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COMUNICADOS DE ARTE

27 de marzo de 2013

 

ATENEU CAIXA LAIETANA (Mataró)

 

CARME RIERA – CONCHA IBAÑEZ: PERCEPCIONES DE LA NATURALEZA

 

El mar y la tierra sirven como nexo de unión para que dos mujeres, dos artistas conceptualmente dispares y estilísticamente distintas, muestren al público un conjunto expositivo plagado de fascinación, donde símbolos y mitología conviven armoniosamente con la expresión de abruptos y extremados paisajes oníricos, con otros, donde suaves ondulaciones se entremezclan con idílicas edificaciones.

El ATENEU CAIXA LAIETANA presenta hasta el próximo 7 de abril, las exposiciones: Entre Mar i Terra –CARME RIERA – Presències y Entre Terra i Mar – CONCHA IBAÑEZ - Paisatges

CONCHA IBAÑEZ(Canet de Mar, Barcelona, 1926) Ibáñez, pintora y grabadora contemporánea, a lo largo de su trayectoria, ha dedicado su obra al paisajismo, plasmando en lienzo tierras de Cataluña, de Castilla, de Andalucía, de las Islas Baleares y las Canarias, - algunos de cuyos ejemplos se encuentran en esta exposición – así como Venecia, de Grecia y del Magreb, de Cuba y de la ciudad de Nueva York.

Su obra paisajística, está hecha de soledades y silencios, resuelta con sencillez y coloreada con dulzura, desplegando formas con matices con una cautivadora sensibilidad poética. Lo mismo cabe afirmar de los dibujos expuesto, en los que la sutil gradación de grises se alía con un sentido de la forma, invariablemente sobrio y candoroso. En sus cuadros está todo lo que se ve y sugiere, con una técnica de aparente sencillez, que oculta una depurada elaboración.

Ibáñez sabe resolver con eficiencia la monotonía aparente de un paisaje que, en muchas ocasiones parece mortecino y recurrente, sobre todo a nivel cromático, pero que en cambio es lo contrario, ya que si observamos cada una de las piezas veremos que los cambios son evidentes, pero no de manera exagerada, sino que son cambios muy suaves, muy tenues, casi como el tratamiento del color, ya que la intención de la artista es plasmar el detalle, la calma, el silencio, el viento, la brisa, el efecto atmosférico, o sea, todo aquello que sólo advierte la propia artista y que al espectador le pasa desapercibido.

Con respecto a la obra de CARME RIERA, el visitante se encuentra ante una artista siempre distinta y renovadora, a veces sorpresiva, que empezó a exponer con éxito en los primeros años de la década de los setenta. Continuadora de Duchamp, Man Ray, o Meret Oppenheim, la artista recolecta, analiza, descubre, reinventa y recrea objetos cotidianos para convertirlos en singulares piezas.

 

Carme Riera nació en Barcelona en 1940, y ha sido una de las protagonistas del renovador y vanguardista panorama cultural barcelonés de los años ochenta y noventa. Participó de los grandes momentos de un movimiento artístico y poético que mezcló diferentes disciplinas, y que tuvo y sigue teniendo a Cataluña como uno de sus centros más importantes, en la poesía visual, la action poetry y el performance polipoético.

En lo referente a ENTRE MAR i TERRA – Presències, Carme Riera nada del mundo es insignificante, ni visible ni invisible, todo seduce, todo le es motivo artístico. Mejor dicho: sujeto artístico, ya que la autora, que nunca se contenta con fáciles soluciones formales y que siempre va más allá de los caminos que incluso ella misma ha transitado, tiene la virtud de hacer dialogar en un mismo espacio creativo las ideas preconcebidas con su realización plástica.

Carme Riera presenta una exposición de evocación claramente mediterránea, acercándonos al espíritu (entre azul y mercurial, es decir: sereno e ingrávido) del Mediterráneo a través de un trabajo libre de amaneramiento, pintando y expresando con sus esculturas, un paisaje surgido de la visión interior de la realidad, mostrándonos, transfigurada en obra de arte, su vivencia personal del Mediterráneo y la influencia de su cultura, agente provocador de nuestra manera de ser, que tienen en Grecia y en Roma raíces profundas.

 

ATENEU CAIXA LAIETANA

C/ Bonaire, 3-5

Mataró

http://conchaibanez.es/en/

http://www.pintorsbarrigoticbcn.com/carmerieracast.htm

LA ARTUR RAMON ART EN EL TEFAF DE MAASTRICHT (Holanda)

Por cuarto año consecutivo, la Artur Ramon Art es el único representante catalán y uno de los cuatro españoles presentes en la cita más importante del sector, reforzando su presencia internacional con el objetivo de abrir mercados.

 

La Artur Ramon Art ofreció el pasado 15 de marzo en su stand número 705 del TEFAF Maastricht, un itinerario por el mejor arte español del siglo XX, que se inició con trabajos de Picasso, Nonell, Canals, Casas, Miró y se cerró con las últimas pinturas de Miquel Barceló. Entre las obras maestras que la galería expuso en la feria más importante del sector del arte, destacan un óleo cubista de Juan Gris de gran valor artístico, el dibujo de juventud de Picasso Pintor rodeado de curiosos (1898) y un estudio sobre papel de Dalí.

 

La galería presentó una selección de más de 40 obras que iban de la modernidad al arte contemporáneo, y siempre apostando por la calidad. Entre las piezas destacó el dibujo del Joven Pablo Picasso. La obra es una de las “joyas” de Artur Ramon Art en TEFAF y, según su director: “permite acercarnos al génesis del genio malagueño en una obra de juventudinédita con un valor histórico y artístico incalculable”. Picasso compartió espacio con un dibujo extraordinario del escultor Pablo Gargallo, Dos Caballos (1930), que se pudo ver en primicia a finales de enero en la feria Master Drawings de Nueva York.

 

En representación de las vanguardias artísticas del siglo XX, en el stand de TEFAF de Artur Ramon se pudieron ver trabajos de Georges Valmier u Óscar Domínguez. La sala de arte, también un dibujo de Joan Miró de 1971, dos acuarelas singulares de Sean Scully y una obra contemporánea de los pintores Pedro Moreno-Meyerhoff y Luis Marsans. El broche final al recorrido histórico-artístico de Artur Ramon Art lo pusieron los bodegones más recientes de Josep y Pere Santilari.

 

Una de las curiosidades que expuso la galería de Barcelona fue un trabajo en papel del pintor Anton Mauve, tío y maestro de Van Gogh, al que ese año se homenajeó en TEFAF. Una forma de hacer un guiño la Artur Ramon a la muestra: “Van Gogh’sDrawings: Masterpieces from the Van Gogh Museum” que sacó a la luz 15 dibujos inéditos del genio holandés.

 

 

ARTUR RAMON ART

Carrer de la Palla, 23-25

Barcelona

 

www.arturamon.com

GALERIA MAR - GRUPO ESCOLÀ (Barcelona)

NOEMÍ MARTÍN: NEBULOSAS DE NOSTALGÍA

En plena segunda década del siglo XXI, no cabe ninguna duda que la funcionalidad, las estructuras geométricamente rectangulares y la simplicidad ornamental y de líneas, dominan prácticamente todos los ámbitos de decoración y diseño, quedando la belleza de las formas, la sinuosidad o el encanto de los adornos y sutilezas en un recóndito cementerio del olvido, por lo que prestar atención a la obra de NOEMÍ MARTÍN, es una invitación a la calidez y a la nostalgia de ambientes, que por su singularidad se resisten aun a desaparecer.

 

Hasta el próximo 27 de marzo, la GALERÍA MAR exhibe los trabajos más recientes de esta artista, nacida en Barcelona en 1975, y que a la edad de 16 años ingresó en la Escuela Massana para realizar los estudios de bellas artes correspondientes, en la especialidad de pintura.

Noemí Martín, dentro de su tónica habitual de reflejar esos entrañables ambientes de cafés de antaño, algunos todavía en pie, que invitan a la conversación y a la contemplación de la vida, sin apenas transcurrir el tiempo, o esas librerías de viejo, atestadas de libros que hacen las delicias de bibliófilos apasionados o de ávidos e incorregibles lectores, la artista añade en esta ocasión unas maravillosas tiendas: Collectibles, Sombrerería o El rey de la Magia, como nuevos elementos de inspiración, a través de la cuales ha desarrollado una técnica, en base a pinceladas, barnices y suponemos que algunos pases “mágicos” de algodón u otra tela, e incluso algunos goteos.

Martín ofrece una obra de mediano y gran formato, con algunos intentos en el pequeño, envuelta en la nebulosa de la nostalgia, sin apenas figuración,  y como siempre, gracias a un manejo del pincel ágil, suelto y a la vez destacable, con un juego lumínico cálido y acogedor, y su habitual gama de colores sobria, bien es cierto, pero a la que sabe dar los toques precisos de vitalidad.

Como novedad temática de esta exposición, la artista se ha arriesgado con el paisaje natural o urbano, en unas piezas como Tarragona o Vora al mar, donde hay corrección en la composición, pero la resolución de las piezas no es del todo acertada. Su factura es un tanto indefinida, y con ciertas limitaciones. No obstante son de valorar estos intentos paisajísticos, animando a Noemí Martín a que indague, investigue y practique pues por su técnica y experiencia aseguran buenos e interesantes resultados artísticos en el futuro.

 

En conjunto, una muestra de agradable contemplación, sin duda decorativa, y para el espectador sensible y por supuesto romántico, siempre entraña calidez y añoranza.

 

 

GALERÍA MAR – Grupo Escolà

C/ Pau Claris, 120

BARCELONA

 

www.grup-escola.com

ACTIVIDADES SKY GALLERY (Barcelona)

 

EXPOSICIÓN “ESCUCHA LO QUE VES” DE ALEJANDRA POUS FERNÁNDEZ

El pasado 7 de marzo se inauguró la exposición "Escucha lo que ves", de la artista Alejandra Pous con gran éxito de público. Quienes el día anterior asistieron a su curso sobre sus técnicas, así como el auditorio presente, comentaron tanto la calidad de sus obras, como la belleza de las mismas.


La abstracción es el estilo que practica Alejandra Pous Fernández, (México, 1963), a través de la mezcla de materiales reciclados, con otros de Nuevos: el poso del café, las resinas o el chapapote. Todos juntos, con gotas de color delicadamente puestas hacen que sus obras sean únicas, realizadas con pasión y sin indiferencias para el espectador. Su obra, hace pensar en las formas geométricas, y en los canales del agua por donde fluyen sus trazos, derivando todo ello en la expresión de sus sentimientos y vivencias, En cuanto a la gama cromática, el negro lo combina con el rojo o el naranja, en soportes de cartón o maderas, formando un juego singular.

Según Alejandra Pous: "Actualmente mi obra es una expresión simple de una idea compleja e íntima; es un arte en el que si te acercas, observas y te permites sentir, puedes escuchar mi esencia, mi pasión y lo que sale de mi interior para más tarde llegar al fondo de cada uno de mis espectadores."

Es esta su primera muestra en España, con la que inicia un periplo por Europa. La exposición finalizará el próximo 31 de marzo.

1er. CONCURSO DE ILUSTRACIÓN

DE SKY GALLERY ARTS. BARCELONA

 

Tema libre.

 

Se establecen dos modalidades de participación:

A- Dibujo. (Técnica carboncillo, lápiz….) solo en Blanco y negro

B- Ilustración. (Se acepta cualquier material, manual o digital, pero debe ser en color)

Cada participante deberá presentar un máximo de tres (3) diseños en una misma línea o tema. El participante solo se puede presentar a una modalidad.

 

Mas informacion en
http://concursoskygalleryarts.blogspot.com.es/

 

TALLER DE ACRÍLICO Y TÉCNICAS MIXTAS

El pasado 6 de marzo, la SKY GALLERY organizó un Unico Taller de acrílico y técnicas mixtas de la artista mexicana Alejandra Pous.

 

El objetivo del curso era crear imágenes desde distintos materiales para usarlos posteriormente como collage y aprender a manejar la técnica del chapapote y del alcohol. Pequeñas pinceladas que nos inician en un mundo que quizás nunca imaginamos el poder entrar.


Programa del curso fue:

 

Presentación de la artista y del curso.

Fundamentos de las técnicas del collage y de los materiales.

Buscar el motivo.

La importancia del soporte.

Practicas

 

Y el material que se usó para el curso fue:

 

5 botecitos de plástico con tapa con punta (pueden ser de los de tinte de pelo vacíos.

Piedra de chapopote disuelta en aguarrás (que quede espesito), 5x1 o cualquier resina o pegamento fuerte, aceite de linaza, aguarrás, acrílicos, acuarela líquida o tinta china diluida. Bolsas de plástico negras grandes, papel de china blanco (el que es de un lado brilloso y del otro opaco) Rodillo para serigrafía, Café molido ya colado en cafetera, 1 botella alcohol de farmacia.

 

SKY GALLERY ARTS - Galeria de arte
C/ Cabestany 10,

Barcelona


www.skygalleryarts.com<http://www.skygalleryarts.com/
 

GALERÍA COMAS (Barcelona)

 

TERESA LLÀCER: LA CONSTANCIA

DEL LEGADO DE RAMON SANVISENS

En la actualidad de unos tiempos económicos, políticos y sociales, donde la oscuridad es la constante del día a día, y la incertidumbre es el pronóstico más aproximado de futuro, visitar una galeria de arte y contemplar una obra con un singular tratamiento cromático vivo, alegre, potente, llamativo y explosivo es para esta crítico de provincias, motivo de optimismo y de renacimiento anímico.

En las 40 obras que TERESA LLÀCER presenta en la GALERIA COMAS hasta el próximo 25 de marzo, quedan patentes las características de paleta antes citadas, además de mostrar una obra que conecta con el paisajismo colorista de Ramon Sanvisens –bajo cuyo maestrazgo fue iniciada, y de quien es digna sucesora y continuadora - derivando en una intensificación del color sabiamente fauve.

Su trabajo, sin variaciones significativas o cambios substanciales a lo largo de su trayectoria profesional, sigue una tendencia impresionista y naturalista, perfectamente enclavada en la línea de la pintura catalana iniciada por su maestro, con un estilo atrevido y construido. Una obra en óleo sobre lienzo, presentada en distintos formatos, a través de una pincelada,  amplia, fuerte y muy vehemente, con un gran dominio de la técnica y equilibrio en la estructura. Paisajes, marinas, composiciones de gran formato con figuras, desnudos, flores, bodegones combinan una muestra de gran diversidad temática.

Teresa Llàcer es pintora y grabadora. Licenciada por la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, ejerció la enseñanza en dicha facultad en el área de  Pintura y de Dibujo durante treinta y tres años, doctorándose en 1987 con el grado de Cum Laude.

 

Una exposición con un juego lumínico intenso y expresivo, donde la palabra radiante acude a la mente del visitante con absoluta asiduidad.

 

 

GALERÍA COMAS

Passeig de Gràcia, 114 (Diagonal)

BARCELONA

 

www.galeriacomas.com

SALA D’EXPOSICIONS DEL COL·LEGI D’APARELLADORS (Mataró)

MARIANO CABELLOS: MECANISMOS DE PROGRESO

Demasiado acostumbrados a visitar exposiciones donde el espectador no se limita a la contemplación entusiasta de una obra, sino que a veces debe reflexionar, y en otras mostrar todo tipo de emociones, según sea el carácter creativo del artista, no deja de sorprender a esta crítico de provincias, que una muestra exija un orden de visionado, y que además se trate de un tema relacionado con la Semana Santa, distinto de la tradicional imaginería, y que se invite al visitante a contemplar el desarrollo de composición de una muestra.

Este es el caso de MARIANO CABELLOS y su singular PROCESO, que hasta mediados de abril ofrece en la Sala del Col·legi d’Aparelladors. Un conjunto de dibujos que muestran al visitante apuntes y esbozos junto con el resultado final de un trabajo por encargo, relacionado con el ámbito cívico-religioso, a través de las cofradías de la población de Atienza, situada en la provincia de Guadalajara.

 

Cabellos presenta una serie de dibujos de los miembros de la Cofradía de las Santas Espinas de la citada población, fundada en 1849, realizados en acuarela, sanguina, aguada y tinta china, en formato pequeño, donde demuestra un trazo ágil, suelto y a la vez definido en todas las técnicas mencionadas. A destacar un excelente dominio del retrato, sabiendo captar la singularidad de los personajes dentro de una gama cromática sobría; gentes de Castilla la Mancha, de rostro envejecido y curtido de experiencias. Un trabajo realizado con precisión, con estudio, con pasión y con sentido religioso.

Sin embargo, los óleos sobre tabla o el cuadro final de este particular e interesante proceso, dista del conjunto del mismo. Pero hay que recordar que se trata de un trabajo por encargo, y en esta ocasión, el artista obedeció a los cánones que dictaron los cofrades; Cabellos se limitó a plasmar a los protagonistas del evento, en un retrato muy academicista, artísticamente un tanto encorsetado, y estéticamente limitado, pero ejecutado con técnica depurada y de estructura compositiva ordenada, en contraste con la ligereza, plasticidad e incluso “libre albedrío” del resto de dibujos.

A pesar de la distancia entre el Proceso creativo y la obra final, hay que respetar el gusto y el criterio empleados. El resultado es correcto – Cabellos es profesor de dibujo y pintura – y por lo tanto, ha seguido reglas estrictas. Sin embargo, vale la pena deleitarse en la singularidad de los retratos y en el talante un tanto impresionista de las acuarelas, lo que demuestra que estamos ante un artista muy completo, conocedor de técnicas y con espíritu refinado.

La muestra se complementa con una serie de elementos ornamentales que hacen referencia a la pasión y muerte de Jesucristo, y el entorno cívico-religioso de las cofradías.

 

ASSOCIACIÓ SANT LLUC PER L’ART

COL-LEGI APARELLADORS

Plaça Xammar, 2

Mataró

http://www.associaciosantlluc.blogspot.com/

GALERIA MARLBOROUGH (Barcelona)

 

Exposición colectiva EXPLORANT EL TRAÇ: EL SOPORTE COMO ARGUMENTO EXPOSITIVO

Alfonso Albacete

En la segunda década del siglo XXI, cuando las temáticas, estilos y conceptos son cada vez más rebuscados con el fin de atrapar la atención del espectador y el interés del coleccionista, plantear una exposición de dibujo en base a los distintos materiales o soportes para el mismo, puede considerarse como todo un atrevimiento.

 

La GALERIA MARLBOROUGH de Barcelona realiza una apuesta arriesgada en este aspecto,   y hasta el próximo mes de abril exhibe en sus paredes una muestra colectiva bajo el título: Explorant el traç (Explorando el trazo), con obras de: Alfonso Albacete, Avigdor Arikha, Fernando Botero, Martín Chirino, Juan Genovés, Luis Gordillo, Joan Hernández Pijuan, Abraham Lacalle, Lucio Muñoz, Pelayo Ortega, David Rodríguez Caballero y Tomás Sánchez.

Lucio Muñoz

Una exposición que si, tal como se ha mencionado al principio, parte de un concepto de exhibición no exento de innovación, resulta a nivel estético y temático un tanto desigual, con nombres importantes, pero con obras menores, no por ser dibujos, - bueno es siempre reivindicar el dibujo como base fundamental del arte - sino por el resultado de su obra.

David Rodríguez Caballero

Así se observa la depurada técnica, no exenta de exquisita sensibilidad en los dibujos de Lucio Muñoz (Madrid, 1930 - 1988), realizados en 1979 y de quien también se presenta un experimentado collage, en contraste con la obra de David Rodríguez Caballero (Pamplona, ​​1970), realizada en 2012, superponiendo tiras de vinilo que sin desmerecer su laboriosidad, no deja de ser una manualidad, aunque la nota de prensa remitida a esta web, revista la pieza de “dibujo gestual”.

Luís Gordillo

De Luis Gordillo (Sevilla, 1934), se exhiben tres piezas realizadas en técnica mixta sobre papel. Considerado como uno de los artistas españoles que mejor interpretó el arte pop en los años sesenta, en su trabajo, de muy reciente realización, explora la importancia de la serie y la repetición como herramienta compositiva. La divergencia es la obra de Joan Hernández Pijuan (Barcelona 1931 - 2005), de sencillez extrema y frialdad absoluta, del 1998, que si bien pretende “aportar serenidad al conjunto de la geometría íntima”, no deja de ser una obra que deja bastante impasible al espectador.

Tomás Sánchez

Martín Chirino (Las Palmas de Gran Canària, 1925) se presenta con una obra en carboncillo sobre papel de gran potencia gestual, sin excesivas delicadezas y de oscuridad absoluta, ejecutada en 1999, mientras que de Tomás Sánchez (Aguada de Passatgers, 1948), se ofrece en pastel sobre papel, fechado en el 2006. Una pieza bucólica y etérea, digna del paisajismo más académico, magníficamente ejecutado, pero sin novedad alguna.

Avigdor Arikha

De Avigdor Arikha (Bucovina, 1929 - París, 2010), se exhibe una pieza del año 1981 muy vigorosa y enérgica, realizada pincel y tinta sobre papel, con una gran fuerza expresiva. Juan Genovés (Valencia, 1930), muestra un trabajo verdaderamente singular, realizado en 1995 de trazo directo y definido y cargado de simbolismo.

 

Alfonso Albacete (Antequera, 1950), expone una pieza de reciente facturación, muy psicológica y controvertida, - establece una comparación entre las etapas vitales del gusano y del hombre - gracias a la tinta china sobre papel, y cuyo significado es compartido con la nota de prensa: a través de trazos sutiles, describe la vida a partir los instantes que evidencia las tensiones habituales entre la naturaleza y el ser humano.

Fernando Botero

Con respecto a Abraham Lacalle y Pelayo Ortega: sin comentarios.

 

Para el final, el siempre fascinante Fernando Botero (Medellín, 1932): una acuarela del 2006, donde el artista exhibe su atracción por la vertiente pintoresca del circo tradicional, inspirándose en la poesía y plasticidad, apreciando el contraste entre la melancolía de sus protagonistas y la vivacidad de las piruetas que ejecutan.

 

En resumen podría decirse que se trata de una colectiva singular, con discrepancias estéticas muy remarcadas, no exentas de atractivo y calidad en algunas, y en otras la indiferencia es la tónica.

 

MARLBOROUGH Barcelona

C/ València 284, 1r 2ª A

Barcelona

 

www.galeriamarlborough.com/

SALA DALMAU (Barcelona)

 

EXPOSICIÓN: JAN VAN EDEN O LA EXTRAÑA SEDUCCIÓN

Hay exhibiciones donde el artista no sólo describe un tema o expresa un sentimiento, sino que emiten un mensaje, que como norma, suele ser crítico con la realidad social, de manera explícita y contundente. Tal es el caso de la muestra de la obra de JAN VAN EDEN que la SALA DALMAU de Barcelona ofreció hasta principios de este mes de marzo, en colaboración con la galería Art Singel 100 de Ámsterdam, con una selección de 25 piezas, que comprenden el periodo 2006 y 2012.

 

Nacido en Voorburg, Holanda, 1942, ha expuesto su obra en Ámsterdam, Maastricht, Nueva York, La Haya, Zaragoza o Madrid. Jan van Eden es un pintor autodidacta. Su formación académica se centró en las Matemáticas y las Ciencias Naturales. Van Eden expuso por primera vez en 1972 y desde 1985 se dedica de lleno al arte, que concibe como un medio de denuncia útil para influir en la realidad.

 

La exposición se centró en dos temáticas y formatos: óleos y acrílicos sobre algodón, en blanco y negro, de pequeño formato que giran en torno al star system de la cinematografía clásica, la cultura contemporánea y el ambiente de los años 30. Junto a esta temática, hay escenas de denuncia social de plena actualidad. Sus ambientes urbanos, densos y abigarrados plagados de figuras anónimas, perfectamente definidas nos muestran nuestra propia realidad, dentro de estaciones, bares, etc., lugares que acogen multitudes de soledades.

 

Van Eden plantea una sociedad moderna y activa, pero con grandes reminiscencias del pasado. De hecho, se siente fascinado por las mujeres de los años 20 y 30 del siglo XX, que nos recuerdan tanto el cine como la publicidad de perfumes, prendas femeninas, etc. El artista reivindica una mujer idealizada y femenina, en contraste con la mujer actual, más agresiva y dura: No smoking (2012)

Sus figuras son totalmente inexpresivas. Miran de frente al espectador totalmente impertérritas. The latecomer (2012). Algunas parecen distantes y distraídas. En otras, aparece una clara denuncia de la realidad actual: Lheman Brothers office workers (2009).

 

Técnicamente, Van Eden domina a la perfección el dibujo, presentando una obra de carácter expresionista, como concepto, proyectada en forma de imagen fotográfica, con pincelada vehemente y definida, gama de color monocromática, con escasas excepciones, y un planteamiento compositivo y estético impactante y seductor. En toda la obra presentada, destaca el trazado vertical en blanco, dividiendo de forma enigmática los trabajos.

 

 

 

SALA DALMAU

C/Consell de Cent, 349

Barcelona

 

www.saladalmau.com

ENERO Y FEBRERO-2013:

EXPOSICIONES EN EL COL·LEGI D’APARELLADORS (Mataró)

CAMIL GIRLAT – EN LA PENOMBRA (Pintura – Febrero-2013)

A pesar de la crisis, la actividad expositiva posee un ritmo fluido, que si bien experimenta cierto ralentí – los periodos de exhibición de obra se han alargado en algunas semanas - ello no impide que a veces queden en el tintero críticas por realizar, que bien merecen que Cuadros de les dedique un apartado de su web, sea pos su calidad, sea por su temática.

 

Es el caso de las muestras citadas en el título, ambas organizadas por l’Associació Sant Lluc per l’Art (ASLL).

Con respecto la muestra En la Penombra (En Penumbra) de CAMIL GIRALT, el espectador se encuentra ante una  obra basada en un trabajo de exquisitez realista, tanto que el visitante puede confundirlo perfectamente con una fotografía, absolutamente monocromática – el gris - pero dentro de esta unidad de color, los matices y el cuidado con los detalles son extremos, casi en constante homenaje a la obra de Bernardo Torrens, el maximo representante del fotorealismo en España.

 

Giralt, tal como indica su página web, además de tener la carrera de música, es Ingeniero de Telecomunicaciones y cursó un Master de Dirección de Empresas por ESADE, que fue la base de su camino profesional, compaginado con la pintura y la fotografía, hasta que decide dedicarse exclusivamente a la pintura.

Giralt muestra desnudos femeninos frontales poco idealizados, más bien esqueléticos, casi anoréxicos, y sin embargo, muestra una infinita sinuosidad y un elegante erotismo cuando retrata piernas o el cuerpo femenino, siempre sin rostro, pero en una pose de cubito supino o arrodillado. A destacar también una delicada sensualidad cuando su objetivo son pies o manos, donde la rugosidad de la piel se hace patente – el dominio del pincel y de la técnica son incuestionable – y sin embargo, sabe atrapar al espectador sensible, a través de unas zonas corporales muy difíciles de plasmar, y que Giralt desarrolla distinguido refinamiento, casi como una “delicatesen”.

Una exposición de profundo estudio académico, excepcional y brillante en todos los aspectos, y que sin duda, capta la admiración del espectador sensible y amante del perfeccionismo en el arte.

SERGI RUIZ - PUNT I SEGUIT (Fotografía - Enero-2013)

Otro talante corresponde al de la muestra de Sergi Ruiz, la sala d’exposicions del Col·legi d’Aparelladors de Mataró, ofreció durante el primer mes del año, una muestra de fotografía bajo el título Punt i seguit, dedicada a la escasa industria textil de la capital de la comarca del Maresme.

 

Una exposición de gran calidad técnica y de una temática poco habitual, en este caso, el proceso de fabricación de tejidos, confección o almacenamiento de los mismos, algo que el fotógrafo – que habitualmente trabaja para un medio de comunicación local – conoce de primera mano, ya que su familia fue propietaria de una empresa textil, que sucumbió a muchas de las crisis del sector.

La muestra, sin embargo, huye de la fotografía artística, de la instantánea cotidiana, del momento en que el objetivo capta algo poco habitual, y se centra en una imagen que podría calificarse de “publicidad técnica o empresarial”, que durante la décadas de los años 70 y 80 del siglo XX, fue muy habitual para las firmas relacionadas con el textil o la mecánica, y que muchas veces formó parte del marketing de las empresas, utilizado en salones internacionales, o que cubrían las paredes de oficinas u otros departamentos técnicos.

Con ello, no se quiere desmerecer la aptitud y la eficacia de un trabajo bien realizado, perfectamente encuadrado, plasmando luces y contraluces, nitidez extrema, etc., captando a la perfección la figura humana y su trabajo, tanto en grandes firmas como en pequeños talleres que capean el temporal como pueden. No obstante, en ninguna de las imágenes mostrada puede apreciarse el arte fotográfico, algo innovador, curioso u original. Se trata de un excelente reportaje que no depara sorpresas, plasmado con cierta frialdad y distanciamiento. El arte fotográfico ha de ser más que una simple crónica en imágenes de calidad técnica sin igual. Ha de contener el espíritu del artista, con el fin de que el espectador capte su esencia.

 

 

ASSOCIACIÓ SANT LLUC PER L'ART (ASLL) 

 

http://www.associaciosantlluc.blogspot.com/

 

GALERIA MAR (Barcelona)

JUAN LUÍS JARDÍ: La fascinación por lo inquietante

El ser humano siempre se ha sentido atraído por lo oculto, lo desconocido, lo que no plasman las apariencias, y que sin embargo está en nuestro interior, en nuestro subconsciente.

 

La obra que J.L. JARDÍ exhibe hasta principios de marzo en la GALERIA MAR, atrapa, casi magnetiza al espectador por mostrar una realidad inquietante, profundamente surrealista, de imágenes perfectas, nítidas, transparentes, perfectamente encajadas en la composición estructural de su obra, pero por las que se adivina un mensaje misterioso, complejo y profundo.

 

En la obra de Jardi, la soledad es constante, sea a través de la figura humana como en su trabajo: A pesar de todo una sonrisa, como a través de objetos o vehículos, especialmente los ya desaparecidos Dos caballos de la firma Citroën: Dos caballos en la playa o Día Lluvioso, y precisamente por esa abrumadora presencia, sus trabajos ofrecen parajes inmensos, donde el contexto paisajístico está meticulosamente plasmado, gracias a una pincelada muy pulcra y cuidada, una gama cromática aparentemente natural, pero realmente muy elaborada, que es envuelta por un juego lumínico pleno de matices, consiguiendo que una extraña atmosfera circunde sus trabajos.

Sin lugar a dudas, Jardí se inspira en la obra de Eduardo Úrculo; la soledad del hombre moderno, la figura del viajero errabundo o la relación del artista con su obra, quedará plasmada en el lienzo a través de esos inquietantes personajes -álter ego del propio artista-, como en las ruinas del Antiguo Casino de Estambul ataviados con sombrero y siempre de espaldas al espectador. Estas figuras ensimismadas y de mirada ausente son, una representación existencial del hombre que como protagonista solitario de un periplo metafórico, bucea en los espacios de lo íntimo más allá de la ciudad vacía, tal como puede comprobarse en la obra: Relax.

 

Una exposición mucho más allá de lo artístico, sin indiferencias, aparentemente distante pero mucho más cercana a nuestro yo que a nuestro consciente.

 

GALERÍA MAR – Grupo Escolà

C/ Pau Claris, 120

BARCELONA

 

www.grup-escola.com

 

CAIXAFORUM BARCELONA

EN BUSCA DE UNA CIVILIZACIÓN PÉRDIDA: MESOPOTAMIA

Una de las habilidades de la programación de las exposiciones en el Caixaforum Barcelona, es saber equilibrar arte e historia en igualdad de condiciones, y siempre de forma didáctica e instructiva.

 

La muestra Antes del Diluvio: Mesopotamia 3500 – 2100, a.C que desde Noviembre de 2012 hasta finales de este mes de febrero, pudo ser visitada en todo su esplendor, ofreció una lección de historia única y el descubrimiento de una civilización, que adaptándose a la orografía del terreno, supo crear un estatus, y con el mismo, la primera gran arquitectura monumental, la primera planificación territorial, la primera escritura de la historia y también, la primera contabilidad se originaron en Uruk hacia el año 3500 a. C.

Faltaban aún 2.500 años para que se levantaran los primeros dólmenes y menhires en Europa, y Egipto aún no era un estado unificado gobernado por un faraón, pero en lo que hoy es el sur de Iraq, un poblado se convirtió en una gran ciudad de 40.000 habitantes. Fue posiblemente la primera de la historia.

 

Esta exposición reunió por primera vez un conjunto único de 400 piezas procedentes de treinta y dos museos y coleccionistas de todo el mundo relacionadas con los distintos aspectos de la cultura que se desarrolló en las llanuras aluviales del Tigris y el Éufrates en los milenios IV y III a. C. A partir de obras de arte y artesanía, joyas y objetos rituales, textos y símbolos, la muestra presenta las investigaciones más recientes en torno a ese periodo y se interroga sobre la interpretación que han hecho del mismo los historiadores y arqueólogos de distintas épocas.

Comisariada por Pedro Azara y con la participación de un comité científico internacional, la muestrase completa mediante documentación, entrevistas filmadas – grandes lecciones de historia de la humanidad - y reconstrucciones en 3D, así como obras de artistas contemporáneos, fotografías y filmaciones.

 

La exposición debe ser visitada con sumo cuidado y atención. El espectador no contempla una obra de arte. No puede quedarse extasiado mirando un cuadro. Es mucho más. A través de sus esculturas, sus utensilios de cocina, sus tablillas fundacionales, sus estatuas, sus joyas, etc., el visitante del siglo XXI observa una civilización avanzada para su tiempo, y de la que en muchos casos, es incapaz de descubrir muchos de los significados de su lenguaje, algo que han hecho los expertos, y que no deja de sorprender, no sin cierto margen de duda. Una muestra, testimonio de la fascinación del viaje a las fuentes de la cultura, o de lo que quede de ella.

 

CAIXAFORUM BARCELONA

Avda. de Francesc Ferrer i Guardia, 6-8

Barcelona

 

El Departamento de Cultura y la Obra Social “la Caixa” presentaron el proyecto de recuperación de las pinturas originales del ábside de la iglesia de Sant Climent de Taüll

El Departamento de Cultura y la Obra Social ”la Caixa”, conjuntamente con el Obispado de Urgell, el Consorci Patrimoni Mundial de la Vall de Boí y el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), realizan este proyecto, que permitirá una nueva configuración del ábside.


El proyecto contempla la conservación y recuperación de las pinturas murales originales, situadas bajo la reproducción expuesta hasta hoy, así como un innovador proyecto de musealización que incluye la proyección virtual de las pinturas originales.


El presupuesto total de la actuación es de 390.000 euros, que aporta íntegramente la Obra Social ”la Caixa” en el marco del programa Románico Abierto, impulsado junto con el Departamento de Cultura con el objetivo de promover la conservación del patrimonio catalán.

 

OBRA SOCIAL “LA CAIXA”

http://prensa.lacaixa.es/obrasocial

 

ESART GALERIA (Barcelona)

ERCILIO VIDRIALES: EL TOREO Y EL FLAMENCO, CON PROFUNDIDAD ANTROPOLÓGICA

Exposición MARIDAJE: FLAMENCO Y TAUROMAQUIA

Baile y Danza de Capotes y Mantillas, Orígenes, Ritos y Estigmas, y Estigmas

Sin lugar a dudas, la imagen que el común de los mortales tiene de los toros o del flamenco, es demasiado estereotipada, excesivamente costumbrista e inevitablemente relacionada con un periodo muy concreto de la historia de nuestro país durante el siglo XX.

Sin embargo, el Arte de Cuchares, y el canto y la danza de Andalucía, desde mediados del siglo XIX han sido expandidos por músicos, escritores y pintores, fascinados por el sentido ancestral de una corrida de toros, la sinuosidad del baile, plagado de intensidad emocional y porte orgulloso,  o el electrizante contraste entre la vivacidad de un fandango o de una seguidilla, y el profundo y amargo “quejio” del Cante Jondo.

A una mano

Músicos como George Bizet popularizaron a través de su ópera más famosa, Carmen, una Andalucía pasional, vibrante y sensual. En la Rusia de los zares, Nikolai Rimsky-Korsakov se inspiró en el folklore andaluz para su “Capricho Español”. Manuel de Falla, Enric Granados o Isaac Albeniz bebieron también de las fuentes de la música del sur de España. Con respecto a la literatura, el que fuera embajador español en nuestro país entre 1842 y 1846, Washigton Irving, también escritor, ensayista, biógrafo y diplomático, se inspiró en Andalucía para sus “Cuentos de la Alhmabra”. Recordemos a Vicente Blasco Ibañez y su “Sangre y Arena” o al siempre embriagador Ernets Hemingway y su obra “Fiesta”, un minucioso retrato de su particular visión sobre los Sanfermines.

La huella

Y en cuanto al arte, toros y flamenco fueron fuente de inspiración para Francisco de Goya, Pablo Picasso, Roberto Domingo, Miquel Barceló, (con respecto a la tauromaquia), y Rodriguez Sanclement, Julio Romero de Torres, Isidre Nonell, o Joan Miro, etc., en lo referente al flamenco.

Todos nombres importantes de nuestra cultura occidental, que universalizaron la Tauromaquia y el Flamenco, dos ARTES en demasiadas ocasiones, denostadas, vilipendiadas, ultrajadas y vulgarizadas por desconocimiento general y menosprecio a la cultura.

ERCILIO NUÑEZ, ERCILIO VIDRIALES, como quiere ser conocido en el ámbito artístico, ofrece en la exposición que hasta el próximo 12 de marzo exhibe ESART GALERIA de Barcelona, bajo el título: Maridaje, Flamenco y Tauromaquia – Baile y Danza de Capotes y Mantillas, Orígenes, Ritos y Estigmas, una visión distinta e innovadora de los artistas anteriormente citados. Su obra es un profundo estudio antropológico, expresado a través de una treintena de piezas, mayoritariamente en formato medio-grande, empleando como técnica óleo y acrílico sobre lienzo con collage.

Corazón partio

Es una obra densa, compleja, abigarrada, sin indiferencias para el espectador, impactante tanto por la técnica empleada, como por la composición de los lienzos. Una pincelada vehemente, potente, directa, a través de una gama de colores donde abundan lilas, rosas, celestes, verdes y amarillos, llegando a la intensidad y virulencia del rojo carmesí.

Un trabajo cargado de simbolismo, plagado de constantes referencias a un entorno cosmológico y esotérico. Un análisis pictórico de movimientos y vibraciones que se expresan en una danza entre la fuerza imperturbable de la Vida y la constante e inalterable presencia de la Muerte.

Energía

Con esta exposición, Ercilio Vidriales, antaño torero de profesión, se pone el arte por montera, y con un pase de chicuelina con sus pinceles, o veroniqueando con sus colores, ofrece una obra donde la Liturgia es la Ley, el Rito el espíritu y el Estigma la palabra. Un trabajo donde con un especial juego lumínico, puede apreciarse la brillantez de una sevillana, la intensidad de un fandango o el ardor de una petenera, sin olvidar la siempre impertérrita presencia del quejio del Cante Jondo: áspero, doloroso y penetrante.

ESART Galería

C/ Diputació, 188

Barcelona

 

www.esartgaleria.es

 

JOAN FONTCUBERTA (Mataró)

 

Exposición fotográfica: A TRAVÉS DEL MIRALL

O EL ARTE COMO EXCUSA CON PROMOCIÓN INSTITUCIONAL

En las salas de exposiciones de Can Palauet de Mataró, se exhibe hasta finales de abril la muestra: A TRAVÉS DEL MIRALL (A través del espejo), Joan Fontcuberta. Basándose en el título de una conocida novela de Lewis Carroll, autor de Alicia en el país de las maravillas, el fotógrafo, nacido en Barcelona en 1955, “participa de lleno en una serie de cuestiones que son cruciales, en el debate contemporáneo sobre las prácticas artísticas que plantean las nuevas tecnologías en el ámbito de la comunicación global”.

 

Párrafo de excelso vocabulario, procedente del programa de mano de una muestra, cuya realidad más absoluta no es otra que exhibir una serie de fotografías, técnicamente simples, artísticamente deplorables y temáticamente irrazonables, la gran mayoría de un erotismo desmesurado, rozando incluso la pornografía, donde se pretende reflexionar sobre el cúmulo de imágenes en la red, procedentes de fotógrafos amateurs, que llenan las redes sociales y páginas web.

 

Esta exposición, como no podía ser de otra forma, está auspiciada por el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, y diversos ayuntamientos e instituciones públicas. Una muestra de estas características, apenas tendría salida a través de la gestión privada, tanto por su falta de contenidos como de calidad. Pero forma parte de la “cultura oficial”, que gracias a nuestros impuestos y endeudamiento financiero por parte de los poderes públicos, gentes con título universitario, pero profesionalmente fracasados, han sabido entrar en los vericuetos del poder, afianzarse en el mismo, y desde esa atalaya, consideran al común de los mortales como memo, inculto e ignorante, y en un halo mesiánico, pretenden educar en nuestras mentes a través de una singular e incomprensible verborrea… “el espacio expositivo se transforma a partir de la confluencia de múltiples imágenes que se sobreponen, resultando un escenario saturado, donde tiene lugar un espectáculo de subjetividad desatada…”según reza otro ostentoso capítulo del programa de mano, entresacado del texto del catálogo de la muestra “Tensions, dispersions i canvis” (Tensiones, dispersiones y cambios) – título también, rimbombante donde los haya.

 

Fontcuberta es un buen fotógrafo, pero nunca ha salido de la burbuja promocional de la Consejería de Cultura de la Generalitat. No obstante, sabe promocionarse: el número de febrero de la revista Tendencias del Mercado del Arte, publica un amplio reportaje, donde se puede apreciar un trabajo interesante, pero sin falto de originalidad e innovación. En la entrevista, se permite echar la culpa a los poderes públicos como del sentimiento antichovinista que se padece en España, prefiriendo la mayoría de agentes del arte el extranjero. (Claro que el gobierno español no le da de comer)

Sin embargo, tal como consta en la carteleria de la muestra: … su obra ha estado expuesta en museos de todo el mundo y ha sido ADQUIRIDA POR COLECCIONES PÚBLICAS DE: Paris, Nueva York, Chicago, el IVAM de Valencia, etc., Es decir, con toda claridad, se informa al visitante que NINGÚN COLECCIONISTA PRIVADO se ha interesado por adquirir y poseer su obra. Si esto no es cierto, podrían haber indicado algún nombre al respecto.

 

En A través del Mirall, lo que pretende en realidad Fontcuberta es “barrer para su tejado” y en base a una teórica reflexión sobre las imágenes en las nuevas tecnologías que inundan la red - que no está sólo llena de exhibicionistas, sino de personas que les gusta mostrar su cotidianidad, su vida, sus opiniones o sus críticas, a través de la imagen, sin que el sexo tenga nada que ver – plantea la reivindicación de que el buen fotógrafo es el profesional, y la sociedad civil le está usurpando el puesto, gracias a las facilidades técnicas e informáticas.

Es decir, para muchos termina una época… y una forma de vida, donde la fotografía y los libros al respecto, están perdiendo cuota de mercado. Sólo atraerán al espectador los profesionales que amen y sientan la fotografía como un ARTE, mostrando sensibilidad en la expresión de sus imágenes, calidad en su técnica y sepan expresar con sentimiento, siendo la profesionalidad un calificativo, no un medio de ganarse la vida. Los Fontubertas de turno seguirán viviendo de la bicoca institucional, y llenando su currículum como: creador, docente (ha sido profesor sólo VISITANTE en universidades de España, Francia, Gran Bretaña y Estados Unidos), ensayista, comisario de exposiciones e historiador.

 

En su pedigrí destaca que en el año 2011 le fue otorgado por la Generalitat de Catalunya el Premio Nacional de Cultura. Son obvias sus buenas relaciones con las instituciones culturales catalanas.

 

SALA DE EXPOSICIONES DE CAN PALAUET

C/ d’en Palau, 18

Mataró

 GALERIA CAL TALAVERÓ DE VERDÚ (Lleida)

JOSÉ GARCIA RAMOS: Exposición ELS 4 ELEMENTS

La Galería de Verdú: Cal Talaveró Centre d’Art, presenta hasta desde el pasado 2 de marzo, la exposición: ELS 4 ELEMENTS (TERRA, FOC, AIGUA, AIRE), (Los 4 elementos (Tierra, fuego, agua, aire) donde es exhibe la obra más reciente de JOSÉ GARCÍA RAMOS, quien inició este proyecto en el año 2009, y según cuenta en nota informativa a esta redacción, en los subsiguientes lo fue desarrollando en cuatro series, una por cada elemento.

Tal como se puede ver en la fotografía, el elemento más transparente de todos, el Aire,  en el que ha ido trabajando el trazo y la pincelada, poniendo en valor su capacidad expresiva.

GALERIA – CENTRE D’ART CAL TALAVERÓ

Verdú (Lleida)

http://www.caltalavero.cat/general.html. http://www.josegramos25.blogspot.com.es/,

FUNDACIÓ FOTO COLECTANIA (Barcelona)

“Manel Armengol: Transiciones.

Los setenta en España, Estados Unidos y China”

El pasado 18 de marzo, el director de la Fundació Foto Colectania, Pepe Font de Mora; la coordinadora de Creativitat i Innovació del Departament de Cultura, de la Generalitat de Catalunya: Conxita Oliver; la concejal de Cultura de Vilanova i la Geltrú, Marijó Riba; el fotógrafo Manel Armengol i la comisaria de la muestra, Irene de Mendoza, presentaron la exposición itinerante “Manel Armengol. Transiciones. Los setenta en España, Estados Unidos y China”

 

Producida por la Fundació Foto Colectania, la muestra reúne 75 fotografías de Manel Armengol realizadas a finales de los setenta en España, Estados Unidos y China. Aquella fue una época intensa, llena de incertidumbres y de cambios fundamentales en la historia de estos tres países que Armengol supo captar a partir de una mirada personal y profunda.

 

La exposición se inauguró el viernes, 22 de marzo en La Sala de Vilanova i la Geltrú y podrá verse hasta el 26 de marzo. Posteriormente se podrá visitar en el Museu de l’Hospitalet de Llobregat (del 13 de junio al 8 de septiembre), en el Museu de la Pell d’Igualada i Comarcal d’Anoia (del 20 de septiembre al  20 de octubre) y a finales de año en el Centro Cultural La Mercè de Girona.

 

La muestra se enmarca dentro del programa de exposiciones itinerantes que el Departamento de Cultura ofrece a los municipios con el objetivo de difundir las artes contemporáneas en el conjunto del territorio catalán y acercarlas a la ciudadanía.

 

Fundació FOTO COLECTANIA

Julián Romea, 6 D2

Barcelona

 

www.colectania.es

 

EL DISEÑO HUB BARCELONA TRASPASA FRONTERAS CON LA PUESTA EN LA ESCENA INTERNACIONAL DE DOS EXPOSICIONES

Por primera vez el museo estará involucrado en dos exposiciones itinerantes a la vez. La primera "Hoja Print3d. Imprimiendo objetos "en el Museum Für Gestaltung Zurich (hasta el 5 de mayo) y la segunda" Outumuro Looks "en Moscow House of Photography (Del 7de marzo al 29 de abril).

A pesar de estar inmerso en el proceso de traslado de todas sus colecciones al nuevo espacio de la plaza de las Glòries, el museo no paraliza sus actividades.

La exposición "Outumuro. Looks", organizada y producida por el Disseny Hub Barcelona (DHUB)-se pudo ver en Barcelona durante la primera mitad de 2010 - reúne 222 fotografías del famoso fotógrafo de moda Manuel Outumuro (nacido en 1949). Es una gran retrospectiva que rinde homenaje por primera vez a su trabajo para la industria de la moda a lo largo de dos décadas (1990-2010).

Gracias a la donación de algunas de las obras del fotógrafo que se pueden ver en esta exposición se ha iniciar la colección de fotografías de moda del Museo Textil y de Indumentaria-Disseny Hub Barcelona las que contribuirán al desarrollo del fondo patrimonial de la colección de moda.

La selección y ordenación de las fotografías permite entender los elementos básicos de la fotografía de moda: el contexto, las modelos, la narración y las nuevas tendencias de la moda. La exposición se estructura temáticamente por grupos que describen estos elementos y los relaciona con diferentes escenarios de la cultura: arquitectura, pintura o cine.

Las obras agrupadas en seis ámbitos temáticos demuestran un talento extraordinario y polifacético del artista - Entornos, Blanco y Negro, Póngase y Actitudes, retratos, Celebrities, y Secuencias.

Por su parte el pasado 5 de febrero se inauguró en el Museum für Gestaltung Zürich bajo el nombre "In 3 Dimensiones. Printing Objects "la exposición itinerante 'Hoja Print3d. Imprimiendo objetos 'que se pudo ver del 06/16/2010 al 22/05/2011 al espacios del Disseny Hub Barcelona en la calle Montcada.
El futuro de la producción de objetos ha comenzado la carrera de la mano de la fabricación aditiva o impresión 3D. Este modelo establece un nuevo paradigma de producción más flexible y adaptable basado en la posibilidad de fabricar objetos y componentes infinitamente diferentes, que implicará una cantidad increíble de efectos económicos y socioculturales, y, según algunos, supondrá un cambio más importante en nuestras costumbres que la llegada de Internet.

EXPOSICIÓN DE ICONOS DE KRISTIO NIKOLOV EN LEGANÉS (Madrid)

Hasta el próximo 2 de abril, la sala de exposiciones Antonio Machado de Leganés, presenta la exposición: Iconos y sueños

De Kristio Nikolov

 

Según indica el programa de mano de la exposición, remitido a la redacción de Cuadros de: Kristio Nikolov viene de la sabia cultura búlgara en el arte de los iconos, que cristalizó en la gran colección de la catedral - museo Alexandre Nevski de Sofia.

 

De la mano de los mejores maestros de la escuela búlgara, Nikolov aprendió la técnica refinada y paciente, que para ser arte necesita el talento y la pericia de un artífice. Nikolov es un artista que no quiere encerrarse en la artesanía de la repetición, sino investiga continuamente los soportes y materiales en su trabajo para lograr, con sutiles vueltas de tuerca, una renovación sin violentar el pálpito místico y tradicional que requiere el icono.

 

Ha sabido aparcar, de momento, la monotonía de la tabla geométrica para acogerse a la piedra como material y soporte firme, lleno de nobleza. Cada pieza de nikolov es única, porque única y diferente es la forma de la pizarra, el mármol, el travertino, el

cristal, el metal o las ágatas que utiliza. No cabe en él la recepción formal. El artista búlgaro sabe que el icono requiere materiales nobles, ricos y definitivos. El pigmento sigue siendo la pintura al temple de huevo, porque es el que se adhiere con mayor fuerza hasta producir una durabilidad de siglos.

 

Nikolov es hoy no sólo un artista sino maestro de futuros nombres que aprenden de él el arte del icono. Entre tanto prosigue su campo de investigación que no tiene límites, sus inquietudes plásticas navegan entre la tradición y la creatividad con ciertos toques de audacia. Su respeto porla iconografía canónica le hace buscar al mismo tiempo nuevos vuelos, para poner en valor y actualidad el arte del icono. La idea de la prolongación de las figures hacia el infinito se advierte en varias de sus obras, principalmente en sus hermosas crucifixiones. El artista búlgaro reflexiona sobre la iconografía de la primera cristiandad, la perseguida y refugiada en cuevas.

 

 

SALA DE EXPOSICIONES ANTONIO MACHADO

C/ Antonio Machado, 4 – Leganés

 

FUNDACIÓ MIRÓ (Barcelona)

EXPOSICIÓN: INSOMNIA

Del 22 de marzo al 16 de junio la Fundación Joan Miró presenta en Insomnia trabajos artísticos que han sido pensados ​​para ser proyectados en los espacios de arte, invadiendo el espacio expositivo o invitando a la intervención del visitante. Estos espacios han permitido a los artistas una libertad más amplia que la que les proporciona la industria cinematográfica y sus formas de distribución.

 

La exposición, comisariada por Neus Miró, reúne artistas internacionales que han explorado el cine como medio desde los años sesenta hasta la actualidad. Los artistas presentes en la muestra trabajan con las propiedades del cine desde una actitud experimental y al margen de las exigencias de la industria.

Las obras expuestas modifican las convenciones del cine desde tres puntos de vista: analizando la confluencia entre fotografía y cine, modificando las formas de proyección y creando nuevos espacios de visionado, o bien renovando los modelos de la narrativa cinematográfica. 

La muestra incluye obras de Hollis Frampton, Lis Rhodes, Peter Kubelka, Stan Vanderbeek, Dan Graham, Ben Rivers y Stan Douglas. Dos de ellos, Rhodes y Kubelka, exponen por primera vez en España.

El título de la exposición proviene de la frase con la que en 1971 Hollis Frampton cerraba un texto sobre la relación entre fotografía y cine, y analizaba sus particularidades: «Finalmente el cine ha seducido su musa. Se llama Insomnia". Según Frampton, desde la aparición del vídeo el cine se vuelve obsoleto y entonces resurge como arte, es por este motivo que necesita una musa. Esta nueva concepción lleva Frampton y los artistas presentados en la muestra a explorar el lenguaje fílmico de maneras diferentes: examinando la relación de la imagen en movimiento con la fotografía, buscando nuevas formas de proyección y creando nuevos espacios para el cine, o bien buscando nuevas narrativas cinematográficas alejadas de los relatos habituales de la ficción o del documental. Imagen fija e imagen en movimiento.

FUNDACIÓ JOAN MIRÓ
Parc de Montjuïc s/n 
Barcelona 

http://www.fundaciomiro-bcn.org



AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN (Figueres – Girona)

Exposición de fotografías de JORDI FAMOSO

DESPACHO LIDER EN ESPAÑA EN TASACIONES DE ARTE

Arte Contemporáneo

Vanguardias del Siglo XX

REVISTA CULTURAL DIGITAL

de carácter mensual para investigador@s, licenciad@s y graduad@s en Artes y Humanidades.

REVISTA DE ARTE

Galerías- Artistas - Vanguardia - Fotografía – Exposiciones

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Artsy’s mission is to make all the world’s art accessible to anyone, with an Internet connection.

ARTSY is a resource for art collecting and education.

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Marta Teixidó

Crítico de arte

CUALQUIER COMENTARIO, CRÍTICA O SUGERENCIA, PUEDEN SER REALIZADOS EN LA SIGUIENTE DIRECCIÓN DE CORREO ELECTRÓNICO.

 

mteixido62@gmail.com

 

PERFIL

Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

http://cuadrosdeunaexposicin.blogspot.com/

 

Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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