Cuadros de una Exposición.com
Cuadros de una Exposición.com

 

 

 

 

 

 

 

ARTS LIBRIS-2013

 

La Rambla, 7 - Barcelona

 

Edu Barbero - Baraja contra la violencia de género

Hasta mañana, 23 de abril tiene lugar en el Arts Santa Mònica de Barcelona la feria ARTS LIBRIS-2013. Un breve certamen artístico-literario en el que participan importantes galerías de la ciudad, y donde el libro sirve de base para la creatividad artística.

Entre las participantes podemos destacar, la sala de arte virtual URBAN GALLERY que presenta a Asunción Guasch, Edu Barbero, Àngels Freixanet, Elisa Terroba, Jordi Tolosa y YUSB.

Así mismo, la galeria TRAMA, anexa a la Sala Parés de Barcelona participa en esta feria con obras del artista JULIO VAQUERO

Dentro de este entorno artístico-ferial, ayer domingo, 21 de abril tuvo lugar  en el auditori Arts Santa Mònica la presentación del libro SENTITS que conmemora el 35 º aniversario de la Fundación Pere Mitjans. Un libro-carpeta con obra gráfica y escrita cedida por una veintena de artistas y poetas de renombre, entre los que Perejaume, Perico Pastor, Joan Fontcuberta, Màrius Sampere o Vicenç Altaió. En cada una de las obras gráficas le acompaña una réplica hecha por un usuario de la Fundación.

SENTITS (Sentidos) es un libro-carpeta hecha con cartón "microcanal" y con una estructura interior a base de listones de madera virgen. La confección ha sido realizada conjuntamente por la Fundación Pere Mitjans y el departamento de serigrafía de la Escuela Superior de Arte y Diseño Llotja. En su interior, una camisa en forma de tríptico da paso a todo el contenido de la carpeta, con un texto de presentación de Esteve Enero, director de la Fundación Pere Mitjans.

Las obras gráficas cedidas por los artistas colaboradores, se acompañan de una réplica elaborada, en cada caso, por un usuario de la Fundación. Así, se ha querido dar a los usuarios la presencia que se merecen y dotar la obra original de una trascendencia del todo enriquecedora.

La impresión de la mayor parte del material ha corrido a cargo de Odisseny, Centro Especial de Trabajo promovido por la Fundación Pere Mitjans y que se dedica, desde hace más de diez años, a la creación gráfica. De esta manera se refuerza el sentido autónomo de la edición.

Se han editado un centenar de ejemplares, de los cuales 25 son para los colaboradores. El libro estará presente durante todos los días de la feria en un stand común con otros editores.

www.art-barcelona.cat

 

http://www.urbangallery.es

 

www.salaparés.com

SALA DE EXPOSICIONES DEL COL·LEGI D’APARELLADORS (Mataró)

 

UWE HAND: LA FRIALDAD TEUTÓNICA

 

En mi tarea como opinante de arte, y desde la perspectiva de crítico de provincias, hay exposiciones en que es difícil encontrar las palabras exactas que las definan, sin que vocablo frialdad de lugar a otras concesiones.

 

Una de estas muestras es la de UWE HAND, titulada ELEMENTS y que hasta el próximo 27 de abril se exhibe en la Sala del Col·legi d’Aparelladors de Mataró.

 

Una exposición aparentemente llamativa, por exhibir una obra contrastada en técnica y formato. Sin embargo, una de las piezas recuerda a funerales vikingos y otras con claras referencias a William Turner y su especial sensibilidad en el tratamiento lumínico y cromático, y que en Uwe Hand no deja de ser menor; con fuerza pero sin apasionamiento, atrayente pero distante e impávida, a pesar del aparente impacto visual que expresa obras como: Seashanties (título sin traducción posible, a menos que fuese Seas hanties, que entonces significaría “habaneras), o Howling (Clamoroso).

Este profesor, que desde 1996 da clases en la universidad Der Kunste en Berlin, nacido en 1952, y que entre 1973 y 1980 estudio Bellas Artes, según reza en la invitación a la muestra, y cuya obra está repartida en colecciones públicas y privadas –frases estas habituales en las biografías de pequeños artistas – muestra una técnica depurada, meticulosa y experimental, en base a diversas texturas y tratamientos (guache o monotype en papel, enkaustik “encaustados (¿?)” sobre madera, pero que no resulta ni innovadora ni atractiva, especialmente en la serie Blackbird (Mirlos), elaborados con collage, fondos tapizados, y el uso de procesos digitales.

Una forma de arte que desde los años 80 del siglo XX utiliza el americano Robert Kushner, y que Hand imita desde su singular visión germánica, al igual que su The Two (la pareja), de claras referencias picassianas, especialmente de la etapa rosa del pintor, realizado en papel y lienzo, guache y serigrafía. Es decir, un pulcro collage, a precios de venta exagerados, como toda la obra expuesta, de un pintor de nula cotización en el mercado.

 

Una exposición donde psicológicamente la soledad es denominador común, ante los elementos o fuerzas de la naturaleza, como en la cotidianidad de la vida diaria. Una muestra de sublime corrección y aplicación técnica, pero de estilo y temática sombríos.

 

ASSOCIACIÓ SANT LLUC PER L’ART

http://www.associaciosantlluc.blogspot.com/

http://www.uwehand.de/

COMUNICADOS DE ARTE

17 de abril de 2013

FUNDACIÓ VILA CASAS (Barcelona)

SALVADOR ALIBAU: MAGIA DE LOS MATERIALES

Hay exposiciones donde el formato, la textura, el soporte o la estructura de composición, dan a la obra un realce único y extraño, y donde la temática o incluso el nombre de la pieza, curiosamente quedan en un segundo plano, sin desmerecer por ello; al contario poseen una nueva fuerza y expresión.

 

Hasta finales de este mes de abril, la FUNDACIÓ VILA CASAS, ofrece en sus salas de la calle Ausias March de Barcelona, Espai Volart-1, la muestra: SALVADOR ALIBAU: INVENTOR i POETA, MESTRE DE LA CEL·LULOSA, Un conjunto de piezas en homenaje al artista, nacido en 1925 y fallecido en 2012, y cuya trayectoria huyó siempre de concesiones a las modas o a criterios comerciales poco propicios para su creatividad, produciéndose entre 1972 y 1985 un paréntesis creativo, compensado posteriormente por un largo y fructífero periodo de actividad hasta el final de sus días.

Maestro de la celulosa, tratada con pigmentos y elaborada con una serie de instrumentos creados por él mismo, logra conseguir que sus trabajos se sostengan en los soportes mediante filamentos, cada vez más leves, o por procedimientos que dejan la pintura en el espacio.

 

Alibau pinta tejiendo capas delgadas de pulpa de celulosa, de grueso variable según la transparencia que desea, sobre un entramado de hilos imperceptibles. Mediante la distribución de pequeños fragmentos, como pinceladas, la obra adquiere su concepción global.


Su interés por la naturaleza siempre ha sido un hilo conductor en su obra. Muchas han sido las series dedicadas a "la evocación del paisaje", insinuando el movimiento de unas ramas, la fuerza del viento, la densidad de unes rocas o los cambiantes elementos de las estaciones.

A partir del 1996, la serie "Matemática" se centra en la elección del tema de les matemáticas, como nueva iconografía para extraer su estética formal. También existen trabajos en estructuras geométricas que rigen la composición de agrupaciones numéricas, signos matemáticos, números, fórmulas, enunciados... como elementos formales y como factores simbólicos.


Así en algunas de sus obras podemos observar como exalta el supremo "sentido de la creación" a través del musgo que crece y en otras, como padece todo lo creado cuando arde un bosque. La vida, que se renueva a través de la muerte y que aspira a la inmortalidad del espíritu. En otras, las formas van más allá de lo matérico (ya que el artista se sitúa a través de secuencias matemáticas y geométricas en lo que da verdadera fuerza al pensamiento humano) es decir, en la abstracción que va mucho más allá de la inconcreción de las formas.

 

Una muestra de talante profundo e intenso, que invita a una cierta contemplación universal, o a la introspección envolvente de la soledad, tanto del artista como del espectador. Un universo mágico, sugerente y extraño, donde el arte es el camino del conocimiento, y el papel las pisadas que conducen al mismo.

FUNDACIÓ VILA CASAS (Barcelona)

 

CARRAL – ANZANO: DIÁLOGOS INTERMATÉRICOS

La búsqueda de nuevas formas de expresión artística, conlleva la investigación constante de materiales, los cuales pueden ser de una cotidianidad extrema, y impensables para una creación artística de vanguardia como la que ofrecen MARTÍN CARRAL y CARMEN ANZANO en el Espai Volart-2, con la muestra: L’EXPERIÈNCIA DE DIALOGAR.

 

Martín Carral realiza un trabajo a base de líneas y encrucijadas artísticas, plasmadas con milimétrica precisión y abstracción sugerente, intuyendo para la realización de las mismas procesos de técnica depurada, en base a medios digitales o informáticos.

 

Sus obras tienen como origen un expresionismo que con el paso del tiempo ha evolucionado hacia una abstracción no exenta de reminiscencias del arte reduccionista. Sus obras contienen a menudo elementos relativos a la industrialización, ya sea en el tema, el color, o los materiales utilizados.

Con respecto a las esculturas, Martín Carral natural de Meruelo (Cantabria), y afincado en Barcelona, donde se licenció en Bellas Artes por la Escuela de La Llotja, realiza una metáfora sobre el objeto forjado por la mano de los artífices trasmeranos que «se elabora y pinta, que se proyecta en la mente como un espacio de libertad cósmica, a veces de manera tridimensional.

 

Para ello plasma esos primeros trazos de los artífices trasmeranos, bóvedas, contrafuertes, capiteles, espirales infinitas que se fugan del cuadro por momentos para luego retornar, mientras utiliza la espiral y la esfera como generadores de energía vital, a través de arquitecturas inventadas.

Tal como indica el historiador Daniel Giralt Miracle en el catálogo de la exposición, a través de la aplicación potente y atrevida del color: “Si analizamos bien estas infinitas variantes de estas arquitecturas inventadas, o tensiones en el espacio, descubrimos que las composiciones responden a espacios vectoriales que se expanden centrípetamente o centrífugamente en sucesivas órbitas”.

Con respecto a Carmen Anzano, nacida en Vilanova de Sau en 1960, y licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, puede decirse que sus obras, a mitad de camino entre pintura y escultura, aúnan una cierta tridimensionalidad con soluciones específicas del soporte no pictórico, sino tejido con cintas, desligándose de la pintura, pero con un parecido efecto óptico.

 

El hecho de entrelazar las conocidas en mercería como “cintas de sombrero”, pulcramente tensadas, dando vida a incontenibles formas geométricas, sorprende al espectador, por tratarse tanto de una obra manual, con lienzo pero sin óleo ni pinceles, donde los trazos son las distintas amplitudes de las cintas.

Un cierto sentido minimalista, que recuerda a Mondrian, pero con la energía de la facultad de tejer, redes o mallas, de innumerables colores, que no atrapan sino que expanden un universo cósmico.

 

Giralt Miracle comenta en el catálogo de la muestra: “Donde probablemente consigue más, es en los soportes poligonales de geometría variable, sobre los que desarrolla nuevos entramados policromos, de manera que forma, fondo, color y composición, van más allá de la bi-dimensionalidad para configurar unos espacios virtuales, de gran potencia plástica”

Una exposición de gran carga visual, atrevida y atractiva, cuyo montaje es esencial para el equilibrio y comprensión de volumen y espacio.

 

FUNDACIÓ VILACASAS

Espai Volart-1/2

C/ Ausias March, 22

Barcelona

 

www.fundaciovilacasas.com

 

LA ARTUR RAMON ART DE NUEVO EN EL SALON DU DESSIN DE PARÍS

 

La Artur Ramon Art participa por quinta vez consecutiva, en la 22 edición del Salon du Dessin de París, que tendrá lugar en la capital del Sena del 10 al 15 de abril, en con una selección de cuarenta obras de antiguos maestros italianos y españoles del dibujo, des del manierismo de Giovanni Battista Castello a la contemporaneidad de los hermanos Santilari, en la feria europea más relevante en este ámbito, y que expondrán en el stand 24 del Palais de la Bourse.

 

El recorrido que presenta esta prestigiosa galería de arte empieza con exponentes del manierismo del siglo XVI, a través de una extraordinaria miniatura realizada con témpera y oro en 1580 por Castello: “La lapidación de San Esteban”. Esta obra estará acompañada por otras piezas de artistas del entorno del Escorial entre los que destacan un dibujo a tinta de gran calidad de Romulo Cincinato sobre “El nacimiento de la Virgen”, “La Adoración de los Magos” de Castellano o los de Luca Cambiaso.

cabeza grotesca a tinta de Salvatore Castiglione,

El paseo histórico continúa con una gran selección de dibujos españoles e italianos del XVIII de los que sobresale un trabajo a lápiz sobre vitela de Isidoro de Tapia que representa la huida a Egipto. Esta obra se exhibirá conjuntamente con una cabeza grotesca a tinta del genovés Salvatore Castiglione, las obras de Giovanni Battista Gaulli “Il Baciccio”, la serie mitológica de Iacopo Guarana, y un exquisito dibujo de Giovani Domenico Tiepolo que representa a una ninfa marina.

 

La galería barcelonesa también dedicará un amplio espacio del stand, a una colección de dibujos de cabezas del siglo XVIII realizados por maestros como Francisco Bayeu, Domenico Corvi o Antonio Salvador Carmona. Los siglos XIX y XX estarán representados con el pastel simbolista de Camille Metra “Fleur des Champs”, una de las pocas mujeres dibujantes de la época, y una figura masculina de Marià Andreu que dialoga con el resto de otras piezas manieristas.

 

La cronología la cierran cinco trabajos de los hermanos Josep y Pere Santilari que han querido rendir un homenaje al centenario de la obra maestra de Proust “A la recherche du temps perdu”, con unos bodegones realistas de la célebre magdalena a lápiz grafito.

 

ARTUR RAMON ART

Carrer de la Palla, 23-25

Barcelona

 

www.arturamon.com

SETBA ZONA D’ART (Barcelona)

EN ARTE CONTEMPORÁNEO, ORIENTE TIENE MUCHO QUE APRENDER

Una economía emergente como la de China, con incontrolables aras de expansión y dominio mundial, no puede quedarse al margen de los acontecimientos artísticos, y en buena lógica, el país de dinastías culturalmente avanzadas como la Zhou, la Ming o la Quing desea “en toda regla invadir Europa”, no sólo a través del poder que le confiere el dinero, sino entrar de lleno en los ámbitos artísticos y culturales del viejo continente.

 

Barcelona es una magnífica puerta, tal como puede verse en la exposición 5 + 5, Un diàleg entre orient i occident (Un diálogo entre oriente y occidente), que hasta finales de abril presenta SETBA ZONA D’ART, y donde cinco artistas chinas y cinco de catalanas ofrecen una muestra de sus últimas creaciones, en base a un soporte común: el papel. Sin embargo, partiendo de una idea expansiva y atractiva, como es esa simbiosis de Oriente y Occidente, ese deseo de propagar la contemporaneidad artística del país de Mao Zedong – el último y despótico Gran Emperador del siglo XX – queda mermada ante una realidad que Europa, España y especialmente Catalunya, superó con creces, especialmente en la década de los años 70 y 80 de la pasada centuria.

 

Chen Zijun, Shan Hu Hou, Yang Shun

En un loable intento por parte de SETBA, de presentar una selección de piezas de las actuales tendencias chinas, de artistas cuyo nombre no recordaremos, pero que por respeto mencionaremos: Chen Zijun, Shan Hu Hou, Yang Shun, está crítico de provincias no puede evitar pensar en nuestros Hernández Pijuan, Modest Cuixart, Arranz Bravo, Guinovart, Ràfols Casamada Joaquim Falcó, J. Tharrats, Agustí Puig, Joan Ponç, y a nivel español, Joan Saura, Viola, Luis Gordillo, y un larguisímo etc., que hace más de 40 años ofrecieron por nuestros lares lo mejor y más recalcitrante de su producción, y que hasta la fecha no ha sido superado, por lo que estas artistas chinas, claramente están en desventaja, al ofrecer una obra en técnica mixta o tinta sobre papel, estéticamente poco original, temáticamente aburrida y técnicamente sin innovaciones destacables, a unos precios desorbitados, y en algún caso, un estado de presentación bastante cuestionable, hechos estos de los que debe eximirse a la galería, ya que SETBA se ha limitado a seguir las directrices de las artistas.

Mención aparte de lo citado, merecen: Qiu Hong y He Gurui, que de la selección artística, son las que aportan a la muestra el clasicismo de su país, al que han aplicado la modernidad técnica y de contenidos. Qui Hong ofrece una obra lírica, suelta y etérea, en tinta sobre papel seriada: Il·lusió real (Ilusión real) a través de un trazo ligero que sabe abrirse en una descuidada precisión.

 He Gurui es la meticulosidad extremada, en base a unas piezas realizadas en papel perforado, tituladas: Ombra (Sombra), las cuales juegan con la ilusión óptica, siendo elaboradas en base a una paciencia infinita y ejecución cuidadosa.

Si las artistas chinas rondan en general la mediocridad, la calidad se manifiesta co crecen en: Matilde Vela, Victòria Rabal, Núria Rossell, Rosa Solano i Maribel Mas.

Maribel Mas, Matilde Vela, Victoria Rabal

Maribel Mas presenta una obra litográfica que expresa serenidad y armonía, delicadeza y refinamiento, a través de su serie “Variacions” y las piezas “Estructura” y “Transició”. Un trabajo muy íntimo y muy espiritual. Matilde Vela es quizás la artista aparentemente más “fría” de la muestra, al presentar una obra minimalista, más elaborada manualmente, y donde el soporte es el protagonista. Victoria Rabal exhibe la visión más “intrincada” de la exposición, a través de su serie Xarxa (Red), realizada en tinta sobre papel japonés. Un conjunto de trabajos que juega con el color y con el simbolismo de la malla, en la que se observa algunos emblemáticos agujeros.

Por su parte Núria Rosell ofrece un singular, elaborado y preciosista canto a la naturaleza, a los sentimientos y a su especial fragilidad, en sus obras: A flor de Pell (A flor de piel) y Fragilitat, realizadas en acrílico y cantos rodados sobre papel. Unas obras que exhiben gracia y sutileza.

Y finalmente Rosa Solano, inspirada en las composiciones geométricas de Mondrian, a las que ha aplicado cierto carácter oriental, tal como puede verse en su serie “Janga”, ejecutada en técnica mixta sobre cartón. Líneas rectas y colores primarios, a juego con distintos elementos que en conjunto, configuran una composición de equilibrio perfecto.

 

Sin lugar a dudas, 5 + 5, Un diàleg entre orient i occident es una muestra que donde el carácter artístico catalán, supera con creces un arte oriental, en este caso chino, que va a la búsqueda de un camino, que ya ha sido recorrido.

 

SETBA ZONA D’ART

Plaça Reial, 10-1r-2ª.

Barcelona

www.setba.net

 

FUNDACIÓ MIRÓ (Barcelona)

Taller de fotografía: EL VIAJE VIRTUAL



La Fundació Miró propone la creación de una narración fotográfica con el viaje como punto de referencia. La actividad comprende la realización de fotografías digitales y la navegación y selección  de imágenes de Googlemaps. Los participantes confeccionarán un diario personal de viaje, combinando ficción  y realidad.

 

Para jóvenes y adultos
Lugar: Fundació Joan Miró – Espai-Taller
Fechas (a escoger) : sábados 20 y 27 de Abril del 2013
Horario: de 10h a 14h
Precio:    18€ (Amigos de la Fundació: 9€)
Reservas:
De lunes a jueves de 10h a 13h al 934 439 479 o mandando un e-mail a
programa.educatiu@fundaciomiro-bcn.org


Plazas limitadas
Material: Incluido (los asistentes deberán traer una cámara digital o bien un móvil con cámara y un cable para  descargar las imágenes)

*La asistencia al taller incluye la entrada gratuita a la exposición Insomnia

 

 

Con la colaboración de:

SKY GALLERY (Barcelona)

Exposición MIGUEL ÁNGEL AYLLON: Entre lugares

La actividad expositiva de Sky Gallery no cesa. Del 4 al 28 de abril ofrece en su espacio expositivo la obra más reciente de Miguel Ángel Ayllon a través de la muestra: Entre lugares.

 

Para Ayllón: El arte y la pintura, han transmitido a lo largo de la historia el momento social, político y económico en que el artista trabajaba.

 

Detrás de cada obra hay un discurso más o menos fácil o complejo de leer sobre un periodo histórico concreto, una serie de cánones artísticos acordes en primer lugar con la naturaleza,  lo real y posteriormente con la crítica.

 

El artista estaba sometido a su entorno, a salirse, a correr el riesgo de ser desterrado al ostracismo. Su creatividad está supeditada a unas normas, a una forma de expresión impuesta por el estado, la iglesia, la academia y finalmente por el crítico.

 

La representación pictórica debía ser fiel reflejo de lo real, basarse en ello, so pena de no ser entendido y por tanto rechazado. El artista por tanto trabaja coartado de libertad que los demás le permiten, sin entran a discutir la belleza o falta de ella de la pieza.

 

Es más, por el hecho de ser reflejo de lo real, la cosa era de por sí bella en sí misma

 

SKY GALLERY ARTS - GALERIA DE ARTE
c/ Cabestany, 10

Barcelona


www.skygalleryarts.com

 

FUNDACIÓN FRANCISCO GODIA (Barcelona)

Exposición: EL MUSEO DEL PRADO Y LOS ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS

 

Las OBRAS seleccionadas JAMÁS superarán a los clásicos

En una época de decadencia como la que vive la sociedad actual: moral, económica y humanística, algunas exposiciones artísticas y las razones que las motivan, también reflejan de manera singular, el crepúsculo imaginativo en sus planteamientos, y consecuentemente, los pobres resultados obtenidos que en ocasiones se obtienen.

 

La FUNDACIÓN FRANCISCO GODIA y su exposición: EL MUSEO DEL PRADO Y LOS ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS que hasta el próximo mes de mayo podrá visitarse, pagando religiosamente el importe correspondiente a la visita de la muestra temporal y la exposición permanente – algo absolutamente incomprensible, si sólo se desea contemplar una de las exhibiciones – es un claro ejemplo de cómo al amparo de suculentas subvenciones públicas, disfrazadas de fundaciones privadas, ofrecen al ciudadano de a pie unas exposiciones en realidad carentes de interés, en base a la manipulación de nombres de personajes o instituciones de prestigio.

¿Quién no podría caer en la tentación al leer “Museo del Prado”, que puede visitar una muestra de obras escogidas, y la triste y cruda realidad es que se encuentra con una pseudo-visión y posterior plasmación “artística” más que dudosa?

 

Pues querido y desconocido lector de Cuadros de…, esto es lo que exhibe un estamento de tanta reputación como la Fundació Francisco Godia.

 

Según el programa de mano de la muestra: Los museos son los garantes de nuestra memoria, pero sólo cumplen con su destino cuando las obras en ellos conservadas, son objeto de reflexión por parte de cada nueva generación. ¿Realmente es analizar y meditar en excelsa profundidad que  Eva Lootz, plantee el arte del bodegón con una fotografía de dos magníficos ejemplares de vulgaris pollo y las letras del virus de la gripe aviar?

¿O que decir de Cristina Rodero, que utilizando el cuadro Ofrenda a Flora de Van der Hamen, figura crucial en la creación del bodegón español, así como la pieza La Sagrada Familia, del mismo autor, la “artista” se limita a utilizar la rectilografía, colocándose de frente y de perfil? Lo más surrealista de todo es lo que indica el catálogo: Es como el súbito encuentro entre la documentación y el arte, o, si se quiere, el arte como documento y el documento como arte: un cruce de caminos donde Cristina García Rodero nos emplaza para ir, no más allá de lo que vemos, sino más adentro de lo que somos. Ladies & Gentleman, tan solo se trata de una fotografía corriente colocada delante de una maravillosa obra de ARTE.

O Blanca Muñoz y su especial visión de las Gorgueras, las piezas onduladas que llevaban los caballeros del Renacimiento: El texto del catálogo no tiene pérdida: Gorguera I de Blanca Muñoz, es de una estriación como emplumada, cada una de cuyas radiantes lengüetas forman un collar curvo, sobre el cual vibra un haz de radios metálicos parabólicos, que destilan sus fugaces brillos como si fueran hilos acuáticos de una fuente, tanto más prodigiosamente visibles cuanto danzan sobre un fondo negro impenetrable.

 

El espectador ve lo que ve: el dibujo de una gorguera envuelta en alambres.

Al igual que la descarada imitación de Gustavo Torner a la obra de Mark Rothko, inspirándose en el Santo Domingo de Silos de Bartolomé Bermejo, y atención no se lo pierdan: ¡¡¡ LA OBRA DE GUSTAV KLIM !!!, que el texto del catálogo justifica con la palabra VERDAD, que en griego significa: “desvelamiento” o “revelación”: …Esta analogía, insólita desde una visión positivista de la historia, no necesita justificarse documentalmente, porque instituye una verdad, hace patente algo, es una ocurrencia creadora.

 

SON DOS SIMPLES OBRAS REALIZADAS EN COLOR AZUL Y EN ROJO, tal como se observa en la fotografía, algo totalmente superado en la segunda década del siglo XXI. Y no hay que justificar más.

Y para terminar este conjunto de desatinos – del que tan sólo hemos realizado una pequeña selección, puesto que el 95% de la obra expuesta dispone de este calificativo - hacemos referencia a Ouka Leele, fotógrafa de prestigio, que ha decidido colocar una bailarina encorsetada con un miriñaque delante del cuadro de Las Meninas de Velázquez, o una mujer desnuda enfrente del Juicio de Paris de Rubens. Según el catálogo: Leele, no solo ha utilizado el viejo recurso narrativo de la animación del cuadro –dando vida a una de las figuras pintadas–, sino que esa animación virtual se ha concretado con la actuación de una bailarina, cuya acción replica con su movimiento el grávido estatismo de su modelo y lo interpreta adornando su cuerpo desnudo con un fetiche significativo: el miriñaque o una interminable melena.

Susana Solano

Sr. Comisario de la muestra, catedrático de Historia del Arte Francisco Calvo Serraller, no busquemos sentido a lo que en realidad no lo tiene; no todo vale ni es relativo. Se trata de estropear bellas obras de arte con pastiches, sean  fotográficos o pictóricos, al que Usted y quienes han organizado esta exposición, pretenden dar explicaciones a un público, actualmente muy reticente a visitar exposiciones, a excepción de los macro-museos, precisamente a causa de muestras como la que nos ocupa –que con su mirada, no puede ver más allá de lo expuesto, porque sencillamente, no hay “más cera que la que arde”, y sus magníficas disertaciones parecen venir de otro planeta, a pesar de la presentación del Duque de Soria, y el entusiasmo de “Japan Tobacco Internacional”, a quienes han sabido enredar como chinos.

 

Una mediocre y fácilmente olvidable exposición, copia empobrecida de la que actualmente exhibe CAIXAFORUM BARCELONA, donde la selección ha sido esmerada y el conjunto artístico imponente, y del que oportunamente se realizaran los comentarios.

 

Si casi en su totalidad, la muestra es infumable, hay un 5% que esta crítico de provincias si merece especial atención, por la visión y el desarrollo que los artistas les han dado.

 

Muy interesante y sinuoso resulta Andreu Alfaro y su visión de las Tres Gracias de Rubens, a través de simples trazos, pero que recuerdan perfectamente la situación de las rollizas Gracias; excelente la simbiosis que Soledad Sevilla ha realizado de Hipomenes y Atalanta de Guido Reni. Atalanta, la mujer cazadora de la mitología griega, de gran habilidad con las armas y quien debido a estar consagrada a Artemisa, sólo podía tomar por esposo quien la ganara en una carrera. Ese fue Hipomenes. Los cuerpos desnudos, fuertes y atléticos de los personajes mitológicos, enfrentados en una carrera a muerte, al igual que el toro y el torero, luchando por vencer desde sus respectivas posiciones: inteligencia y fuerza.

No deja de ser siempre interesante contemplar la obra de Miquel Barceló, que si bien no es comparada con ninguna en concreto, el artista bebe de las fuentes pictóricas del Prado para la plasmación de sus obras, aunque no se exhiba una de sus mejores obras, como también son más que cuestionables los trabajos de Chillida y Ràfols Casamada e incluso Antonio Saura. No son obras de sus mejores tiempos.

Resulta provocativa la obra de Manuel Rivera, que a través de complicadas telas metálicas introduce al espectador en una singular visión del mundo de silencios y encierros de Zurbarán. Isabel Quintanilla es la más academicista de todas las obras presentadas, ofreciendo al espectador su particular versión de las Meninas de Velázquez – Zurbarán y Velázquez forman el contexto histórico-artístico inspirador de los artistas contemporáneos - a través de una niña actual, de hierática mirada, a la que le es ofrecido un simple vaso de cristal con agua. Interesante y reflexiva perspectiva, al igual que Carmen Calvo y su singular visión de la obra goyesca, enraizada con lo atávico, o lo misterioso.

En conclusión puede decirse que se trata de un disparate expositivo, que confunde al espectador o posible visitante, donde se ha dado cancha a personajes de dudosa calidad artística, pero es de suponer que bien colocados en ciertos ámbitos, que conviven con otros que han sabido emplear imaginación, técnica y plasmación.

La exposición, que permanecerá abierta hasta el próximo mes de mayo, y se complementa con tres conferencias los días 3, 10 y 18 de abril a cargo de Francisco Calvo Serraller, comisario de la exposición, Naia del Castillo y Cristina Iglesias, artistas.

 

FUNDACIÓN FRANCISCO GODIA

C/ Diputació, 250

Barcelona

www.fundacionfgodia.org

SALA DALMAU

 

vCOLECTIVA ABRIL-2013

 

 

La Sala Dalmau presenta durante todo este mes de abril, una muestra colectiva con obra de sus artistas más representativos, procedente de su fondo de galeria.

 

M. Belzunce, L- González, V. Lasheras – J. Lapuente – L. Leguey – M. Peña

 

Nombres de prestigio dentro de las vanguardias del siglo XX, y de los que esta reconocida sala de arte ha sido su máximo exponente.

 

 

SALA DALMAU

C/Consell de Cent, 349

Barcelona

 

www.saladalmau.com

ESPAI ARTGENT - Argentona (Barcelona)

ANTONIO REYES: PINTURA DECORATIVA

Los grandes expertos, muchos críticos o profesionales del arte desprecian la llamada “pintura decorativa”, aquella en artista se complace en pintar tanto lo que le place, como lo que demanda la clientela; es decir, realiza una pintura comercial, al servicio de los gustos de un talante concreto de comprador, que desea simplemente poner un cuadro para hacer bonita una pared o dar realce a unos muebles. Una opción tan válida y tan a tener en cuenta como la de los más irresistibles coleccionistas, puesto que en origen, el ARTE era la excusa perfecta para ornamentar casas y palacios.

ANTONIO REYES, carpintero de profesión, andaluz de nacimiento, residente en Granollers y autodidacta en la pintura, ofrece en el ESPAI ARTGENT de Argentona, una exposición de sus creaciones más recientes, bodegones y paisajes naturales principalmente.

 

Con respecto a las naturalezas muertas, se muestra correcto en las formas y en la composición, pero excesivamente encorsetado en cuanto a plasmación y resultado final. Hay cuidado en los detalles, minuciosidad y pulcritud en la pincelada, una gama de colores básica, sin excesivas elaboraciones, y un juego lumínico brillante. A destacar su laboriosidad, y su disposición a tratar diferentes temáticas.

 

Mucho más ágil y natural se muestra en los paisajes, especialmente los más boscosos, realizados dentro de un estilo conservador, muy decorativo y vital, con una paleta intensa, con interesantes derivaciones, composición estructural correcta, resultando una pintura decorativa, realizada con dignidad, apta para un público sin pretensiones, que desea simplemente guarnecer un espacio con una obra que les llene de vida. Nuevamente insistimos: que es una opción tan apreciable como cualquier otra.

 

La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 3 de mayo.

 

L’ARTGENT –Restaurant i Espai d’art i cultura

Pancho Tennis Club SL

Crta d’Argentona a Mataró Km 2,4

ARGENTONA

 

http://www.artgent.cat/

 

MUSEO ARXIU DE LLAVANERES (Barcelona)

 

PERE MÀRTIR BRASÓ – MANUEL CUSACHS:

DOS ESTILOS DE FIGURACIÓN

Mataró visita la población de Sant Andreu de Llavaneras, y concretamente su Museu Arxiu, no sólo gracias a la excelente comunicación viaria, sino a través de dos artistas muy diferenciados estilísticamente, pero que en esta ocasión han coincidido con la figuración, y curiosamente, dentro de un talante que roza cierto academicismo: PERE MÀRTIR BRASÓ y su muestra DE PEDRES i BÈSTIES (De piedras y bestias), y un delicioso y exquisito TASTET (Degustación) del reconocido escultor y pintor MANUEL CUSACHS.

Brasó ofrece una exposición zoológica, realizada en técnica mixta sobre papel o tela, y formato grande - que evidentemente no pretende hacer un estudio exhaustivo de las características morfológicas de los animales en cuestión, sino todo lo contrario: presenta una visión metafórica del ser humano, en base a la siempre fría neutralidad del fondo blanco - aunque se le considere el color de la perfección - y un dibujo perfectamente definido, con algunas concesiones al minimalismo, y con un juego cromático austero pero significativo.

Una muestra que se podría calificar de "tierra - espacio", pues algunas de las piezas expuestas se refieren a la particular visión del artista - que en todas ellas expresa un sentido del humor corrosivo - sobre otros planetas o universos, que pueden hacer pensar en el origen de las especies - incluido el hombre como tal, sin ser sapiens- y el entorno espacial que la rodea, siendo la soledad el constante nexo de unión del conjunto expositivo,  con ciertas connotaciones kafkianas en algunos trabajos, plasmando siempre una lucha desaforada por la vida biológica, y una existencia más equilibrada.

Por su parte, Manuel Cusachs, deleita al espectador con una serie de dibujos realizados con lápiz de color azul principalmente, alguna acuarela o tinta, donde sensualidad y erotismo se ponen de manifiesto, de una manera elegante, a veces simbólica incluso onírica, a través de un trazo dúctil y ligero y casi volátil. Una delicatessen visualmente encantadora, y por qué no, suculenta donde el maestro Cusachs hace gala también de fina ironía.

 

MUSEU ARXIU

Can Caralt – Carretera de Sant Vicenç, 14

SANT ANDREU DE LLAVANERES (Barcelona)

 

www.peremartirbraso.com
http://www.sinera.org/m_cusachs/index.htm

 

SALA DE CONFERENCIAS Y EXPOSICIONES DE EL CORTE INGLÉS (Barcelona)

CARME BOIXADÓS: LA AVENTURA DE EXPONER

Para una artista con inquietudes y deseos de ofrecer su arte al mundo, es importante conocer, indagar, experimentar y buscar fuentes de inspiración de todo tipo, con el fin de plasmarlo en una obra personal e intransferible… única. Sin embargo, durante el periodo de búsqueda e investigación, es necesaria la prudencia y un sentido crítico, antes de lanzarse a una exposición, y al veredicto, directo e indirecto del público, que puede resultar implacable.

 

CARME BOIXADÓS lleva el afán artístico en sus venas, y a través de su obra vemos que se trata de una artista con grandes inquietudes, con deseos de transformar en arte la realidad que la envuelve, con anhelo de ofrecer lo mejor de sí misma.

Hasta el próximo 5 de abril, expone buena parte de sus trabajos más recientes bajo el título VENTANAS AL PASADO, en la Sala de conferencias y de exposiciones del Corte Inglés en Barcelona. Una sala polivalente, pero no excesivamente adecuada para la exhibición de obra – las sillas para las presentaciones impiden una correcta contemplación de las piezas – por lo que resulta lamentablemente difícil poder colocar obras, y poderlas mostrar en toda su dimensión.

Ventanas al cielo

A pesar de los inconvenientes reseñados, la obra de Boixadós es de una densidad y variedad absoluta: pintura, fotografía, técnicas mixtas, resaltando piezas de carácter abstracto, con potencia de expresión en manejo del pincel y en los gestos, junto con una gama de colores heterogénea y cautivadora, en contraste con otras realizadas en dibón y pintura, por ejemplo: Ranas, o Vientos en el horizonte (vinilo y pintura), Estrellas en el cielo, Naranjas, que si bien demuestran originalidad de planteamiento, el resultado es muy desigual.Su factura es un tanto indefinida y con ciertas limitaciones. No obstante, Ventanas al cielo experimenta con geometrías, dando lugar a una obra no exenta de sugerencias un tanto claustrofóbicas, en contraste con el título de la obra, mientras que Ventanas hacia el pasado lo hace dentro de un estilo más academicista, pero en base a un sentido más surrealista, donde color y luminosidad planteam un interesante juego divergente.

Sin Km.

Respecto a la fotografía, los trabajos Señalización y Sin Kms., manifiestan imaginación, siendo el sentido crítico o significado de las piezas el objetivo final, mientras que a nivel técnico: luces-sombras, encuadre, etc., las modernas técnicas de captura y retoque de imágenes, permiten enfrascarse en el contenido, desplazando al continente.

 

La exposición de Carme Boixadós es una muestra absolutamente barroca por la variedad de conceptos expuestos, atrevida sin lugar a dudas, y donde la personalidad de la artista una experimentadora nata a quien le encanta lanzarse a la aventura, se muestra abierta, decidida y enérgica.

 

SALA DE EXPOSICIONES Y CONFERENCIAS DE EL CORTE INGLÉS

Avdga. Portal de l’Àngel, 19 –Planta 6ª

Barcelona

 

 

www.carmenboixados.com

 

Bodegas Roda celebra su 25º aniversario con una exposición del ciclo Maridajes

que reúne 50 fotografías de los grandes  fotógrafos españoles y portugueses de la colección de la Fundación Foto Colectania.

 

Chema Madoz y Paco Gómez

El ciclo de exposiciones Maridajes, que arrancó en el año 2007, pretende aunar la obra de dos fotógrafos, cuya visión del mundo y su interpretación de la imagen crea una combinación perfecta, como la que se obtiene maridando un plato con una copa de vino. La idea es establecer puntos de contacto entre las obras de distintos fotógrafos, que pertenecen a los fondos de la Fundación, creando un juego de resonancias que remite a la perfecta combinación de dos elementos. Con esta iniciativa, las Bodegas Roda se han convertido en un punto de interés cultural para los amantes de la fotografía y el vino. 

Cristina García Rodero - Inês Gonçalves

En esta ocasión y para concluir el ciclo de exposiciones “Maridajes”, Foto Colectania ha seleccionado las parejas de obras más representativas de los fotógrafos españoles y portugueses que han participado en las once anteriores ediciones del ciclo. Estas parejas fotográficas, que podrán verse desde el 19 de abril hasta finales de octubre, combinan a dos autores, generando resonancias tanto entre las imágenes representadas como entre el espíritu de ambos. 

Gerard Castelo Lopes - Antonio Martín Sena da Silva

Maridajes seleccionados:

 

Cristina García Rodero (Puertollano, Ciudad Real, 1949) - Inés Gonçalves (Málaga, 1964)

 

Alberto García - Alix (Madrid, 1956) - Joan Colom (Barcelona, 1921)

 

Humberto Rivas (Buenos Aires, 1937 – Barcelona, 2009) - Ferran Freixa (Barcelona, 1950)

Gabriel Cualladó (Massanassa, 1925) - José Miguel de Miguel (Cartagena, 1916 – Valencia, 1988)

Xavier Miserachs (Barcelona, 1937) - Francesc Català-Roca (Valls, Tarragona, 1922 – Barcelona, 1998)

 

Chema Madoz (Madrid, 1958) - Paco Gómez (Pamplona, 1918 – Madrid, 1998)

 

Gérard Castello-Lopes (Vichy, Francia, 1925 – París, 2011) - António Martín Sena da Silva (Lisboa, 1926)

 

Cristóbal Hara (Madrid, 1946) - Rafael Sanz Lobato (Sevilla, 1932)

Nicolás Muller (Orosháza , Hungría, 1913) - Juan Manuel Castro Prieto (Madrid, 1958)

 

Ramón Masats (Caldes de Montbui, Barcelona, 1931) - Ricard Terré (Sant Boi de Llobregat, Barcelona, 1928 - Vigo, 2009)

 

Paco Gómez (Pamplona, 1918 – Madrid, 1998) - Jorge Guerra (Lisboa, 1936)

La última edición del ciclo Maridajes nos acercó a la ciudad de San Sebastián de finales de los 50 bajo la mirada de Paco Gómez, y a la de Lisboa de 1967, a través de la cámara del portugués Jorge Guerra. Ambos fotografiaron su proximidad y ello les permitió sacar una atractiva mirada que profundizó en el conocimiento de su mundo más cercano.

 

BODEGAS RODA

Avda. Vizcaya, 5. Barrio de la Estación

26200 Haro (La Rioja)

Tel. 941 30 30 01

www.roda.es

LA GENERALITAT DE CATALUNYA, EL AYUNTAMIENTO DE BARCELONA, EL MNAC, CAIXAFORUM y

FIRA DE BARCELONA, PROMOVERÁN UN GRAN ESPACIO CULTURAL CONJUNTO EN MONTJUÏC

El alcalde de Barcelona, Xavier Trias; el conseller de Cultura, Ferran Mascarell; el presidente del Museu Nacional d'Art de Catalunya, Miquel Roca; el presidente de "la Caixa" y de la Fundación "la Caixa", Isidro Fainé; y el director general de Fira de Barcelona, Agustí Cordón, firman un acuerdo de colaboración para la promoción conjunta de una gran área museística en la montaña de Montjuïc.

 

El acuerdo supone el impulso de un gran complejo dedicado a la cultura aprovechando la concentración de equipamientos museísticos y culturales de primer orden internacional: Museu Nacional, CaixaForum y Fundación Mies van der Rohe. El proyecto prevé contar con los pabellones de Alfonso XIII y Victoria Eugenia, gestionados hasta ahora por Fira de Barcelona, ​​para destinarlos a finalidades museísticas.

Está prevista una actuación de gran relevancia en la ordenación urbanística de Montjuïc para incidir en su excepcionalidad como montaña de los museos, del ocio y del deporte, a partir del análisis encargado por el Ayuntamiento de Barcelona al arquitecto Josep Lluís Mateo.

 

El objetivo es trabajar para desarrollar el proyecto que haga de Montjuïc la montaña de la cultura, impulsando la futura "Explanada de los Museos", y que pasará también por la programación, comercialización y proyección internacional de forma coordinada.

 

Teniendo en cuenta la visión estratégica que comparten la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona, la Obra Social "la Caixa", el Museu Nacional d'Art de Catalunya y Fira de Barcelona, las cinco partes han firmado un acuerdo de colaboración para promover de forma coordinada e integral este conjunto cultural.

El acuerdo se sustenta sobre una nueva calificación urbanística definida para el nuevo recinto. El objetivo es permitir la ocupación adecuada con el nuevo uso de la zona y llevar a cabo una urbanización pertinente que engrane cada uno de sus espacios con su entorno y que permita una mejor conexión con la ciudad.

 

Las partes firmantes podrán constituir un ente que lidere el proyecto, concrete usos, defina etapas, y promueva la transformación del conjunto del recinto. Además, este debe poder coordinar en un futuro su programación, comercialización y proyección internacional.

 

Departamento de Comunicación de la Obra Social "la Caixa"

http://www.lacaixa.es/obrasocial

 

ATENEU CAIXA LAIETANA (Mataró)

NOEMÍ CARRAU: STRAVAGANZA VENECIANA

 

El gran nombre de Venecia, Civitas Veneciarum, que empezó a forjarse en el siglo X, sigue siendo en la segunda década del siglo XXI, una ciudad de indiscutible atractivo, por simbolizar el máximo esplendor del Renacimiento, tanto en su contexto histórico como artístico. En este último apartado, sin lugar a dudas, la Serenissima (República de Venecia), que otrora fuera una de las principales potencias económicas del mundo, fue y sigue siendo, fuente de inspiración para para gentes de todas las artes, en todo el orbe.

NOMEÍ CARRAU, una joven artista nacida en Vilassar de Mar (Barcelona) en 1987, especializada en diseño gráfico, presenta en el ATENEU CAIXA LAIETANA una muestra inspirada en la capital del Véneto, bajo el título de: Un nàufrag a Venència (Un náufrago en Venecia), una exposición singular, realizada con modernas técnicas informáticas y plasmada en distintos soportes – lo que permite una ostensible reducción de costes y ofrecer precios ajustados - que brinda una visión tupida e intrincada, un tanto expresionista, como si de una película de Fellini se tratase, siendo el negro color de fondo el denominador común de la misma.

Carrau se inspira en una Venecia menos turística – sin huir del todo de ella – pero más costumbrista, más soñadora, más vibrante, y alucinante. La artista, escabulléndose de unos arquetipos artísticos demasiado conocidos, presenta una imagen menos “Serenissima” y mucho más “Stravaganza”, a través de una estructura muy recargada y estrambótica, lo que invita directamente al espectador a recrearse en un universo extraño, un tanto morboso y por supuesto onírico, dentro de un sugerente atavismo.

 

La muestra se complementa con una puesta en escena un tanto dispar, pero que sabe atraer al público a visitar la misma, huyendo en algunos ámbitos de la magico o de lo extravagante, para centrarse en la realidad de una Venecia inundada por las aguas en invierno, excesivamente visitada por turistas, en contraste con el misterio de las figuras del carnaval o la tranquilidad de un paseo en góndola. Una escenografía típica y tópica del talante veneciano.

La artista aprovecha la exposición para mostrar buena parte de su línea de trabajo (libros de autor, estampación de camisetas, etc.,) y presentar algunos trabajos del fotógrafo alemán Matthias Scholz, invitando además al público al sorteo de una de sus obras.

 

En conjunto una exposición no exenta de excentricidad, no exenta de curiosidad y con visión de marketing.



ATENEU CAIXA LAIETANA

C/ Bonaire, 3-5

Mataró

 

www.nacasona.net

TALLER y CURSOS EN LA FUNDACIÓN RODRÍGUEZ - AMAT

TALLER DE CESTERÍA

 

La Fundación Rodríguez-Amat organiza un taller de artesanía del mimbre.

 

El taller que será impartido por Marta Penina, interiorista, pintora y artesana del mimbre, tiene una duración de 10 horas repartidas entre el sábado, mañana y tarde, y el domingo por la mañana del fin de semana 8 y 9 del mes de junio.


Se realizará en el estudio-taller de la Fundación Rodríguez-Amat, situado en la tercera planta del edificio, compuesto por dos salas con un total de 190 m2 de superficie.

 

El taller de cestería consiste en hacer una cesta con base redonda de cruz y borde plano (ver imagen adjunta).

 

El precio del taller es de 80 Euros con el material incluido.

Los participantes deberán llevar tijeras de podar afiladas y una navaja.

 

Si se desean datos complementarios, puede contactarse directamente con Marta Penina a la siguiente dirección de correo electrónico: marpenina@gmail.com

 

CURSOS DE GRABADO Y ESTAMPACIÓN

EN LA FUNDACIÓ RODRÍGUEZ AMAT

 

 

La FUNDACIÓ RODRÍGUEZ AMAT organiza nuevamente sus dos cursos de técnicas de grabado y uno de Técnicas alternativas al aguatinta.

 

  • Un curso de iniciación al grabado y estampación.

En este curso nos iniciaremos en el grabado y las técnicas tradicionales y contemporáneas, combinaremos estas técnicas y desarrollaremos las diferentes posibilidades que la estampación nos da para modificar y enriquecer la obra gráfica

 

  • Un curso de técnicas alternativas al aguatinta: carborundo, aplicaciones del papel de vidrio y resinas con sprays.

 

La propuesta de este curso es dar a conocer las principales técnicas contemporáneas de la aguatinta: del aguatinta al azúcar al alcogravat en positivo y negativo. Además, trabajaremos la combinación de las resinas con la quemadura profunda y el gofrado, así como el uso de sprays y plantillas con las que conseguiremos transportar siluetas de objetos, efectos grafiti y degradados a la plancha.

 

Los cursos serán impartidos por el maestro grabador Sebi Subirós. (www.lupusgrafic.com )

 

Para más información:

 

FUNDACIÓ RODRÍGUEZ AMAT

Les Olives (Garrigoles), El Baix Empordà

(Girona)

 

www.rodriguez-amat.cat

fundacio@rodriguez-amat.cat

 

DESPACHO LIDER EN ESPAÑA EN TASACIONES DE ARTE

Arte Contemporáneo

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Marta Teixidó

Crítico de arte

CUALQUIER COMENTARIO, CRÍTICA O SUGERENCIA, PUEDEN SER REALIZADOS EN LA SIGUIENTE DIRECCIÓN DE CORREO ELECTRÓNICO.

 

mteixido62@gmail.com

 

PERFIL

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Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

http://cuadrosdeunaexposicin.blogspot.com/

 

Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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