Cuadros de una Exposición.com
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LAS EXPOSICIONES DEL CAIXAFORUM (Barcelona – Madrid)

 

ARTE CONCEPTUAL

Exposiciones: Qué pensar – Qué desear – Que hacer

Carmen Thyssen, en unas recientes declaraciones manifestó una abierta crítica a la evolución del arte en el mundo actual:

 

“Hay muchos que coleccionan por esnobismo, como también muchas galerías entorpecen el camino del buen arte

 

Como es sabido, las andanzas de Tita Cervera a través del mundo del papel cuché, son difundidas por los cuatro puntos cardinales de esta tierra de conejos llamada Hispania. Sin embargo, demuestra que su conocimiento del mundo del arte y del mercado no es baladí, con una más que inteligente afirmación, que pude aplicarse a la perfección a las distintas exposiciones de Arte contemporáneo que Caixaforum ha presentado a partir del último año, con el fin de mostrar su “patrimonio” al respecto.

No es la primera vez que esta crítico de provincias manifiesta su total desacuerdo – algo que a los responsables de estas muestras les debe importar un comino, soy consciente de ello - con las exposiciones de este particular fondo, formado por un total de 900 obras “con piezas de algunos de los artistas más importantes de los últimos 30 años”, ya que en ellas se demuestra el esnobismo de asesores y responsables de esta colección, al proponer a la Caixa que, a través del dinero de su gestión, obtenido gracias a sus 13 millones de impositores, adquiera obras de artistas, de calidad más que dudosa, que claramente se mueven en un circuito limitado, sólo accesible a una minoría y que, con total descaro, pretende hacer creer al público visitante que lo que sus ojos contemplan y su mente analiza es arte, cuando en realidad, la calificación de más de una “obra” expuesta, se describe con un término basado en lo escatológico, que por respeto al respetable no vamos a mencionar, pero apuesto que el sagaz lector/a tiene en mente.

PEPE ESPALIÚ: Luisa II

Los ciclos Qué desear y Qué hacer, (Qué pensar fue debidamente comentada en esta web en diciembre de 2012), han sido comisariados por Rosa Martínez, para quien este ciclo expositivo “representa el regreso a Barcelona y el reencuentro con la Obra Social, ”la Caixa” de una de las críticas de arte y comisarias independientes más relevantes de la escena internacional”, según indica la nota de prensa.

 

Realizadas las consultas oportunas en Internet, Cuadros de… ha observado una carrera de comisariado y crítica altamente estimulante, de la que a partir del 2008, curiosamente se abre un paréntesis, para regresar en 2013, gracias a la invitación de “la Caixa”, aunque también cabe la eventualidad del ofrecimiento, por parte de Martinez a tan insigne institución, en busca del sustento crematístico, tal vez paralizado durante 5 años. ¿No tendrá su “regreso” muchas posibilidades de ser forzosamente económico?

 

Según reza la nota de prensa remitida a esta redacción con respecto a QUÉ DESEAR, que finalizó el pasado 28 de abril: La exposición, organizada y producida por la Obra Social ”la Caixa”, se enmarca en la voluntad histórica de la entidad de contribuir a aumentar la capacidad de generar conocimiento y sensibilidad hacia el arte más actual. Dar a conocer la creación contemporánea rompiendo las barreras que a menudo la separan del público es uno de los objetivos de la Obra Social ”la Caixa” en el ámbito cultural”.

RIVANE NEUENSCHWANDER: Eu desejo o seu desejo (Yo deseo tu deseo)

Sin duda, el propósito es loable, pero la evidente realidad es que el arte más actual, especialmente en su vertiente conceptual, sigue permaneciendo totalmente alejado del público, a pesar de realizar un ciclo expositivo bajo la pregunta de ¿Es el arte necesario para vivir?

 

Siguiendo con la nota de prensa:

 

Lo que proponen estas tres exposiciones: invitar al público a reflexionar sobre la realidad que nos rodea —en un contexto de profunda crisis económica, social y moral— a partir de la obra de los creadores más implicados socialmente, los más incisivos, los que no conciben la creación artística al margen de las necesidades colectivas.

 

Las respuestas que ofrecen los artistas: Anish Kapoor, Dora García, Miquel Barceló, Juan Muñoz y Doris Salcedo Rivane Neuenschwander, Helena Cabello/Ana Carceller, Pepe Espaliú, Miquel Barceló, Liu Jianhua, no son incontestables ni taxativas, pero exploran los caminos que el arte puede abrir para llegar a entender lo que pasa (Qué pensar), para llegar a definir nuevos objetivos (Qué desear) y para intervenir frente a las desigualdades y abusos (Qué hacer).

Verdaderamente se trata de un excelso texto, del más exquisito vocabulario, para mostrar obras como la de Dora Garcia y su Bolsa Dorada, realizada en polietileno y pigmento dorado, donde una tela opaca y rígida, colgada en un extremo del espacio expositivo, y que según se indica en la muestra: interpela a los espectadores y les invita a proyectar sus inquietudes o sus deseos interrogándoles sobre el vacío o el contenido oculto tras la superficie dorada. El espectador, sea neófito o no, pero ante todo amante del buen arte, PARA NADA SE PREGUNTA SOBRE CONTENIDOS Y VACIOS. Sólo ve una aparente tela de color dorado colgada. La significación dada por la autora es una pura elucubración que justifica lo injustificable.

Otra pieza que no tiene pérdida por el imaginativo significado dado por su creador es When I am pregnant (Cuando estoy gestando), realizada por una de las artistas conceptuales más interesantes del panorama actual, pero que aquí no acierta: Anish Kapoor.

 

El texto correspondiente es de lo más desconcertante: La experiencia fenomenológica de andar hacia When I am Pregnant se produce a modo de planos cinematográficos y dirige laatención hacia el carácter de la superficie, hacia la tensión que esta superficiepersonifica.

 

El objeto acoge al espectador en su campo de intensidad, que es aun tiempo cinético y mimético, remitiéndole a las ideas de origen, a la páginaen blanco y a las potencialidades creativas de su propia vivencia dinámica delespacio. LO ÚNICO QUE SE VE ES UN BULTO DE COLOR BLANCO QUE SOBRESALE DE LA PARED, Y QUE INCLUSO PODRÍA SER UNA ESPINILLA EN EL ROSTRO DE UN ADOLESCENTE, puestos a imaginar, ya que también “se gesta” en la pubertad.

Otra “obra” que merece ser destacada por es el DVD Sin título, realizado en 1998, donde el despistado espectador contempla como unas manos cavan un pequeño agujero de forma cuadrangular y donde: La obra se convierte en metáfora de la vida en común, de las dinámicas de colaboración y contaminación, así como de las paradojas de las relaciones humanas.

 

De ese modo, pone en evidencia que las identidades se construyen a través del contacto y de las interferencias, del deseo, de las incertidumbres y de las decisiones. Es decir, LA HÒSTIA EN PATINETE – mis disculpas al respetable, pero me ha salido del alma - porque ni hay identidad – a no ser por los nombres que figuran en la cartela – no se observa que haya colaboración, ni contaminación, ni decisión y si hay paradoja y desconcierto. Un galimatías apto sólo para esnobs.

A pesar de la opinión expresada, a esta crítico de provincias le gusta el arte contemporáneo y el conceptual, siempre que surjan del estudio de la lógica y de amplios y profundos conocimientos tanto técnicos y de la historia del arte.

 

Por lo que, dentro de la muestra, se aprecia lo antes citado en las obras de MIQUEL BARCELÓ , con la que se coincide con la nota de prensa: L’amour fou es una obra emblemática porque condensa géneros clásicos de la pintura tradicional —la escena de interior, el paisaje, el autorretrato y la naturaleza muerta— con temas fundamentales de la cosmogonía estética y existencial del artista: el vitalismo exacerbado, el carácter orgiástico de la comida, la literatura, el sexo… Sin lugar a dudas, el universo personal e intransferible del artista balear.

LIU JIANHUA y su Shadows in the Water (Sombras en el agua) una escultura mural realizada en porcelana blanca. Representa los rascacielos más icónicos de ciudades como Shangai, Pekín, Shenzhen y Cantón en un continuo lineal. A través de la contraposición entre la parte superior e inferior, Liu Jianhua alude al ilusionismo nacido de la contaminación cultural y económica que lleva a China a imitar y querer superar los modelos occidentales. Una metáfora perfectamente comprensible, admirable en su planteamiento y exposición, de interesante juego lumínico.

 

Sumamente original, con un enfoque positivo es la obra de RIVANE NEUENSCHWANDER: Eu desejo o seu desejo (Yo deseo tu deseo) Englobada dentro de una categoría heterodoxa como minimalismo orgánico.

 

La artista pidió a distintas personas que escribieran sus deseos y, después de realizar una selección de los mismos, los imprimió en cintas de colores como las que se venden a modo de recuerdo o amuleto en la iglesia de Nosso Senhor de Bonfim, en Salvador de Bahía.

 

Las cintas con los deseos anónimos configuran una gigantesca pintura mural en permanente transformación, ya que van reponiéndose a medida que los espectadores eligen y se llevan la cinta que contiene el mensaje con el que se sienten más identificados. Una forma de convertir en deseos propios los ajenos, que rehúye un arte autónomo y conciso, para crear a través de la palabra y los materiales.

SHERRIE LEVINE - The Bachelors (after Marcel Duchamp) [Los solteros (a partir de Marcel Duchamp)]

Interesantes también Pepe Espaliú, y su Luisa II, donde el uso de jaulas da a entender claramente un situación de atadura y prisión – en este caso debido a la enfermedad del sida, de la que fue víctima – y Sherrie Levine y sus The Bachelors (after Marcel Duchamp) [Los solteros (a partir de Marcel Duchamp)] esculturas biomórficas de evidente aspecto fálico, en la que la imaginación del espectador es totalmente libre, aunque no deja de caer en las connotaciones sexuales que presenta, aunque la nota de prensa indique que: usurpa la posición del artista masculino liberando a los objetos elegidos de su localización histórica original y ofreciéndoles una nueva posición en el terreno del arte.

El ciclo Qué pensar – Qué desear – Que hacer, termina precisamente con la muestra que actualmente se exhibe en Barcelona hasta el próximo 8 de septiembre: QUÉ HACER, donde se exhiben los trabajos de: Juan Muñoz, Doris Salcedo, Gillian Wearing, Javier Téllez, Carlos Garaicoa) Janine Antoni, Joan Miró, Bruce Nauman y Àngels Ribé), y responde casi en su totalidad, a los criterios citados al principio de este comentario, ofreciendo unas obras más que cuestionables para llamarles arte, y presentándolas a un público que, en un 90% las contempla con estupor e incongruencia, no exentos de cierta indignación, y más en la coyuntura de la actual crisis, donde se aprecia a la perfección la manipulación constante de medios de comunicación y elementos de poder.

Veamos por ejemplo la “obra” de JAVIER TELLEZ y su La Passion de Jeanne d’Arc (Rozelle Hospital, Sydney) [La Pasión de Juana de Arco (Rozelle Hospital, Sydney)] / Twelve and a Marionette (Doce y una marioneta), en la que a través de la video instalación de dos pantallas, se cuestiona el papel de la institución mental como parte de la cadena de aparatos de exclusión social que objetualizan y estigmatizan la diferencia con respecto a lo normativo, a través de proponer a un grupo de mujeres internadas en el hospital australiano, que expusiesen su interpretación sobre la película muda que da título a la obra, realizada por el cineasta danés Carl Theodor Dreyer en 1928.

 

Una vez visionada parte de la instalación, está crítico de provincias no pudo evitar comparar la misma con la llamada “foto denuncia”, aquella que presenta dramáticas imágenes que benefician la profesión de unos pocos. En esta ocasión se trata de la burda utilización de mujeres con graves problemas psíquicos para realizar una teórica “obra de arte”.

 

PEDRO MORA y su Sueño n.º 17 (I Was Here Before) [Sueño n.º 17 (Yo había estado aquí antes) un camino realizado con hierba seca. Sería interesante saber el precio de la obra, teniendo en cuenta el material empleado)

 

Y lo que viene a continuación, verdaderamente es de mármol para significar una vulguaris y larguísima alfombra, que traza un sinuoso a través de parte del espacio expositivo. Y NADA MÁS

 

“El título hace referencia al déjà-vu, fenómeno que genera dudas sobre si el recuerdo de haber vivido determinada situación es real o ficticio. La obra se convierte en un lugar donde se cruzan lo empírico y lo onírico, donde se difuminan los límites y se evidencia, que todo está conectado, como en los sueños. Esta filosofía que da valor al inconsciente como campo de conocimientos queda sintetizada en la frase del artista: «La mejor forma de dibujar una línea es con los ojos cerrados». EGREGIA PALABRERÍA PARA DAR SIGNIFICADO A LO QUE VERDADERAMENTE NO LO TIENE.

La Unland: The Orphan’s Tunic (Desterrado: la túnica del huérfano) de DORIS SALCEDO también tiene guasa:

 

El trabajo de Doris Salcedo está centrado en la violencia que azota su país, donde los secuestros, desapariciones y asesinatos forman parte de la vida cotidiana. Sus esculturas son ejercicios de memoria sobre la pérdida, definiéndose la propia artista como «testimonio» del dolor (…)una escultura donde dos mesas cortadas se acoplan para formar una sola. Una de las partes es de madera desnuda y la otra está cubierta por una sábana de seda blanca, cosida con pelo humano que atraviesa el tablero. No hacen falta comentarios sobre la falacia de tal descripción. La imagen habla por si sola.

 

De fondo, la obra de GILLIAN WEARING titulada Álbum: es una serie de fotografías realizadas como retratos individuales de un mismo álbum familiar. El padre, la madre, el tío, el hermano, la hermana y la propia artista aparecen en una etapa parecida de su vida, en los inicios de la edad adulta (…)No obstante, todas las fotografías incorporan la palabra «autorretrato» en sus títulos, ya que en todas ellas es en realidad la propia Gillian Wearing quien, mediante máscaras de silicona, maquillaje y pelucas, adopta la identidad de sus familiares. Solo los ojos de la artista quedan al descubierto tras la máscara, lo que produce cierta sensación de extrañeza. Este proceso de mimetización permitió a Wearing profundizar en su proyección del carácter individual de cada miembro de la familia.

 

 

 

Un trabajo que resulta sumamente interesante para clases de maquillaje y creación del mismo, pero ¡¡¡ES UNA AUTENTICA OSADIA LLARMAR ARTE, EL PRESENTAR UN CONJUNTO DE FOTOGRAFÍAS donde la artista ha adaptado distintos aspectos faciales de su familia, para explorar en ella misma la influencia de su herencia genética y psicológica.

Se preguntará el paciente lector ¿se salva alguna obra de la exposición ¿Qué hacer??

 

Se hace necesario ser un poco benévolos, porqué la pieza que la única pieza que llamó la atención fue el Astrolabio para el norte de la tormenta de JUAN MUÑOZ, una obra que hace referencia al antiguo instrumento de navegación, usado para localizar las estrellas en la bóveda celeste, y que el artista presenta en forma de esqueleto de una construcción arquitectónica. Una obra verdaderamente subyugante – el esqueleto de una construcción arquitectónica: una cúpula con una escalera de caracol en su interior – que atrapa la atención del espectador por su planteamiento y grotesco mensaje.

 

También se presentan obras de JOAN MIRÓ y su particular creación de simbolismos, aunque tal vez podrían considerarse un tanto menores, y JANINE ANTONI y su Touch (Toque), perfectamente comprensible, y nada imaginativa, aunque bajo el peso de su cuerpo, la cuerda coincide momentáneamente con el horizonte “Janine Antoni usa su cuerpo como sujeto y objeto, como instrumento performativo y procesual, para dar forma a la especificidad de la experiencia femenina y cuestionar el legado masculino que tradicionalmente ha excluido a las mujeres de la esfera artística”. Una explicación del todo innecesaria, y excesivamente ostentosa.

 

JANINE ANTONI y su Touch (Toque)

En conclusión, dos exposiciones que responden con claridad diáfana al cuento de Andersen: El traje nuevo del emperador, que desde Cuadros de… hemos referenciado en diversas ocasiones: “el emperador va desnudo”. El Arte, como cualquier otra forma de comunicación, refleja la intención, así como la visión o el genio del creador. En estas exposiciones sólo se ve pobreza de imaginación, y el hecho palpable, por parte de la institución patrocinadora de las mismas, de considerar al visitante como a alguien, de escasos recursos intelectuales, gracias a los dudosos y singulares criterios de una minoría esnob, que en absoluto invierte su dinero, y que manipula el de los demás.

 

CAIXAFORUM BARCELONA

Avda. de Francesc Ferrer i Guardia, 6-8

Barcelona

 

www.lacaixa.es/ObraSocial

LAS EXPOSICIONES DEL CAIXAFORUM (Barcelona – Madrid)

  

ARTE CONTEMPORÁNEO Y CONCEPTUAL 

Exposición: ARTE, DOS PUNTOS

El MACBA (Museu d’Art Contemporani de Barcelona) y la Obra Social ”la Caixa” presentan la muestra organizada conjuntamente y exhibida de forma simultánea en ambas sedes: ART, DOS PUNTS (Arte, Dos Puntos) Por primera vez en la ciudad, se muestran las cualidades de una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes del sur de Europa, que reúne en su conjunto, a día de hoy, más de seis mil obras.

 

Otra interpretación de lo antes mencionado podría ser: un estimulante acuerdo para el MACBA, cuyas instalaciones adolecen de visitantes, y que durante años ha despilfarrado el presupuesto público en la adquisición de muchas obras de “creadores”, bien sintonizados con diversas tendencias artísticas y políticas a nivel institucional, y pobremente relacionados con los ámbitos privados del mercado.

La muestra se exhibe en los dos ámbitos expositivos: Caixaforum y MACBA en un nuevo contexto global, el visitante experimenta la fragilidad y el desencanto por la pérdida de las utopías liberadoras, como detectan las prácticas artísticas de los años ochenta y noventa. (Bonito pero incomprensible, ¿verdad?)

 

ARTE, DOS PUNTOS reúne 400 obras de 125 artistas como Ignasi Aballí, Joseph Beuys, John Bock, Joan Brossa, Eduardo Chillida, Christo, Tony Cragg, Pep Duran, Öyvind Fahlström, Lucio Fontana, Richard Hamilton, Joan Hernández Pijuan, Jenny Holzer, Paul Klee, Jannis Kounellis, Muntadas, Juan Muñoz, Gerhard Richter, Martha Rosler, Dieter Roth y Jeff Wall, entre otros. Pregunta ¿CUÁNTOS DE ESTOS ARTISTAS HAN LLEGADO AL GRAN PÚBLICO, a excepción de Chillida, Christo?

El arte refleja las contradicciones de esos años, en los que confluyen el abatimiento y el entusiasmo. Una nueva sensibilidad, fruto del escepticismo ante los principios universales y emancipadores, vacía de sentido la espera permanente de un futuro mejor y la creencia en una identidad única. La sensación de pérdida de referencias da lugar a una concepción plural del individuo y a narrativas centradas en subjetividades y vivencias personales. Así, la experiencia del cuerpo se convierte en un refugio ante una sociedad fundamentada en la exclusión y la diferencia, y la parodia se convierte en un dispositivo eficaz para hurgar en las fisuras del pensamiento y en la condición del sujeto, que ahora se analiza y se redefine desde distintos puntos de vista.

A pesar de la eminente glosa que indica la nota de prensa sobre la muestra presentada en Caixaforum, desde Cuadros de… proponemos una galería de imágenes de la misma, suficientemente explícita, y cuyos comentarios podrían entresacarse de las muestras QUÉ PENSAR – QUÉ DESEAR – QUÉ HACER ya comentadas, y cuyo reflejo puede verse en la actitud que muestran las expresiones en los rostros de  el director general de la Fundació “la Caixa”, Jaume Lanaspa, l’alcalde de Barcelona, Xavier Trias, a excepción de la directora de la Col·lecció "la Caixa", Nimfa Bisbe y el presidente de la Fundació MACBA, Leopoldo Rodés, aunque se supone que estos últimos son expertos en la cuestión.

No obstante, algunas piezas, que se pueden contar con los dedos de una mano, merecen especial consideración, como por ejemplo Tony Ousler y su Figura flamenca donde una figura femenina recostada en las típicas sillas de tablao flamenco, de cabeza grotesca se dirige al público manifestando su sufrimiento, el monumento de Cristobal Colón envuelto por Christo, que fue un proyecto para Barcelona de 1984, por ejemplo. 

 

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Marta Teixidó

Crítico de arte

CUALQUIER COMENTARIO, CRÍTICA O SUGERENCIA, PUEDEN SER REALIZADOS EN LA SIGUIENTE DIRECCIÓN DE CORREO ELECTRÓNICO.

 

mteixido62@gmail.com

 

PERFIL

Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

http://cuadrosdeunaexposicin.blogspot.com/

 

Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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