Cuadros de una Exposición.com
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CAIXAFORUM BARCELONA

COMISART: UNA PROPUESTA ARTÍSTICA DE BAJO PRESUPUESTO

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¡¡Adorable Isidre Fainé!! Como buen gestor, sabe expandir la Caixa fuera de las fronteras catalanas, ejerciendo su dominio con buenas dosis de persuasión, ojo avizor, controlando al dedillo los gastos y poniendo en cintura a la obra social.

 

Un comentario que a ciencia cierta sorprende al lector de esta web, que a velocidad de la luz, pondrá en duda la racionalidad de esta crítico de provincias bajo la siguiente cuestión: ¿Y qué pinta aquí el presidente de la Caixa? ¿De qué va todo esto?

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Pues bien, Don Isidro pinta y mucho, ya que sus decisiones no sólo afectan al sector financiero de la Caixa, sino a todo el ámbito cultural de la misma, y más con respecto a la exhibición de la colección de arte contemporáneo de tan loable institución bancaria, que hasta el pasado 22 de diciembre pudo contemplarse a través de la primera parte del del proyecto COMISART en el CAIXAFORUM BARCELONA.

 

En más de una ocasión, Cuadros de una Exposición ha puesto de manifiesto el escaso montante artístico, de excesivo valor crematístico, del conjunto de 900 piezas que componen el fondo de arte actual de la Caixa, que el paso del tiempo ha ido devaluando en todos los aspectos - con respecto al económico, y previa consulta en ARTPIRCE, algunos de los artistas de esta muestra no tienen cotización en el mercado - hecho este a buen seguro más que conocido por los máximos responsables financieros, y de la obra social de esta entidad de crédito. Sin embargo, hay que sacarle un rendimiento, aunque sólo sea para quitar el polvo de los trabajos almacenados, más que coleccionados, y para que no se diga que no se está “à la page”.

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Pero, estamos en crisis, hay que ahorrar, y demostrarlo. Así que ni corto ni perezoso, D. Isidro, que mira el euro con lupa, ha puesto en práctica una flamante idea: eliminar de un plumazo a los comisarios de pedigrí que cobran un pastón, para comisariar exposiciones sin parangón, y dar salida a nuevos valores en el ámbito del comisariado. ¡¡Cuanta generosidad. Cuanto altruismo!! ¡¡Ohhhh, es abrumador!! Algo realizado con tan buenos sentimientos, seguro que es un tanto a favor en el activo del inventario, para cuando haya que rendir cuentas al Altísimo.

 

Así que se montó el Comisart, y “con lo que cuesta un director de exposición snob – porque a nivel de público en general no los conoce ni Dios - con caché, tenemos tres y aun nos sobra, y encima quedamos como grandes patrocinadores de jóvenes emergentes en el ámbito artístico” – debió de pensar el también presidente de la Fundació la Caixa.

El resultado expositivo, especialmente de visitantes, sigue siendo idéntico, igual, semejante, paralelo, análogo, equivalente a las anteriores exposiciones con comisario de postín; o sea se pasa de largo de tan costosa e infumable colección (en un 70% al menos), ya que bajo el imperio de la ley del silencio, nadie dice nada, pero la falta de visitantes lo expresa todo.

 

A principios del pasado mes de diciembre, quien escribe este artículo, y en lo que podría calificarse como tentación de masoquismo puro y duro, a la que no se pudo resistir, entro en la sala de exposiciones de Comisart, y mientras contemplaba la gloria celestial de la ignominia artística, el vigilante de la sala paseaba de arriba abajo y de izquierda a derecha, nervioso cual gato enjaulado. ¿Podría deberse su excitación a los perversos efectos de los trabajos exhibidos esta exposición?

 

Una muestra que tiene significativo título: ARTE FICCIÓN – Nuevas miradas sobre la colección la Caixa . Según reza la nota de prensa: Comisart: nuevas miradas sobre la Colección "la Caixa" es una investigación sobre rutas inexploradas en el arte contemporáneo.(Por mi experiencia en este tipo de muestras, puedo afirmar que a excepción de dos, las piezas ya han sido exhibidas y exploradas en más de una ocasión).

 

Sus comisarios, Jaime González Cela (Madrid, España, 1984), licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid y máster en Arte Contemporáneo y Cultura Visual por el Museo Reina Sofía, y Manuela Pedrón Nicolau, (Granada, España, 1988) es licenciada en Historia y Teoría del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid. En 2012 cursó el máster en Arte Contemporáneo y Cultura Visual del Museo Reina Sofía y trabajó en su departamento de Educación, invitan a los visitantes a pensar la relación de las obras elegidas desde múltiples perspectivas relacionadas con la idea de otros mundos y el fin de este tal y como lo conocemos.

 

González y Pedrón proponen una original lectura en torno a la Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo a partir de las obras de Jorge Barbi, Rogelio López Cuenca, Aernout Mik, Thomas Schütte, Andreas Slominski, Hiroshi Sugimoto, Juan Ugalde y Ante Timmermans, junto a los préstamos de obras de dos jóvenes artistas españoles: Elena Alonso y Nicolás Combarro.

 

Apuesto que los chic@s del departamento de comunicación de la obra social, deben divertirse de lo lindo, preparando las notas de prensa para remitirlas a los distintos medios de comunicación, en base a una exposición con los siguientes itinerarios:

 

Utopía: proyecto o sistema optimista que aparece como irrealizable en el momento de su formulación.

Distopía: situación ficticia indeseable en sí misma.

Paradoja: idea extraña o inverosímil que se presenta con apariencia de verdadera.

Génesis: origen o principio de algo.

Cataclismo: gran trastorno en el orden social o natural.

Virus: agente infeccioso capaz de reproducirse dentro de otros organismos.

 

¡¡¡Alucino en colores!!! ¡¡¡ Como si las dimensiones de la sala fueran las del MOMA de Nueva York!!! Lo bueno del caso es que el espectáculo acaba de empezar. Aquí van algunos ejemplos de lo exhibido:

Según la Nota de Prensa: En la serie fotográfica Arquitectura oculta, Nicolás Combarro A Coruña, España, 1979 Sin título, 2012 / Sin título, 2012. De la serie Fotografía en color Colección Consultarte, se convierte en un explorador de espacios de naturaleza artificial congelados en el tiempo, paisajes desolados en los que se intuye una lejana autoría humanoide (…) En la práctica artística de Nicolás Combarro, los límites de los lenguajes se difuminan. Arquitectura, pintura y fotografía se solapan, influyen y refuerzan mutuamente, creando un corpus artístico complejo y poético donde, según sus propias palabras, la contemplación activa del entorno se convierte en la principal herramienta para investigar y reflexionar acerca del espacio, la arquitectura y los juegos de representación.

 

¡¡Cuanta belleza en las palabras utilizadas!!! Lástima que el visitante despistado –estás muestras sólo pueden ser visitadas por confusión de sala - sólo ve un grupo de maderas viejas, mal puestas, pintadas de color rojo, y donde la mano del hombre es bien visible, y que en un parque infantil, haría las delicias de los niños.

 

ROGELIO LÓPEZ CUENCA

Nerja, España, 1959

Kommendes Paradise, 1991

Esmalte sobre chapa de hierro

 

¿Se acaba el paraíso? ¿Nos lo hemos perdido? ¿O es que nunca ha existido? La idea de paraíso es una de las construcciones utópicas más antiguas de los dogmas de las civilizaciones humanas. Se trata de lugares idílicos, liberados en algún sentido de las estructuras terrenales. El paraíso es, ante todo, un emplazamiento imaginario, un espacio alternativo inmaterial, y, sin embargo, esta obra nos lo presenta mediante un soporte puramente cotidiano e inserido en las lógicas sociales occidentales

 

¡¡¡PERO SI ESTO ES UN VULGAR AVISO DE CARRETERA ESCRITO EN ALEMAN!!!. ¿Qué semejanza tiene con paraíso natural de las islas de la Polynesia o de un Spa artificial? ¿Creen ustedes que la Beatrice de Dante conduciría a su amado, que ha pasado por el infierno, siguiendo las indicaciones de este cartel?

En Pulverous, de Aernout Mik, un grupo de personas se comporta de forma anómala en el almacén de un supermercado. Destruyen compulsivamente cuanto les rodea, pero lo hacen de una forma que no nos resulta familiar. Si bien pueden remitirnos a escenas contempladas previamente en los medios de comunicación, no fluyen con la naturalidad de lo real. La pieza no nos muestra el desenlace y en ningún momento nos desvela el desencadenante de la acción, pero intuimos que algo grave ha sucedido, algo está provocando extraños comportamientos compulsivos. Algunos sujetos parecen agresivos. ¿Estarán infectados?

 

 

 

Consejo práctico: Sustituir la visión de este Pulverous, por la visión del filme: La invasión de los ultracuerpos, realizada por Philip Kaufman en 1978, y dejarse de extravagancias conceptuales.

 

THOMAS SCHÜTTE

Oldenburg, Alemania, 1954

For the Birds (Para los pájaros), 1997

 

Madera pintada. Esta peculiar forma de presentar espacios habitacionales totalmente deshabitados explica el extrañamiento y atracción que genera For the Birds. Al contrario que la mayor parte de las estructuras de carácter arquitectónico de Thomas Schütte, esta pieza no se refiere directamente a un estilo o periodo registrado por la historiografía humana. Se trata de una propuesta especulativa de módulos de habitabilidad para una comunidad desconocida, maquetas que parecen formar parte de un experimento, del proceso de construcción de una sociedad de nueva planta.

 

Conjunto de casitas con pequeñas oberturas, ideal para los amantes de la ornitología, ya que no tendrían que construir los nidos para pequeños pájaros. Apuesto que a un precio de venta razonable, la Caixa aún podría sacar un poco de pasta.

ANDREAS SLOMINSKI

Meppen, Alemania, 1959

Sin título, 1994

 

Bicicleta y materiales diversos

Sumergida entre bolsas y objetos recuperados de alguna urbe del siglo XX, se intuye la forma de una bicicleta. El vehículo parece haber sido reconvertido en un tipo de espacio vital, como si su propietario se hubiese visto obligado a recoger todo aquello que encontraba a su paso hasta tal punto que su obsesión recolectora ha acabado por chocar contra su naturaleza nómada. Nos encontramos así ante una especie de monumento al nomadismo y al reciclaje de toda una civilización, una imagen posapocalíptica que remite al presente más inmediato.

 

Traducción: la basura es arte. Propuesta: en lugar de tirarla a los contenedores, enviarla por medios terrestres al autor de esta alegórica pieza, ANDREAS SLOMINSKI, con el fin de que realice escultóricas piezas de supremo tizne.

 

ELENA ALONSO

Madrid, España, 1981

Aparato de dos tiempos, 2011

Cinta de movimientos básicos, 2012

Técnica mixta sobre papel

Colección particular

 

Los dibujos de Elena Alonso configuran un catálogo de prototipos para una maquinaria regida por leyes de la física ajenas a las de este planeta. Una combinación meticulosa de técnicas, formas y colores que estructuran mecanismos alejados de las dinámicas habituales e incluso opuestos a las mismas, y, sin embargo, perfectamente clasificados a partir de títulos tan específicos como incomprensibles para las referencias terrícolas. Estas proyecciones rompen con la lógica preestablecida y proponen nuevas estructuras y relaciones entre los elementos. La imaginación del espectador se convierte así en el único motor capaz de poner en funcionamiento esos extraños engranajes y concebir los correspondientes movimientos y ejercicios.

 

Sugerencia: revisar ejemplares atrasados del TBO, especialmente la sección: Grandes Inventos Prácticos por el profesor Franz de Copenhague. Creaciones en su inmensa mayoría, de máquinas de efectos encadenados, que representaban el clásico problema base de la tecnología: se identifica una necesidad de la sociedad y se intenta proporcionar una solución técnica a ese problema mediante la realización de un objeto tecnológico. En los años 40, el director del TBO, Joaquim Buigas se adelantó en el tiempo a Elena Alonso.

Para finalizar este artículo, y con el fin de que esta crítico de provincias tenga una anotación en el debe de su existencia, en el momento de entrevistarse con San Pedro para una estancia permanente en la Eternidad, bueno será mostrar un ejemplo de magnanimidad y salvar un par de piezas, que si poseen un interesante contenido artístico.

 

 

ANTE TIMMERMANS

Ninove, Bélgica, 1976

19/2010 (disneyfication) [19/2010 (disneyficación)], 2010

Técnica mixta sobre papel

 

Ante Timmermans centra su práctica artística en la experimentación con el dibujo y en las posibilidades que este ofrece para hablar de la sociedad contemporánea y mostrar los entramados invisibles que la rigen. En esta obra todo gira en torno al disfrute y la diversión asociados al capitalismo, con Disneyland y Las Vegas como modelos emblemáticos. La fórmula del «pan y circo» no ha perdido fuerza con el paso de los años, y Timmermans considera que, si bien en la actualidad resulta menos evidente, está más vigente que nunca.

 

Una obra compleja pero sumamente atractiva, no exenta de feroz crítica, donde la artista pone de manifiesto algo tan básico y fundamental en las bellas artes como EL DIBUJO, su conocimiento, su dominio técnico y su práctica.

JUAN UGALDE

Bilbao, España, 1958

Más bien pajarracos, 2004

 

Técnica mixta y fotografía en blanco y negro sobre tela Juan Ugalde configura con Más bien pajarracos un cuadro a medio camino entre el costumbrismo ibérico y la ciencia ficción. A través de la intervención de una fotografía en blanco y negro, el artista ha desarrollado un juego de universos superpuestos donde se mezclan imaginarios utópicos, crítica social, coches voladores y futuros posapocalípticos en los que la naturaleza se ha tomado la revancha sobre los humanos.

 

El collage se convierte en el hilo conductor de la composición, actuando en dos niveles distintos: en el plano narrativo y en el formal. Un doble juego conceptual que nos transporta de nuevo a las historias clásicas de ciencia.

 

Imaginación desbordante en base a la utilización de técnica mixta, con reminiscencias goyescas en su planteamiento temático, cercano al surrealismo. Originalidad en la composición y crítica sagaz y mordaz a la sociedad.

 

Y de la misma forma que se despedían las “Alegres melodías de ayer y de hoy”, o sea, los dibujos animados de la Warner Brothers – ¡cuánto los añoro viendo estas exposiciones! – “¡¡Esto es todo amigos!!”. Hasta el próximo COMISART, en el que es de esperar que nuevamente, se nos asombre con el lujo y la distinción de la plasticidad más inconsistente.

 

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Marta Teixidó

Crítico de arte

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PERFIL

Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

http://cuadrosdeunaexposicin.blogspot.com/

 

Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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