa, y de agradable contemplación, por lo que en su conjunto se hace extraordinariamente cercana y comprensible al público.

 

 

SALA DE EXPOSICIONES LA PRESÓ

La Riera, 117

MATARÓ

 

http://www.associaciosantlluc.blogspot.com/

FUNDACIÓN TELEFÓNICA PRESENTA

UNA NUEVA MIRADA SOBRE

LA FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA DE SU COLECCIÓN

Vista de la exposición. En primer plano CINDY SHERMAN - Sin título

Una década después de su presentación al público, Fundación Telefónica presenta un recorrido por la fotografía contemporánea de las tres últimas décadas a través de la selección de más de 50 obras de la Colección Telefónica y que podrá verse desde el 24 de octubre hasta el 2 de marzo de 2014.

 

La muestra, comisariada por el crítico de arte y profesor de la Universidad del País Vasco, Ramón Esparza, plasma algunas de las tendencias más representativas de la fotografía desde 1973 hasta 2006, como la Escuela de Düsseldorf, representada por los Becher, Thomas Strüth o Andreas Gursky; las propuestas del posmodernismo americano de Cindy Sherman, Jeff Wall, Richard Prince entre otros, y las posiciones más eclécticas derivadas de estas corrientes. Son precisamente los años de profundo cambio en la forma de concebir el uso de la fotografía en el ámbito artístico y que determinó su incorporación definitiva a los circuitos del arte.

James Casebere_Wrap Around Window_2003

Se exhiben por primera vez en el Espacio Fundación Telefónica obras de Miriam Bäckström, James Casebre, Willie Doherty, Stan Douglas, Paul Graham, Zhang Huan, Jürgen Klauke, Perejaume, Miguel Rio Branco y Salla Tykkä, también pertenecientes a la Colección.

 

La fotografía contemporánea en la Colección Telefónica

 

Salvo algunos museos estadounidenses que comenzaron a coleccionar fotografía a comienzos de los años treinta del siglo XX y algunos críticos e historiadores del arte antes de los setenta, la práctica de la fotografía artística y su difusión eran limitadas.

 

Con el uso del soporte fotográfico por parte de algunos artistas pop, como el propio Andy Warhol, o los conceptuales, como Ed Ruscha, y la aparición de una nueva generación de artistas que se servían de ampliaciones enmarcadas de fotografías, se reclamó para la imagen la misma forma de contemplación que un cuadro.

Jeff Wall_Overpass_2000-1

En el caso de, por ejemplo, Jeff Wall, buscaban incluso dotar a su obra de las dimensiones y la presencia de un cuadro en la pared de un museo. La exposición se centra en este momento de la historia del arte y analiza sus consecuencias, partiendo de las obras de Richard Prince, John Baldessari y Sherrie Levine, para adentrarse en la fotografía de los ochenta, en un recorrido que se bifurca inicialmente para luego ir mezclándose. Por un lado Jeff Wall y el posmodernismo americano y por el otro Bernd y HillaBecher con la Escuela de Dusseldorf.

 

En la parte americana el tema central es la crítica de la representación fotográfica y su deconstrucción, iniciada por Wall con sus imágenes de gran tamaño, que mantienen a la vez conexiones con lo pictórico (en las dimensiones de la obra) y con lo documental (en la falsa apariencia de la imagen).

Philip Lorca DiCorcia-London_1993

Al otro lado del Atlántico, los Becher marcan el camino con una relectura de las vanguardias históricas que retoma algunos de los valores de la Nueva objetividad y la fotografía científica a través del distanciamiento, la serialización y la sistematicidad. Los alumnos de los Becher integrados en la llamada Escuela de Dusseldorf adoptan estas pautas de distinta forma y la mayoría va incorporando el uso del color a su obra, sin perder de vista la ruptura de la relación entre la imagen y su objeto: la imagen es lo que se ve; no un registro de lo real, sino algo producido, en cierto modo, a partir de lo real.

 

Lógicamente, las ideas de estas dos corrientes mayoritarias han ido permeando al resto de la comunidad artística y, a su vez, han ido evolucionando y mezclándose. De ahí que tras la apertura de la muestra con estas dos tendencias claramente señaladas, el recorrido invite a cruzar de un lado a otro de la sala y a contemplar las ubicaciones intermedias, tanto espacial como conceptualmente.

Vik Muniz-After Gerhard Richter-2001-Vik Muniz-VEGAP Madrid

Talleres, cursos y visitas guiadas

 

La exposición se completa con conferencias de Juan José Lahuerta, Eric de Chassey y Xabier Ribas; varios talleres, como “Fotografiar desde dentro”, de Almudena Caso, y otras actividades para familias; y el curso para adolescentes “Photo Youth”, también de Almudena Caso y Eva Sala. Además se ofrecen visitas para escolares y visitas guiadas para todos los públicos los viernes y los sábados a las 12:00.

 

FUNDACIÓN TELEFÓNICA
Calle Gran Vía, 28 

Madrid

http://www.fundacion.telefonica.com/es/

MUSEU DEL CÀNTIR (Argentona – Barcelona)

Exposición MERCEDES RODRIGUEZ: ELS MEUS MOMENTS

 

 

 

 

 

 

 

 

 

En la segunda década del siglo XXI, la expresión artística en el ámbito de la abstracción, muestra tal diversidad de variantes y conceptos, que para el crítico de arte se hace necesario un análisis tanto del método como del resultado, sin olvidar los aspectos psicológicos, de intención y de mensaje que el artista ha querido plasmar en su trabajo.  

La obra que presenta MERCEDES RODRÍGUEZ, conocida artísticamente como MERCERÓ en el Museu del Cantir d’Argentona durante este mes de noviembre, bajo el título Els meus moments (Mis momentos), puede definirse dentro del extraño campo de la abstracción figurativa. Esta definición sin duda es totalmente contradictoria, pero la artista que nos ocupa ofrece una obra ciertamente tensionada entre la materia, el color y la gestualidad, disputándose las tres todo el protagonismo.

Cada pieza comienza y termina en ella misma, como un instante, o como Merceró define en el título de la muestra, un momento, que concentra una emoción, un sentimiento y sin duda alguna, una vivencia. En su obra predominan los ocres y los terrosos, junto con grises, azulados, señas de blanco y negro y toques de rojo. En ocasiones, los trazos vehementes, ágiles y amplios perfilan figuras y objetos, que dan lugar a una explosión tanto de signos indefinidos como de formas constituidas.

 

Merceró exhibe abiertamente una visión femenina no exenta de cierto intimismo del entorno, (abanicos, sombreros, flores), caracterizándose su pintura y collage – que desarrolla en diversidad de tamaños - por la presencia de recursos de la insinuación.

  

Las formas y la pincelada se manifiestan con el ímpetu y contundencia, subrayando una voluntad de abstracción, y un carácter de figuración, que persigue mostrar una plástica extremada. La elasticidad, tanto en los bodegones como en la figura, o en singulares paisajes urbanos como los de Nueva York, se mantiene de modo decidido en la obra, mediante un ejercicio de la plena intensidad.

En conjunto puede decirse que se trata de una exposición, en la que gracias a la exhibición de ciertos trabajos mostrados con anterioridad, el espectador puede contemplar parte de la evolución de la obra actual de la artista, en la que sigue predominando la fuerza y el impulso a los que ya nos tiene acostumbrados, pero donde también se pone de manifiesto cierto grado de sensibilidad, emotividad y equilibrio.

 

MUSEU DEL CANTIR

Plaça de l’Esglèsia, 9

Argentona

www.mrodriguezpintora.tk

GALERIA JOAN PRATS – ARTGRÀFIC (Barcelona)

LEIKO IKEMURA: LIRISMO JAPONÉS EN TONOS ROJOS

En mundo tan convulso como el que vivimos, donde la sociedad puede estar permanentemente conectada a través de las nuevas tecnologías, y gracias o por defecto de ello, las informaciones se expanden a la velocidad de la luz, bueno es detenerse de tarde en tarde, en poéticos y sosegados remansos de obra artística.

 

LEIKO IKEMURA, a través de la obra gráfica que hasta finales de noviembre expone en la JOAN PRATS- ARTGRÀFIC, ofrece al espectador una perspectiva real, de fragilidad absoluta y debilidad permanente, en contraposición a ese mundo tan intenso y vertiginoso al que estamos sometidos. Sueños de árboles rojos puede resultar una obra monótona cromáticamente hablando. Sin embargo, el espectador debe profundizar más allá del color de la vida y de la fuerza, para penetrar en un universo de líneas formas suaves y ligeras, de paisajes oníricos que nos invitan a la serenidad y a no desfallecer.

Leiko Ikemura (Japon, 1951), es una pintora y escultora suizo-japonesa. En 1973, se trasladó a España, donde cursó estudios de Bellas Artes en las ciudades de Granada y Sevilla. En 1979, viajó a Suiza, donde permaneció durante cuatro años. Su primera exposición en una institución pública, tuvo lugar en 1983, en el Bonn Kunstverein, en Bonn, Alemania. Durante los años siguientes, Ikemura realizó numerosas exposiciones en galerías e instituciones públicas, como: Museum für Gegenwartskunst Basel (1987), Melbourne International Biennal, en el pabellón de Japón (1999). En 1985 se trasladó a Colonia. Su interés por la escultura se inició en 1987. En 1990, el tema de la figura femenina, se convirtió en el eje central de su obra. Desde 1991, Ikemura ejerce de profesora de pintura en la Universität der Künste (Facultad de Bellas artes) de Berlin. Leiko Ikemura vive y trabaja entre Berlín y Colonia.

 

El lector puede apreciar una biografía intensa, donde la búsqueda constante de una vía de expresión artística es el denominador común de Ilemura. Sus trabajos abarcan pinturas, acuarelas, dibujos y esculturas de terracota y bronce. Nos ofrece paisajes que recuerdan al arte japonés en estilizadas formas de montañas, los ríos o las nubes, donde en ocasiones un fondo oscuro resalta y a la vez contrasta con su general talante bucólico, y rostros esculpidas de mínima expresión en sus rasgos.

Es importante destacar los materiales que utiliza la artista: casi transparentes (pintura y barnices muy diluidos), que acentúan el sentido de lo incorpóreo, y que redundan aún más en la lasitud que nos envuelve.

 

Sus caras realizados en terracota o bronce, muestran una faceta menos elegíaca, más dramática en contraste con la obra paisajística; la Naturaleza en si misma ofrece encanto, equilibrio y estabilidad, algo que el ser humano, inmerso en la vorágine del siglo XXI, ignora y sufre, de forma consciente e inconsciente, derivadas de modos de vida superficiales y materialistas. Unos rostros de concepción casi minimalista, sin abandonar simbolismos y metáforas relativas a la pérdida de identidad del ser humano.

 

 

Una muestra donde la forma de colocación de las piezas tiene también su importancia, ya que configura un entorno de comunicación humana, en base tanto a la racionalidad como a la emotividad.

Es de agradecer que la Joan Prats ofrezca una muestra donde se observa mayor calidad, después de ciertas sandeces expositivas que ya han sido debidamente comentadas por esta crítico de provincias. Incluso sorprende que en las insulsas mentes que programan las temporadas artísticas de esta galeria, hayan recibido la “luz divina” para exhibir esta obra, que si bien es interesante, tanto en su vertiente técnica como creativa, no es lo mejor de esta artista, pero algo es algo. Los milagros, en la Joan Prats - Artgràfic, parece que existen. ¡¡¡Aleluya!!!. Esperemos que continúe para bien de esta conocida galería y del arte. Los experimentos, mejor hacerlos con gaseosa.

 

GALERIA JOAN PRATS – ARTGRÀFIC

C/ Balmes, 54

Barcelona

 

www.joanprats-artgràfic.com

GALERIA MARLBOROROUGH (Barcelona

LEIRO ESCULTURAS: Naturaleza y figura en madera

 

Hay veces en que el artista, y más si es escultor, conduce su creatividad hacia derroteros más propios de la investigación de materiales o de formas, con la finalidad de volver a opciones más primitivas, que a la propia ejecución de la obra.

 

Esto es lo que se podría afirmar en parte de las esculturas de FRANCISCO LEIRO que hasta el próximo 6 de noviembre se exhiben en la Galeria MARLBOROUGH de Barcelona.

LÁZARO

Nacido en Cambados (Pontevedra) en 1957, su obra huye de todo condicionamiento y academicismo, para ahondar en la pureza de los materiales que utiliza, en este caso la madera, admirando sus betas, su formación interior, su Naturaleza, para mostrarla a través de una obra de talante expresionista, manteniendo como referentes fundamentales de su estilo la escultura tradicional gallega de talla en madera y las formas arcaicas.

MONTEAGUDO

En sus creaciones participan el hieratismo egipcio-mesopotámico, con grandes influencias de la monumentalidad de Miguel Ángel y el expresionismo alemán. Su escultura yuxtapone formas figurativas con estructuras abstractas que dan origen a piezas de connotaciones alegóricas, cuyas referencias narrativas se sitúan más allá de la historia y de la memoria, invocando una ficción irónica y atemporal.

CELOSÍA: NO BREXO

La dilatada obra de Francisco Leiro está considerada desde los años ochenta una de las más representativas de la escultura española. Aunque ha trabajado diversos materiales, (piedra, mármol u hormigón), en la muestra de la Marlborough ofrece una serie de piezas sólo de madera (que puede ser peira, maceire, ukola o teka), la cual a policromado, a fin facilitarle distorsiones compositivas, a veces con talante brutalista.

CELOSÍA: MOURENTE

Si las esculturas como su Fortuito o sus dos Lázaros o Monteagudo, ofrecen una imagen abrupta, distante e impertérrita a pesar de establecer cierto diálogo, rodeados de indiferencia, sus celosías – relieves tallados sobre grandes tablones – tituladas Mourente y No brexo presentan un contexto onírico y enigmático, mucho más sugerente e insinuante de formas algunas, otras simplemente relata una escena costumbrista y algunas muestran dureza y contundencia como es la figura Entra.

Sin embargo, Distraido es la obra que más llama poderosamente la atención de la muestra, ya que aplica una técnica y contexto más clásicos en su factura, y cuyo significado puede resultar más enigmático. Realizada en roble teñido y pino rojo, muestra al espectador una visión física de la distracción, la cual habitualmente es considerada de pensamiento, a través de un planteamiento estético singular, incluso extravagante, que no deja indiferente.

La exposición se complementa con una serie de dibujos sobre papel, realizados en acuarela y lápiz, que podrían aplicarse como esbozos o ideas de futuras obras, pero que en esta ocasión simplemente exhiben una faceta más de su carácter artístico.

 

En conjunto, la muestra puede resultar extraña ante el planteamiento estético dado por el escultor a su obra, incluso provocar cierta apatía en el espectador, desconocedor de su trayectoria artística. No obstante, es necesario reconocer fuerza creativa y particularidades de expresión – especialmente en sus celosías – que emanan cierto magnetismo y sugieren un culto o admiración a la imaginería.

 

MARLBOROUGH Barcelona

C/ València 284, 1r 2ª A

Barcelona

 

www.galeriamarlborough.com/

 

SALA D’EXPOSICIONS LA PRESÓ

JOSEP VINYALS: PROCESO ESCULTÓRICO

La escultura es de entre todas las artes, la que más complejidad de planteamiento y resolución conlleva, puesto que precisa de cálculos, dibujo y profundos conocimientos técnicos del material con que se elabora.

 

La sala d’exposiciones LA PRESÓ presentó hasta el pasado 31 de octubre la muestra JOSEP VINYALS, Escultura en ferro, un conjunto de piezas realizadas con este duro, contundente y a la vez fascinante material

 

VENUS

 

 

Vinyals, que es profesor de soldadura, pasó gran parte de su vida artística en el taller de Josep Ma. Rovira Brull. La desaparición de este creador en el año 2000, le permitió realizar sus propias creaciones, basadas en parte en la concepción estilística y las influencias artísticas de Rovira Brull, por lo que no es de extrañar encontrar un planteamiento estético de tendencia surrealista, o del llamado “realismo mágico”

SACERDOTISA IBÉRICA

 

 

Con respecto a la escultura femenina, presenta un concepto innovador, que sin dejar de ser estilizado, refleja naturalidad y realismo, sorprendiendo al mismo tiempo, y en total contraste, con una visión casi esotérica tal como refleja Sacerdotisa Ibérica, escultura claramente inspirada en formas ancestrales procedentes de la época pre-romana, con un singular toque de modernidad.

 

 

Capta fuertemente la atención del espectador la obra Caça de bruixes (Caza de brujas), tanto por el planteamiento como por la realización y resolución escultóricas. Una pieza impactante y abrupta, donde un cuerpo femenino desnudo muestra la crudeza de la incomprensión y la tortura, que el espectador puede pensar que se trata tanto de una visión inquisitorial como machista, a través de unos barrotes, donde curiosamente hay un pestillo para abrir la misma.

SIRENA

La obra de Vinyals, quien domina la dureza del hierro, soldándolo y moldeándolo con excelente dominio, rinde culto a la mujer, en sus formas más místicas y a la vez más intrínsecamente mediterráneas: Sirena, Venus, etc., donde cierto sentido tanto idílico como onírico se pone de manifiesto. Como catalán, su plasmación de la Sardana resulta original, atractiva, atrevida y vanguardista.

SARDANA

Una muestra de un artista poco dado a las exposiciones – esta es la primera exhibición en conjunto de su obra – que describe con sinuosidad, elegancia, profesionalidad, conocimientos y sentido de la creatividad, una obra escultórica de agradable contemplación y admirable realización.

 

SALA DE EXPOSICIONES LA PRESÓ

La Riera, 117

MATARÓ

 

http://www.associaciosantlluc.blogspot.com/

NINA TORRES FINE ART GALLERY (Miami – Florida –EE.UU)

Exposición PHILIPPE PASTOR (Mónaco)

 

Desde el pasado 24 de Octubre hasta prácticamente la totalidad del mes de Noviembre, la sala de arte Nina Torres de Miami, ofrece la muestra BLUE MONOCHROM' SERIES, correspondiente a la obra de PHILIPPE PASTOR (Mónaco, 1961)

 

Un artista autodidacta que trabaja entre Mónaco y España, que utiliza la materia viva, plasmándola en su transformación a través del tiempo y sus alrededores inmediatos, combinando tierra, pigmentos, minerales y plantas de todo tipo.

 

Philippe Pastor presenta su visión de la vida, de la destrucción del medio ambiente y la participación del hombre en la sociedad, aunque su obra ofrezca una visión de total dominio cromático. El artista ha exhibido su obra por todo el mundo, participando en las 52 ª y 53 ª de la Bienal de Venecia, hecho que marcó un punto de inflexión en su obra.

Durante este 2013, ha expuesto su obra más reciente (Azul-tierra) y en breve también mostrará su obra la Miami Rio Art Fair 201e.

 

Su bagaje y experiencia artística le llevaron en 2009 a ser nombrado por Su Alteza Real el Príncipe Alberto II de Mónaco " Chevalier de l' Ordre du Mérite Culturel ", siendo al mismo tiempo invitado de honor en Arte Mónaco-2010.

 

En el mismo año 2010, también le fue concedido « Le Prix d' excelencia Pensée Ecología » , El Premio de Excelencia Pensamiento Ecológico

En Mayo de 2008 participó como conferenciante invitado en la sede de las Naciones Unidas de Nueva York en el seminario «Olvidar la intolerancia: El Arte cambia las actitudes hacia el medio ambiente”.

 

 

NINA TORRES FINE ART

1800 N. BAYSHORE DR,

MIAMI, FL 33132 (EE:UU)

 

www.ninatorresfineart.com

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Marta Teixidó

Crítico de arte

CUALQUIER COMENTARIO, CRÍTICA O SUGERENCIA, PUEDEN SER REALIZADOS EN LA SIGUIENTE DIRECCIÓN DE CORREO ELECTRÓNICO.

 

mteixido62@gmail.com

 

PERFIL

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Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

http://cuadrosdeunaexposicin.blogspot.com/

 

Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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