Cuadros de una Exposición.com
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JEAN PAUL PERRIER ART GALLERY (Barcelona)

GERARD ROSÉS: COMBINACIÓN PERFECTA DE EXPRESIÓN ARTÍSTICA Y TRABAJO MANUAL

Ventana al Born . Paisaje alemán - Ventana modernista - óleo sobre cvartón-2010

Inmersos como estamos en la digitalización, pantallas táctiles, soportes de dúctiles, cristales líquidos y todo lo que tenga a ver con las nuevas tecnologías y la red de redes, las artes plásticas no lo tienen excesivamente fácil para presentar nuevas técnicas y temáticas, o simplemente plasmar ideas en soportes distintos. Pero, siempre hay alguna sorpresa.

 

La Jean Paul Perrier Art Gallery de Barcelona presento hasta el pasado 16 de noviembre la obra más reciente de Gerard Rosés en la exposición: Sin trampa pero con cartón, una muestra peculiar, absolutamente rompedora con ciertas tradiciones o visiones del arte, y con el criterio habitual de esta prestigiosa galeria, apostando por un concepto donde la manualidad impera, pero el elemento artístico domina.

Muchacha en la barandilla - Óleo sobre cartón

Las escenas, personajes, los ambientes o las situaciones pueden recordar al talante artístico de los hermanos Moscardó. Sin embargo, la expresión de Rosés es más mucho más cálida, incluso romántica, no exenta de ciertos toques de erotismo, mucho sentido del humor, y con claros intentos de experimentación.

 

El material de la obra es cartón ondulado, bastante duro, del que se utiliza para embalajes, y las obras están expuestas dentro de marcos de cristal o sin él, para dar mayores opciones al cliente.

 

Obras de todos los precios, medidas, formas – incluidas singulares esculturas – configuran un universo donde se consigue el efecto tridimensional curioso y singular, gracias a una paleta de colores alegre, muy vitalista, luminosa, trazos y pinceladas sueltas y ligeras, y con un juego lumínico resplandeciente.

El pintor y la modelo fumando. Óleo sobre cartón-Año 2000

Tal como hace mención Claire Gilly en el prólogo del catálogo de la exposición, de excelente calidad:

 

“Como una ventana abierta a la pintura, Gerard Rosés nos incita a pasar al otro lado del espejo. Sus cuadros son una invitación al sueño, donde el decorado entra en escena, para a veces salir del marco. Y si el artista utiliza el cartón para componer sus imágenes, es también para superar los límites impuestos por este soporte”.

 

Un comentario muy explicito ante una exposición versátil, apta para todos los bolsillos, innovadora en cuanto a planteamientos estéticos y sorprendentemente atrevida.

 

 

JEAN PAUL PERRIER ART GALLERY

C/ México, 5

Barcelona

 

www.jeanpaulperrier.com

GALERIA MARLBOROUGH (Barcelona)

Juan CORREA – Louise BOURGEOIS: Un tándem muy peculiar

Es curioso observar como la palabra Naturaleza, en sus esferas humana y paisajista, puede ser causa y origen de una exposición artística, sin que el espectador lo advierta, pero que el curioso percibe.

 

La galeria Marlborough de Barcelona ofreció hasta el pasado 14 de noviembre, una muestra curiosa y singular de los ámbitos mencionados, gracias a dos artistas dispares en temática, lejanos en el tiempo y pero cercanos a la realidad, en base a peculiares prismas.

 

Juan CORREA, a través de la muestra Superficie Acrisolada y la obra gráfica de Louise BOURGEOIS, ofrecen una perspectiva atractiva y sugerente:

 

El primero a través de una visión de la Naturaleza densa y vital, de absorbente plenitud, gracias a un planteamiento temático y técnico plagado de elementos vegetales, a través de una gama de colores entre terrosos y verdes, tratados en base a diversidad de texturas.

Joyas Congeladas (2012) - Resina y pigmentos sobre tela y s/tabla

Una obra contemplativa, extrañamente relajante, ausente de brusquedades o fanatismos, pero colmada energía positiva, y a la vez de sosiego. Una abstracción que atrae y atrapa, como si de un culto mitológico, celta o druida, se tratase. Un canto a la Naturaleza ancestral desde el siglo XXI, utilizando técnicas  que logran apariencias determinadas (la de la pintura al fresco, mezclando acrílico y polvo de mármol), dando como resultado una obra de de llamativa presentación y misteriosa simbología.

 

Juan Correa, nacido en Madrid en 1959, vive y trabaja entre la capital de España y Pedraza (Segovia). Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de San Fernando en Madrid, y a lo largo de su carrera ha participado y participa en numerosas exposiciones, formando su obra parte de importantes colecciones privadas y públicas como la Colección Telefónica o la del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

Coupples (2001) - Litografía

Respecto a Louise BOURGEOIS, se inclina por la Naturaleza pasional y sexual, por medio de la ironía y el espíritu crítico. Las obras  evidencian cómo el psicoanálisis intervino en el pensamiento de la artista, y cómo el diálogo con  ese discurso creó un universo emocionante sobre la compleja, conflictiva, y sutil vida contemporánea

 

Una muestra donde afloran a la superficie los temas que obsesionaron a Louise Bourgeois a lo largo de su vida, tratados de forma exhaustiva, sin ninguna concesión, con la distancia de la experiencia, cuestionando o dando testimonio de una vida y de una obra que dejarán su marca indeleble sobre el siglo XX. El mundo interior, el de las relaciones familiares, el lugar del padre, la madre, la hija y la esposa están tratados de manera singular, propia y personal, y convierten a Bourgeois en un ícono de los temas más trascendentales del siglo XX.

Eight in Bed (2000) - Litografía-

Louise Bourgeois (París, 1911-Nueva York, 2010) es sin duda una de las más relevantes creadoras del siglo pasado. Crece rodeada de tapices, en el taller de restauración que regentaba su familia. En París recibe su primera formación artística rodeada ya de grandes nombres. Años después, se traslada a Nueva York donde trabaja hasta su muerte. Su obra se mostró en contadas ocasiones hasta que, en 1982, el legendario MoMA le dedica una gran retrospectiva –la primera a una artista mujer-Tenía 70 años.

 

MARLBOROUGH Barcelona

C/ València 284, 1r 2ª A

Barcelona

 

www.galeriamarlborough.com/

ARTEVISTAS GALLERY (Barcelona)

LUCíA CRISTÓBAL: EL DESEO PICTÓRICO DE EXPRESAR EL MOVIMIENTO

 

A lo largo del siglo XX, y gracias tanto a nuevas técnicas como materiales artísticos, el pintor tiene fluidez y elementos necesarios para mostrar facetas de la vida, sea en un contexto imaginario, o en la realidad, que acercan al espectador a una visión de la cotidianidad, desde una óptica distinta a la de la mirada habitual.

 

Lucía Cristóbal a través de la exposición Momentos, que hasta el próximo 9 de diciembre presenta en la Artevistas Gallery de Barcelona, plantea una obra donde el movimiento es el protagonista, a través de una temática frecuente en la época actual.

 

Esa visión del paisaje que pasa con la velocidad de un automóvil, las hélices de un helicóptero que dan vueltas, el caballo cuando corre i la oscilación del jockey sujetando las riendas, un avión a punto de despegar, etc., son imágenes que el espectador tiene grabadas en su retina, a un nivel fotográfico o incluso cinematográfico, pero a nivel artístico, no es precisamente un trazado frecuente, sino que resulta interesante e innovador, a través de ciertas connotaciones de realismo, pero bajo el prisma de una figuración en agitación.

 

Sin embargo, el uso de una gama cromática monocorde, que si bien facilita esa sensación de movimiento, de cierta tridimensionalidad, y que en ocasiones, no está exento de un cierto aire bucólico, aparece ante el visitante como una obra cargada de apatía visual, de insistencia en extremo en azules claros y derivados, con tonos de grises, y manchas de negro, lo cual puede ser para el artista una nueva experiencia técnica, pero en una exposición, puede llegar a ser excesivamente denso.

 

Lucía Cristóbal demuestra un excelente dominio del dibujo, especialmente lineal, un planteamiento estructural acertado, con buen uso de la perspectiva, y sobre todo, un manejo del pincel suelto, ágil y enérgico.

 

Una muestra original en su proyecto, de desarrollo indeterminado, y de resultado un tanto confuso.

 

GALERIA ARTEVISTAS

Passatge del Crèdit, 4

Barcelona

 

www.artevistas.com

GALERIA COMAS (Barcelona)

JAUME LAPORTA: Bodegones y Paisajes

La Galeria Comas presenta desde el pasado 13 de noviembre y hasta el próximo 5 de diciembre a Jaume Laporta, en una exposición con dominio del paisaje, marina y bodegón.

 

Una obra enmarcada dentro del más puro clasicismo pero que emana singulares emociones, y de la que el crítico Josep Ma. Cadena dijo en su momento:

 

El trenzado de cuerdas marineras que dibuja y pinta Jaume Laporta, es tan misterioso y atractivo como el de la escalera de caracol que tenemos en nuestro interior, y que los científicos denominan ADN. Sus blancos barrocos, sus calados, sus figuras femeninas – una y varias a la vez – sus paisajes urbanos, monumentales y por esta razón, un tanto agridulces por todo lo que anda hacia una destrucción, de la lucha permanente entre la pureza del concepto y las imperfecciones que surgen de la misma existencia.

La belleza de las cosas sencillas y el sentido trascendente de las acciones que un día fueron habituales y que ahora parecen sorprendentes -por ejemplo, las manos de una mujer que cose o las cuerdas con nudos de una barca que, situada sobre la arena, cerca del mar, descansa de las duras labores de la pesca- son la base de la pintura de Jaume Laporta. Por eso las cito en primer lugar, pero a continuación tengo que decir que no son todas, ya que él es artista de amplio registro, de ambición siempre abierta a querer explicar el mundo en el que nos movemos e, incluso, el universo que nos rodea.

 

Y lo hace con decidida voluntad realista; es decir, diciendo las cosas como las vemos en sus formas externas, pero también como actúan en el amplio mundo en el que el pasado, el presente y la voluntad de futuro se juntan para crear conciencias relacionadas con los lugares de los que venimos, lo que somos porque así lo establecen nuestras particulares circunstancias y lo que, especialmente, creemos que podríamos llegar a ser. Porque en este apego a la realidad que hay en los aspectos formales de los cuadros de Jaume Laporta emerge, siempre potente, la inquietud de ir siempre más allá que define el sentido creativo dentro del arte.

 

GALERÍA COMAS

Passeig de Gràcia, 114 (Diagonal)

BARCELONA

 

www.galeriacomas.com

 

SALA D’EXPOSICIONS LA PRESÓ (Mataró –Barcelona)

NOU 20 ART – Exposición colectiva o CUANDO LOS ALUMNOS ABANDONAN LAS CLASES DEL MAESTRO

Los consejos y las opiniones de los maestros siempre son necesarios para el aprendizaje de cualquier materia, aunque en más de una ocasión y con el paso de los años se quedan relegados a cierto olvido, en una lejana nebulosa. El arte es tal vez el área, donde los alumnos desean volar con más facilidad, sabedores de sus conocimientos y anhelantes de mostrar sus obras. Pero aunque se lleve cierto tiempo dentro del circuito expositivo, no siempre significa que el resultado sea atractivo para exponer.

 

Bajo el nombre de Nou 20Art, grupo formado por 11 componentes, la mayoría de ellos proveniente del taller del desaparecido Pepe Novellas, se presentó el pasado 30 de octubre y hasta el 25 de noviembre, una exposición colectiva, con el anagrama del conjunto.

 

Obras absolutamente dispares en estilos, contenido, temática, plasmación, formato y técnica, lo cual es de agradecer, puesto que cada alumno ha escogido su particular camino de expresión artística, pero lamentablemente se aprecian desigualdades, sin apenas innovaciones en cuanto a ideas, con conceptos pre-concebidos en artistas, algunos de los cuales, exponen con demasiada frecuencia a un nivel local.

Quien realmente muestra un cambio absolutamente radical en su concepto de plasmación de la obra ha sido Jordi Santamaria. Desde su última exposición en Marzo de 2012 en el Espai Capgros de Mataró, donde ofreció una figuración académica, natural y sin excesivas pretensiones, con cierto toque de comicidad y una paleta de colores luminosa, intensa y brillante, ha pasado a un estilo completamente expresionista, Petita escena de platja, con un ostensible cambio de gama cromática, y un planteamiento menos definido en la figura, con predomino del color y del pincel, amplio y vehemente, resultando un conjunto de obra denso pero efectivo. Una obra más intimista, cuyo juego cromático recuerda a su muestra “Entre copes” de hace unos años.

Jordi Jubany - Introspecció

Eva Casado presenta una abstracción que recuerda a los planteamientos técnicos de Mark Rothko en los años 60 del siglo XX. Sussi Vilaseca, excesivamente academicista, con unos bodegones frutales vistosos, realizados con sumo detalle pero que no atrapan al espectador, aunque este admire el trabajo realizado. Jordi Jubany sumerge al visitante en un cierto misterio, al exhibir una escultura como Introspecció, cuya austeridad e inexpresividad, rememora a las mascarás funerarias que en ocasiones, se realizaban a los difuntos célebres, para recuerdo y conservación de las facciones del rostro. Un diseño intrigante, no exento de morbosidad. Francesc Guiu muestra un paisaje urbano costumbrista de la ciudad de Mataró, Plaça Gran a través de una obra de estética clásica, planteamiento estructural correcto, vistosa y llamativa gama de colores, sin complicaciones y meramente decorativa.

Ana Caballero se mantiene dentro de los cánones de una abstracción vital intensa y vibrante, pero “déjà vu”, ya que recuerda muchísimo al Bernard Schulze de los años 90, y en algunas otras facetas a Willhem de Kooning en los 70. Sin embargo, es de destacar ciertas diferencias en positivo, en contraste con su exposición de esta pasada primavera en el Espai Cap Gros. Marta Serra ofrece una figuración muy espectacular, con una interesante elaboración de manos – uno de los miembros corpóreos más difíciles de pintar - y un toque de clásica abstracción. Obra de calidad, realizada en gama monocorde, con un acertado juego lumínico, pero de temática poco novedosa.

Daniel Lin y Carme Fageda, sus obras una al lado de la otra, simbolizan un perfecto contraste: un bodegón de estructura clásica, La taula de la Carmeta en claro homenaje a los artistas, realizado dentro de su peculiar y vehemente estilo, no exento de fuerza, pero al que ya nos tiene acostumbrados, mientras que Fageda se limita a una figura un tanto estrambótica, Sabates liles colorista, sin apenas definición de formas precisas. Tal vez es quien más recuerda a Josep Novellas, aunque en esta ocasión se aprecia una nueva experimentación, sin grandes resultados, … es de esperar que sólo por ahora.

 

Finalmente, Lali García presenta en formato díptico, un acrílico sobre papel, arrugado, en gama monocorde – naranja chillón – sin excesivo mérito para simular una superficie rugosa o rocosa, y Albert Tort ofrece una obra figurativa, L’Anunciació, título con claras referencias bíblicas, pero desde una vertiente malévola, radical, dura y outsider. Una obra donde destaca el título y el significado, más que el elemento artístico, de submundo urbano.

 

En conjunto una muestra sin grandes novedades, pero la constitución de un nuevo grupo artístico alberga como mínimo la esperanza de nuevas experiencias artísticas.

 

 

SALA D’ EXPOSICIONS LA PRESÓ

La Riera, 117

MATARÓ

 

http://www.associaciosantlluc.blogspot.com/

 

GALERIA ARTUR RAMON ART (Barcelona)

LA REVELACIÓN DE PIRANESI (I)

Comentaba en mi anterior artículo la coincidencia de dos exposiciones en tres ámbitos distintos, que tienen como nexo común el grabado.

Si en mi anterior crítica glosaba aspectos significativos de Rembrandt, en esta ocasión, mi respeto y admiración van dirigidos a un artista y arquitecto absolutamente desbordantes, lleno de impetuosa creatividad, y como genio, un gran incomprendido en su época: Giovanni Battista PIRANESI.

La ARTUR RAMON ART, acoge desde el pasado 4 de octubre y hasta finales de esta semana, la muestra Piranesi i el seu món, (Piranesi y su mundo), un conjunto de grabados y de objetos relacionados con la época i el proceso creativo del eminente arquitecto.

No es esta la primera ocasión que esta sala de arte, en la actualidad la galeria con más prestigio, e innovación de criterios de Barcelona, y con amplia proyección internacional, dedica monográficos a Piranesi. En los años 1990, 1992, 2002, 2004, 2006 y 2011, realizó sendas exposiciones distribuidas en diversas temáticas: Roma vista por Piranesi, Somnis de pedra (Sueños de piedra), Piranesi clàssic, etc.

Para esta crítico de provincias, que dentro de sus limitaciones conocía tan sólo por escasas referencias textuales y visuales a este interesante y copioso artista, ha sido absolutamente fascinante descubrir en toda su magnificencia a este arquitecto y grabador que durante sus escasos 58 años de vida (1720-1778), paso la mayor parte de la misma en Roma, donde grabó las construcciones y monumentos de la antigua ciudad, dejando más de 1.000 planchas de cobre, algunas de gran tamaño.

La selección que muestra la Artur Ramon Art es sencillamente exquisita, resplandeciente y cuidada al detalle, no solo por los grabados – más de 60 en diversas series - sino por el conjunto de piezas y objetos de la época que, estando a la venta, y al igual que los grabados, con precios aptos para muchos bolsillos, decoran el espacio expositivo. Pasearse por SALA DE ARTE, introduce al visitante al esplendor de lo que en Francia se llamó Ancien Régime, y que debido a la influencia “mediática” del país galo, con su archiconocido lema “Liberté, Egalité, Fraternité”, el espectador se olvida que otros países vivieron la misma época, y que gracias a Piranesi y su tarea de cronista en imágenes a través del grabado, se pueden observar desde reproducciones en plancha de edificios y paisajes hasta planos arquitectónicos, sin olvidar detalles arqueológicos de frisos, capiteles y columnas, todos ellos vestigios del desaparecido Imperio Romano.

La Artur Ramon Art combina a la perfección un Reloj piramidal francés del siglo XVIII, realizado en bronce dorado y mármol, con una Prospettiva dello stesso Delubro, un aguafuerte realizado en 1762; una Pianta di Roma e del Campo Marzio, aguafuerte también, pero del 1774 con “Quatre papers pintats: Apolo, Juno, Jupiter i Baco, una obra francesa del primer cuarto del siglo XIX, que en imitación del arte de la antigua Roma, no dejan de observarse ciertas reminiscencias barrocas. Pinturas al óleo de la Escuela Francesa, fechadas en 1779, con un Disegno di spoglie d’antichi… tav. IX. Antichità d’Albanbo e di Castel Gandolfo, otro aguafuerte fechado en 1764. Esculturas en mármol, bustos en bronce dorado de antiguos emperadores romanos, un proyecto de pebetero, etc. etc.

Una muestra que ha permitido a Artur Ramon, comisario de la muestra, culminar el estudio y recuperación de este gran maestro del grabado, de quien ofreció el pasado 8 de noviembre una conferencia con visita guiada por los 65 grabados, en base a las siguientes cuestiones: ¿Qué importancia tiene Piranesi en la cultura de su tiempo?, Como se expande su prodigiosa mente?, ¿Como ha influido en el mundo de hoy?

Sin duda alguna, la Artur Ramon Art ofrece tanto a clientes como visitantes, una perspectiva amplia, dinámica y didáctica del arte de todos los tiempos y estilos. Es más que una galeria que se dedica a vender obras; es un nuevo concepto, una visión distinta al margen de lo comercial, que a base de determinación y persistencia, es de desear que consiga captar nuevo público e incrementar el coleccionismo de arte, tan vilipendiado en los últimos tiempos.

ARTUR RAMON ART

Carrer de la Palla, 23-25

Barcelona

www.arturamon.com

 

COMUNICADOS DE ARTE

19 de NOVIEMBRE de 2012

MUSEU DIOCESÀ DE BARCELONA

REMBRANDT, LA VISIÓN DE UN PAÍS Y UNA ÈPOCA

A TRAVÉS DEL GRABADO

El pesador de oro (1639)

Sin que apenas nadie se haya percatado, Barcelona ofrece en varios espacios culturales, dos interesantísimas exposiciones de grabado: Pirenesi en l’Artur Ramon Art y en el Caixaforum, mientras que el Museu Diocesà de Barcelona, ofrece una magnífico Rembrandt, virtuoso del grabado, como así se llama la muestra.

 

Ambos genios del cincelado en plancha, procedían de distintos países (Italia y Flandes, respectivamente), y en absoluto eran coetáneos. Como se puede comprobar, Pirenesi (1720-1778) nació 1oo años después del holandés (1625-1669).

 

La exposición Rembrandt, virtuoso del grabado, ha sido posible gracias a la perfecta sintonía entre la Obra Social de Ibercaja y el Museu Diocesà de Barcelona. Compuesta por un conjunto de 68 estampas, realizadas entre 1630 y 1659, permite el acercamiento a una de las obras gráficas más genuinas, y a la vez, más decisivas de la historia artística de esta técnica. Rembrandt forzó al límite la técnica del grabado y de la estampación, consiguiendo efectos y resultados sorprendentes que demostraron, contrariamente a los rígidos grabados de sus contemporáneos, que con la técnica del aguafuerte podía plasmar con fuerza y espontaneidad tanto expresividad como reflexiones de talante más íntimo.

La expulsión de los mercaderes del templo (1635)

A Rembrandt le gustaba el aguafuerte por la similitud con el dibujo, y porqué sabía aplicar la técnica de la aguja con la misma facilidad y rapidez que con el lápiz.

 

Como puede comprobarse por esta muestra, su obra gráfica causa admiración, y ha sido – y es – fuente de inspiración para muchos artistas.

 

Los grabados que pueden contemplarse en esta exposición, recogen muchos de los temas que se encuentran en la mayoría de su obra pictórica: retratos, escenas bíblicas y religiosas, escenas costumbristas y personajes populares, etc. Todos ellos recogen sus deseos de experimentación artística.

 

Resulta de gran impacto contemplar El Descendimiento (Aguafuerte y buril realizado en 1633). Un Cristo maltrecho, mostrando un cuerpo inerte y falto de tendones. No hay misticismo, pero resulta una escena exultante. En general en sus obras religiosas no hay un sentido de éxtasis, sino un acercamiento a la realidad de su tiempo.

Coppenol (1658)

Interesante el contraste entre lo anteriormente expuesto y, el reflejo de la miseria y la desventura en Mendigo con pata de palo (Aguafguerte-1630) o Músicos ambulantes (1635), mientras que resulta curioso y sorprendente su grabado: El jugador de golf (1654). No cabe la menor duda que el trabajo con el buril en Estudio de desnudo y Mujer con niño (1646) es magnífico, único y tremendamente arriesgado, ya que huye del idealismo de las formas humanas, para mostrar todo lo opuesto: malformación y deformidad.

El jugador de cartas (1641)

Si bien la muestra recoge principalmente composiciones de figuras masculinas o femeninas, cabe señalar que hay un nada desdeñable Paisaje con una vaca bebiendo en un río (1646), que evidentemente es un “paréntesis” en la exposición, para acoger con mente abierta la visión que del retrato y de los personajes del mismo ofrecía Remdrandt. A destacar, por ejemplo, los retratos de su madre, o el de La negra blanca, como ejemplo. Y como paradigma de la miniatura en grabado: Anciano con la mano sobre los ojos. Un retrato de 138x115 milímetros. Ello demuestra lo que J.M. Martí Bonet, director del Museo Diocesano de Barcelona, indica en el prólogo del excelente catálogo de la exposición: “Rembrandt es el último eslabón del arte de la miniatura” (…) “Si Rembrandt es admirable por sus técnicas, lo es mucho más por su extraordinario sentido de la espontaneidad, mientras atendía cada detalle de forma escrupulosa (…) evolucionando en su última etapa hacía un estilo más sintético…”

 

Rembrandt fue un cronista de su tiempo; un retratista de la sociedad que le rodeaba, en todos sus ámbitos; un “reportero” gráfico de una visión de la sociedad, y de una época.

 

MUSEU DIOCESÀ – Monument de la Pia Almoina

Avdga. de la Catedral, 4

BARCELONA

 

e-mail:museudb@yahoo.es

FUNDACIÓ SUÑOL (Barcelona)

El significado del coleccionismo de ARTE

 

Alighiero Boetti - Mille novecento settantotto-1978

Con motivo de la celebración de los cinco años de la apertura al público de la Fundació Suñol, desde el pasado mes de septiembre y hasta el próximo mes de marzo de 2013, las instalaciones de la institución acogen la exposición: 5º Aniversario, una exhibición de parte de la colección de Josep Suñol, (compuesta por 1.200 piezas) en ocho ámbitos o temas, con la finalidad de ofrecer al espectador una nueva mirada: Rostros, Escrituras, Ensoñaciones, Cuerpos, Abstracciones y geometrías, Paisajes, Expresionismos y Resistencias.

 

Como en todo coleccionista, en general, la muestra expresa tanto el gusto, como las apuestas personales respecto al arte, por lo que el espectador se encuentra ante una colección absolutamente ecléctica, diversa, sin duda desconcertante, a veces extravagante, siempre sorprendente, pero también tiene la oportunidad de realizar un recorrido por el arte contemporáneo de las últimas décadas del siglo XX, que refleja tanto tendencias como divergencias, ensayos, innovación constante, un sentido más crítico del artista con el poder o el entorno, huyendo de la sumisión del arte para pasar a imponer sus criterios con mas fuerza que en otras épocas, pero no siempre con el acierto y la comprensión del público.

Zush - Zeyemax (1974)

Para Suñol, uno de sus artistas “fetiche” es Albert Porta, conocido desde 1968 como Zush, y que en la actualidad responde al nombre de Evru. Unas obras que reflejan algunos de los binomios característicos del artista, como la vida y la muerte, el hombre y la mujer o el placer y el dolor. Contienen símbolos, como los ojos, etc.

 

Como buen amante del arte y de su colección, Josep Suñol apostó por Guillermo Pérez Villalta, un pintor y escultor español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los artistas más representativos del posmodernismo en España. Algunas fuentes le incluyen en una corriente que llaman neomanierismo. Interior madrileño o la intriga (1970), que es la obra de la colección, es de fuerte colorido y luminosidad, y representa a unos personajes que se mueven dentro de una compleja escenografía teatral, que aúna el interior con el exterior.

 

Luis Lugan: Silla/bolas, Silla/luz y sonido (1976)

Subyuga sobremanera Home assegut (1986) (Hombre sentado) de Jaume Plensa, un dibujo al carbón plagado de una gran carga de potencia expresiva, dentro de un curioso e innovador estudio anatómico. La colección dispone de otras obras y esculturas de este autor, y en todas ellas emanan fuerza y contundencia, del mismo modo que las esculturas de dos sillas de Luis Lugán, Silla bolas/Silla luz (1976) que en apariencia invitan a la conversación, pero al estar realizadas en hierro, el espectador no deja de contemplarlas como extraños elementos de ejecución, del mismo modo que produce cierta aversión no exenta de morbosidad la obra de Miquel Navarro: Brazo-cactus (2001), fotografía sobre tabla.

Miquel Navarro - Brazo -cactus (2001)

Si bien la colección se ha distribuido en temas – a diferencia de la inaugural de 2007, que fue cronológica – puede decirse que abundan obras y autores de los años 70 a los 90 del siglo XX como Picasso, el fotógrafo Man Ray, Pablo Gargallo, Claudio Bravo, Tomas Gómez, Luis Gordillo, o Eduardo Arroyo del que se ofrece una curiosa visión del Servicio Secreto (1990). Sin olvidar obra de artistas catalanes como Joan Ponç, Antoni Abad del que el espectador puede contemplar una atrayente abstracción geométrica, a través de la fotografía como símbolo de la falta de libertad: Esclava (1990), o un apuesta por un artista multidisciplinar como Antoni Miralda y su amalgama de chatarra titulada Vespa (1990), una pieza anclada en un contexto social y político, a modo de trabajo de observación "sobre el terreno", que roza la etnología, es testimonio y herramienta a un tiempo de la deconstrucción de prejuicios y esquemas formales prexistentes.

Equipo Crónica: La rendición de Torrejón (1970)

La exposición se compone de cerca de un centenar de pintores, escultores, grabadores, etc., entre los que también se encuentran: Salvador Dalí, Juan Genovés, Rafael Canogar, Miquel Barceló, Joan Hernández Pijuan, el Equipo Crónica, (R.Solbes – M. Valdés),con su particular visión de la Rendición de Breda de Velázquez, pero bajo el título de la Rendición de Torrejón (1970) donde a través del Pop Art, se realizaba una critica valiente y socarrona sobre la cesión de terrenos para las bases militares norteamericanas en España.

 

Tan sólo han sido mencionados unos cuantos artistas, con comentarios sobre algunos de sus trabajos, como exquisito ejemplo de degustación de una muestra, que exhibe la pasión por el arte y el afán de coleccionismo de Josep Suñol, un legado para futuras generaciones, que quieran saber y comprender lo que ha significado el arte del siglo XX, su transformación y tal vez, su actual estancamiento.

 La exposición se complementa en el Nivell Zero de la Fundació Suñol con ACTO 24: Documentos y memoria. Archivo de la Colección Josep Suñol, una muestra que recopila material escrito y gráfico de las cinco últimas décadas del panorama del arte y la cultura. El Nivell Zero se convierte en un espacio  de consulta histórica y crítica de los acontecimientos que tuvieron lugar entre 1968 y 2012 y, para documentarlo, presenta una extensa cronología y una selección de libros, catálogos y noticias de prensa de ese período, así como el archivo visual que durante estos años
Josep Suñol fue reuniendo mientras configuraba su colección de arte contemporáneo.
 

FUNDACIÓ SUÑOL

Passeig de Gràcia, 98

Barcelona

 

www.fundaciosunol.org

FRANCESC MESTRE ART (Barcelona)

LOS MAESTROS DEL TBO

 

 

El amig@ y a la vez mayoritariamente desconocid@ lector@ de esta web, puede pensar que llamar “Maestros” a los dibujantes del TBO, es tal vez atrevido e incluso cuestionable, pues de todos es conocido que el “álbum humorístico”, iba principalmente destinado al público infantil.

 

Craso error, le advertiría esta crítico de provincias, puesto que la palabra maestro procede del latín “Magister”, y en la antigua Roma designaba, a una persona que tenía poder o autoridad sobre otras.

 

En la actual Catalunya y en galeria FRANCESC MESTRE ART de Barcelona, la autoridad y maestría de los dibujantes del TBO es indiscutible, y desde el pasado mes de octubre dio comienzo un ciclo de exposiciones, titulado Il·lustradors il·lustres (1) el TBO i els seus dibuixants. Un merecido homenaje, a caricaturistas expertos, amantes de su trabajo y, por supuesto, del ARTE, con un gran sentido del humor… y en más de una ocasión, con tristes historias en sus vidas, que jamás reflejaron en sus viñetas.

Con el paso de los años, el TBO ha dejado de ser considerado como un magazine para niños - que en realidad leyeron y siguieron muchos adultos durante más de cuatro décadas del siglo XX -, llegando en la actualidad, a ser objeto de culto, de búsqueda y coleccionismo, debido tanto a su desaparición, como a la calidad indiscutible de sus dibujantes y diseñadores,

 

Una exposición de dibujos originales, con un título brillante y más que adecuado: Ilustradores Ilustres (1) El TBO y sus dibujantes. Francesc Mestre, como experto conocedor, tanto de muchas de las personalidades ocultas tras los bosquejos del TBO, como entusiasta galerista de sus exposiciones, habla de Josep PÉREZ DONAZ, el dibujante del primer ejemplar del TBO, perfilado en tu totalidad por este sólo diseñador. La viñeta que se exhibe, “El billete de tren” (tinta sobre papel), muestra, con tacto e ironía que no siempre es aconsejable “escaquearse” de pagar el precio del transporte público.

Evidentemente, una de las firmas estrella de la publicación era la de Marino BENAJEM, firmando con su apellido las ahora entrañables historietas de la Familia Ulises; una peculiar “estirpe”, en la que es muy fácil reconocer situaciones de la vida real, tal como se puede comprobar en la historieta titulada “La pistola de juguete”.

A destacar el extraordinario detalle de la observación, la finura de los diálogos y en un humor de buena ley, basado no sólo en gags visuales sino también en los conflictos entre los personajes, y las más extraordinarias coincidencias y malentendidos. Una  sátira blanda y amable, sin cuestionar jamás, ni por asomo, el ordenamiento social, en más de una ocasión censurada… por motivos religiosos, algo absolutamente incomprensible, ante la personalidad de Benajem, católico practicante.

Tal como nos indica Francesc Mestre, el dibujante realizaba diminutivos y acrónimos de su nombre y apellido – en parte obligado por la dirección- con el fin de ilustrar otras viñetas en la revista, y evitar una proliferación excesiva de su nombre.

Si Benajem y su singular familia de papel era todo un símbolo, sin duda alguna, uno de los más admirados era Josep COLL: Su estilo de dibujo era por encima de todo dinámico y detallado en su justa medida, procurando que la observación de los detalles no ralentizara el tempo justo de la historieta. Un sentido del humor único, casi británico, sarcástico, de creatividad desbordante, consiguiendo siempre su propósito: que una sonrisa aflorase en los labios, a través de un humor audaz para un lector inteligente (Con permiso de “La Codorniz”

No queremos olvidar al gran Francisco IBAÑEZ con una serie de dibujos a tinta sobre papel “Curiosidades y rarezas”, o el barroquismo absolutamente delirante de Modest MÉNDEZ ÁLVAREZ, con su “Juicio del año”, una obra de 1928, como portada del Calendario TBO 1929, o los increíbles inventos del profesor FRANZ DE COPENHAGE, del que, según nos cuenta el Sr. Mestre, todos, absolutamente todos los dibujantes del TBO habían colaborado en sus peculiares y siempre explicativos y didácticos inventos, no exentos de un resultado surrealista y esperpéntico, haciendo famosa la frase “los inventos del TBO”.

Una exposición, variopinta incluso en el precio – apto para diversidad de bolsillos - que permanecerá abierta hasta el próximo 7 de diciembre, y que al espectador sensible, al incondicional del arte o a quien sólo rinde culto al dibujo, le remontará a otros tiempos, más humanizados, incluso más inocentes, nostálgicos sin duda, apreciando siempre temática y calidad en las obras, y con una sonrisa casi permanente.

 

GALERIA FRANCESC MESTRE

C/ Enric Granados, 28

Barcelona

 

www.francescmestreart.com

 

GALERIA JOAN PRATS – ARTGRÀFIC (Barcelona)

 

vCARMEN CALVO: CUANDO EL ARTE ES EXPRESIÓN DE LA MÚSICA

Lamentablemente este país de Sagitario que es España, la música y el arte no han ido demasiadas veces de la mano. Si bien es cierto que pinturas o esculturas decoran escenarios y salones de teatros o auditorios musicales,  y que obras de arte ornamenten portadas de vinilos o CD's, que instituciones públicas o privadas de carácter musical realicen encargos a artistas plásticos de reconocido prestigio, para ilustrar o promocionar sus actividades, no es la norma, y muchas veces el aficionado a la música, cuando va a un concierto, encuentra el socorrido tema de una fotografía o el trabajo de un artista menor, surgido del grafismo industrial, de mención escueta en los créditos del programa o catálogo, con el fin de evitar el mayor número de costes posible, y en detrimento del arte pictórico o la obra gráfica.

La exposición de los trabajos de la artista valenciana Carmen Calvo, que hasta el pasado 3 de noviembre presentó la galeria Joan Prats (Artgràfic) de Barcelona corresponde a un magnífico encargo “artístico-musical”: se trata de los dibujos originales de las ilustraciones del libro de la temporada de ópera 2012-2013, editado por la Associació Amics del Liceu. La muestra se componía de un conjunto de 50 trabajos sobre papel para una esmerada publicación, como es el mencionado volumen, con veinticinco años de existencia, y que en otras ocasiones ha realizado encargos a artistas de esta galeria como Ràfols Casamada, Josep Guinovart o Luis Gordillo.

 

La exposición que nos ocupa tiene un carácter eminentemente musical, pero desde una vertiente especialmente emotiva, puesto que Carmen Calvo se inspiró en arias y recitativos pertenecientes a la discografía que heredó de su hermano tras su fallecimiento. Su amor familiar y su pasión por la música y el “Bell canto”, así como esa especial lira, quedan perfectamente reflejados en una obra de pequeño formato, inspirada y exquisita, elevada y elegante.

Si en el abril del 2011, nos sorprendió en esta misma galería, con la muestra Scènes, una exposición de planteamiento absolutamente original, en cuanto al uso de materiales y desarrollo de las obras, (singulares tapices de los años 70, transformados a placer a través del uso de materiales diversos), sin evitar reflexiones, criticas, denuncias o incluso pensamientos filosóficos, en esta ocasión las tristes circunstancias personales, plasmaron una obra de extraña belleza, con toques de melancolía, donde dibujo y collage forman el drama apasionado y trágico de “La forza del destino”, el sentimiento doliente por un amor no correspondido como el de “Madame Butterfly”, el afán por conseguir ese cariño inocente de “L’Elisir d’amore”, la fantasía desbordante, con el amor también como protagonista de “Los cuentos de Hoffman”, sin olvidar que el poder y la mezquindad de los dioses del Walhallaen “El oro del Rhin”, etc.

La artista ofrece al espectador una visión personal, emotiva y profunda, de su percepción y sentimiento por la música, la gran música, la que permanece en el tiempo. Sólo cambian los intérpretes, la esencia es la misma. Carmen Calvo, a través de su dilatada experiencia artística, nos invita a escuchar las voces, sentir las notas y los arpegios de la ópera, contemplado con la mirada sus pequeños pero intensos y apasionados diseños.

 

GALERIA JOAN PRATS – ARTGRÀFIC

C/ Balmes, 54

08007 Barcelona

 

www.joanprats-artgràfic.com

MUSEU ARXIU DE SANT ANDREU DE LLAVANERES (Barcelona)

 

JORDI PRAT PONS: FIGURACIÓN A TRAVÉS DEL COLLAGE

 

La definición de  collage  indica que se trata de una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. Una práctica que tiene su principal aplicación en la pintura, aunque por extensión también referirse a cualquier otra manifestación artística, y se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc.

Mencionamos con especial interés el significado de collage, porque ilustra a la perfección la obra que Jordi Prat Pons, exhibe en estos momentos en la sala de exposiciones del Museu Arxiu de Sant Andreu de Llavaneres, bajo el nombre de Classic-kas. Un conjunto de piezas con elementos publicitarios, en lo que podría considerarse una crítica a los hipócritas medios propagandistas, plasmados con los más diversos materiales, en composiciones donde se entremezclan la figuración con el “arte povera”, y que recuerdan bastante los trabajos artísticos del italiano Mimmo Rotella, del francés Raymond Hains o del alemán Wolf Vostell en las décadas de los años 60 y 70 del siglo pasado.

La primera exposición que vi de Jordi Prat Pons fue en el año 2004 en el Ateneu Caixa Laietana de Mataró, y a pesar de los años transcurridos, pocos cambios se observan en su evolución artística; si a principios del siglo XXI, la figuración quedaba difuminada por una técnica más parecida al decollage, donde la abstracción primaba y ofrecía una visión más densa y abigarrada, en la segunda década del presente siglo, presenta una recombinación de elementos y fragmentos de la realidad, jugando con el lenguaje y con la asimilación del arte de vanguardia en la sociedad, hallando paralelos entre el arte e imágenes de anuncios, mostrados a través de envases, personajes o estereotipos, como bodegones o retratos en solitario, de fondos cromáticamente uniformes, con el fin de resaltar el tema central.

 

Una obra que sin duda alguna impacta visualmente, donde se aprecia una labor entregada y apasionada, pero sin grandes sorpresas en su carrera artística, ni signos de innovación en la investigación hacia otras posibilidades creativas.

 

MUSEU ARXIU

Can Caralt – Carretera de Sant Vicenç, 14

SANT ANDREU DE LLAVANERES (Barcelona)

 

http://www.santandreudellavaneres.cat/ambit.php?id=1

GALERÍA JOAN GASPAR

 

ETIENNE KRÄHENBÜHL:

ESCULTURAS SINGULARES, SONIDOS Y PARTICULARIDADES

“Big Bang Black”, - Hierro y titanio

Una vez visitada la exposición de esculturas de Etinne Krahenbühl, que lleva por título: Tocar, no tocar, y que puede verse hasta finales de este mes de noviembre en la galería Joan Gaspar de Barcelona, no pude por menos que pensar en una frase que pronunció Gustav Klimt: “La creatividad surge de la tensión entre la espontaneidad y las limitaciones”.

Quizá, porque en la imaginación del escultor suizo, la creatividad es desbordante, y las limitaciones imperceptibles, en su obra se permite, jugar con conceptos antagónicos en equilibrio: monumentalidad y ligereza, fragilidad y solidez, movimiento y quietud, sonido y silencio...Aplicando las leyes de la física más avanzada, crea esculturas estéticamente bellas, musicalmente armoniosas y ópticamente desafiantes. 

Instalation Jeu de gants, realizada con guantes de cuero y plástico,

Resulta absolutamente fascinante ver y tocar su “Big Bang Black”, una gran esfera de 4 metros de diámetro aproximadamente- hecha de múltiples barras de hierro longitudinales, pesadas y sólidas, que flotan en el aire al estar suspendidas por finísimos hilos de titanio. Las piezas se mueven y al chocar unas con otras producen un sonido, al principio atronador y a medida que el movimiento cesa, se torna repique de campanas. Una imitación escultorica a la gran explosión cósmica que supuso el llamado “big band”.

La muestra que ofrece la Gaspar está plagada de diversidades tanto temáticas como técnicas y de materiales, todo ello con el fin de configurar una amalgama de extrañas visiones, de conjuntos oníricos, con cierta base surrealista, a través de una expresión ruda, austera, tosca si se quiere, no exenta algunas veces de humor, pero sin lugar a dudas, con un remarcado sentido poético… singularmente “pastoral”.

Les fleurs du mal o Cube plume autruche,hierro patinado, metralla, caucho y plumas de avestruz,

A pesar de la contundencia de algunas de sus obras, de la investigación permanente de todo tipo de elementos que le permitan construir, modelar y crear, siempre hay un motivo para el lirismo, y una razón para la exaltación.

Como ejemplo, es un verdadero contraste observar una instalación escultórica – la única que, excepcionalmente, no se puede tocar - como Instalation Jeu de gants, realizada con guantes de cuero y plástico, en la que se muestra una derivación individual de curiosas formas, que en conjunto exhibe una grotesca apariencia, con Les fleurs du mal o Cube plume autruche, piezas realizadas en hierro patinado, metralla, caucho y plumas de avestruz, y que tienen por significado la transfiguración de los sedimentos de una guerra.

La exposición Tocar, no tocar, puede definirse como estéticamente extraña, materialmente contundente y conceptualmente sorprendente. Tal como Christian Jelk indicó en el catálogo de una muestra anterior en la misma galeria Joan Gaspar, Mémobiles: “Me hipnotiza y me remite a una humanidad más pura, como si se hubiera corregido de sus extravíos para disfrutar más, finalmente de futuros vagabundeos”. A modo de muestra permanente, pueden visitarse dos de sus esculturas en el Cosmocaixa de Barcelona.

GALERIA JOAN GASPAR

Pl. Dr. Letamendi 1

Barcelona

www.galeriajoangaspar.com

ARTE Y GASTRONOMÍA

 

CONCURSOS DE PINTURA

RESTAURANT – GALERÍA ARTGENT

Tarda de tennis de LLUIS VILAR FABRÉ

Si la gastronomía es un arte, gozar de la degustación de exquisitos platos, en un entorno donde se combinan la sencillez y la funcionalidad con pinturas al óleo, acrílicos o acuarelas, invita al comensal ciertamente sensible, a observar el entorno, mientras se atiende al hecho de alimentar el estómago, para a su vez, nutrir el espíritu.

 

Los titulares del restaurant - Espai cultural  ARTGENT, situado dentro de las instalaciones del Pancho Tenis Club de Argentona, amantes del arte en si mismo, y de su promoción, tienen muy claro el perfecto equilibrio existente entre guisos y pinceles por lo que aprovechan el espacio superior del salón-comedor, para organizar y celebrar exposiciones y concursos de pintura.

Paseo de JESÚS COSTA BEIRO

Hasta principios de noviembre, pueden visitarse las obras seleccionadas en el II Premi de Pintura Argent, de temática doble: tema libre y tenis, concediéndose dos premios en metálico.

 

El primer premio fue concedido a Lluís VILAR FABRÉ por su obra: Tarda de tenis, un trabajo de planteamiento original, aparentemente muy geométrico, simple de concepción y muy logrado técnicamente, destacando del mismo el sombreado de las ramas de los árboles en la pista. Con respecto al segundo premio, este fue otorgado a Jesús COSTA BEIRO por su trabajo Paseo. Pintor de reconocido prestigio, presenta una composición figurativa sugestiva e impactante por su extrañeza, que no deja indiferente y que, con algunos toques de abstracción, difumina rostros convirtiendo la composición en un conjunto de individualidades inexpresivas y solitarias.

 

La bicicleta de TERESA GUTIÉRREZ IGLESIAS

Además de los citados premios, fueron conferidas tres menciones honoríficas para: Teresa GUTIÉRREZ IGLESIAS por su obra: La bicicleta; Ricard TARRAZA LLASTARI por Arribant amb barca y finalmente Narcís SALA GASCONS por Game, set, match.

 

En general, el conjunto de la exposición presenta trabajos de corte academicista, plagados de buenas intenciones y realizados con esfuerzo. Abundan los paisajes más que la figuración, - sin apenas concesiones a otros estilos pictóricos - y verdaderamente encontrar la inspiración artística en un deporte como el tenis no es tarea fácil, aunque para un pintor que se precie, sí supone todo un reto, al ser un deporte cuya imagen gráfica rompe cualquier planteamiento artístico.

 

Es de agradecer la existencia de iniciativas de este tipo, en unos tiempos donde el entorno del arte está convulsionado, con el cierre de salas públicas y privadas, ante la falta de presupuestos y de ventas, por lo que la promoción artística en cualquier ámbito debe ser altamente valorada, pues nunca se sabe donde puede surgir el genio y donde puede mostrarse la creatividad.

 

L’ARTGENT –Restaurant i Espai d’art i cultura

Pancho Tennis Club SL

Crta d’Argentona a Mataró Km 2,4

ARGENTONA

 

http://www.artgent.cat/

 

AMICS DEL CASTELLS DE SANT FERRAN (Figures – Girona)

CONFERENCIA SOBRE ARTE

El próximo viernes, 23 de noviembre, a las 8 de la tarde, la Sociedad Amics del Castell de Sant Ferran, organizan en la sede social de su entidad, una conferencia bajo el título:

 

SALVADOR DALÍ,

ALUMNE DE L’INSTITUT RAMON MUNTANER

 

A cargo de Joan Ferreros, catedrático del Instituto Ramon Muntaner. El coloquio será presentado por el director de la institución, Francesc Canet.

 

 

ASSOCIACIÓ AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN

Apartat de correus 182

FIGUERES (Girona)

 

www.amicscastellsantferran.org

“Contemplatio”, una mirada fotográfica de los visitantes del MUSEU DE LA CERÀMICA DE BARCELONA

 

 

La agencia de comunicación Mahala, emite comunicado de prensa, con relación a la exposición Contemplatio, informando a esta web de la misma. 

Carlos Collado presenta la instalación fotográfica “Contemplatio” en el DHUB-Museu de Ceràmica de Barcelona, espacio donde ha cristalizado su proyecto que gira alrededor de una idea: cómo miramos y nos relacionamos con los museos. Con este proyecto deja constancia de los últimos días del Museo en su emplazamiento actual en el Palacio Real de Pedralbes ante el inminente traslado al nuevo edificio del DHUB en la plaza de les Glorias.

Durante un año, el fotógrafo ha visitado el Museo de Cerámica para captar todo lo que pasa y comprobar cómo los visitantes observan la colección,  encontrando a su paso  personas que contemplan, que piensan o que encuentran su momento de intimidad. Según afirma el propio autor “La curiosidad, la calma, la intimidad o el agotamiento son algunas de las muchas reacciones que se viven en un museo, así como la sensación de que, en momentos de contemplación, les persones se olvidan de las preocupaciones y los miedos cotidianos”. Es en este momento cuando Carlos Collado retrata a los visitantes, buscando sus reacciones más espontáneas. Desde diciembre de 2011, el fotógrafo ha observado y fotografiado a persones anónimas en situaciones diversas, siempre interesándose por el instante en el que el individuo contempla alguna cosa que despierta sus sentidos, y ha escogido las salas del Museo de Cerámica para documentar y cristalizar estos momentos.

 

Ubicadas en las salas de la colección del museo, la instalación consta de 44 fotografías, montadas en 21 estructuras a doble cara, y de dos fotografías más que se exponen sin pareja, que muestran los dos lados de un mismo espacio explicando diferentes historias sobre las actitudes y los comportamientos de los visitantes delante de las cerámicas de la colección. “Contemplatio. Instalación fotográfica de Carlos Collado” se podrá ver desde el 15 de noviembre de 2012 al 3 de marzo de 2013.

La mirada fotográfica de Collado se centra en el comportamiento de los visitantes delante de los objetos de la colección, platos, jarras, cuencos y azulejos, documentando situaciones que se convierten en fotografías curiosas, singulares, tiernas o cómicas. En definitiva, instantes de diferentes experiencias museísticas. El Museo de Cerámica se convierte en el espacio idóneo para fotografiar las actitudes de los visitantes gracias a su naturaleza: un espacio que permite ver al visitante no como un grupo sino como un individuo, en unas salas en las que dominan la calma y el silencio, libres de masificaciones, donde se puede intimar y preguntarse sobre lo que se contempla.

 

El proyecto cobra además una especial relevancia debido a la propia singularidad  del Palacio Real de Pedralbes, actual sede, que ha motivado al fotógrafo a documentar un espacio para registrar y dejar constancia de los últimos días del Museo en este emplazamiento.

Otro factor importante del proyecto es la relación que Collado establece con los visitantes que retrata. El fotógrafo afirma, “Cuando una fotografía me gusta, me presento al retratado, le explico el proyecto y le enseño la imagen a través de la cámara. Intercambiamos e-mails de contacto”. De esta manera, la persona desconocida deja de ser un extraño y poco a poco se va construyendo una comunidad de personas de diferentes procedencias, edades y profesiones que tienen un vínculo con el Museo, la cerámica, el proyecto “Contemplatio” y el fotógrafo. Por este motivo, Collado ha creado el blog www.contemplatio-project.comque sirve de plataforma on-line del proyecto donde se recogen las experiencias del fotógrafo durante el proceso de creación, además de buscar un diálogo alrededor de la idea “cómo miramos hoy en día” y la experiencia museística.

 

Carlos Collado, fotógrafo

Licenciado en Biología por la Universidad de Lund (Suecia), Collado utilizó la fotografía por primera vez para llevar a cabo proyectos de comunicación científica (2001-2005). Desde 2006 se dedica exclusivamente a la fotografía y combina los encargos comerciales con proyectos personales de carácter documental o artístico.

 

En el año 2009 fue becado por el Centro de Fotografía Documental de Barcelona para hacer un taller de la Agencia Magnum y en 2011 fue seleccionado para participar en el Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales EMERGENT en Lérida. Su obra ha sido expuesta en el festival REGARDS Rencontres de Photographie (Villeneuve de la Rivière, Francia), en la feria LOOP 2012 (Barcelona), y en la Sala EnArt Photo&Co/Eneresi de Lérida.

 

Duración de la exposición:

Del 15 de noviembre de 2012 al 3 de marzo de 2013

 

 

DHUB-Museu de Ceràmica

Palacio Real de Pedralbes

Av. Diagonal, 686

Barcelona

www.museuceramica.bcn.cat

ESPACIO 177 KENSIGTON

Exposición: Xavier Jansana – Xarxes Sòlides.

 

La agencia de comunicación ART BARCELONA, remitió

a esta web el siguiente comunicado de prensa,

          informando de la exposición de Xavier Jansana

El escultor Xavier Jansana inauguró el pasado 8 de noviembre, Xarxes Sòlides (Redes sólidas) Una reflexión sobre la necesidad de crear lazos sólidos, firmes, menos virtuales y líquidos que los que nos proporcionan la realidad actual.

 

Para el artista, todo es una red, un entramado que hay que reforzar con lazos fuertes y duraderos. Y la piedra, como metáfora, le sirve para hacer visible este concepto.

 

La exposición presenta 16 esculturas de formatos medianos realizados con mármol, calizos, calcarenita, granitos, volcánicas y alabastros de diferentes áreas geográficas de Europa. La recogida del material forma parte de la investigación que lleva a cabo Xavier Jansana, buscando la memoria de las piedras. Cada uno de los materiales es como un libro que nos cuenta mucho más de lo que vemos aparentemente. En la muestra también encontramos varias esculturas de pequeño formato y collages con papel hecho a mano, en colaboración con el Museo Molino Papelero de Capellades. Todas las obras están a la venta.

 

Xarxes Sòlides se podrá visitar en 177 Kensington, espacio vintage, que ofrece una cuidada selección de mobiliario, iluminación y objetos diversos de diseñadores de los años 50, 60, y 70 como George Nelson, Pierre Guariche, Gianfranco Frattini, Pierre Paulin o Miquel Milà, entre otros.

 

Con esta exposición Xavier Jansana y 177Kensington quieren continuar el diálogo y la colaboración iniciados en 2010 entre la escultura y el mobiliario de autor. La muestra escultórica se presenta conjuntamente con una selección de muebles, en el marco de un montaje muy cuidado que quiere crear un diálogo entre las dos manifestaciones artísticas.

 

Xavier Jansana (Barcelona 1954) es un escultor con una larga trayectoria artística, creador de numerosas figuras de arte popular (Gigantes, Dragones ...), diseñador y constructor de elementos de atrezo y escenografías para museos, obras de teatro, publicidad , etc. A partir de 2006 inicia su carrera artística como escultor en piedra y trabajará casi exclusivamente esta disciplina. Con este material desarrollará su obra más personal. Este año realiza a su tercera exposición en Barcelona

Para Xavier Jansana la escultura en piedra ha sido una elección personal, muy probablemente favorecida por el destino, ya que además de artesano y artista es Licenciado en Geografía e Historia por la Universidad de Barcelona.

 

Las piedras nos cuentan cuál es nuestro pasado geológico, y en las diversas capas de la litosfera podemos reconocer nuestra historia. También con los restos arqueológicos descubrimos quiénes eran nuestros ancestros. La piedra, ya sea trabajada por la naturaleza o por la mano del hombre es un testimonio fiel de lo que sucedió.

Quién sabe qué restos dejaremos nosotros para que los hombres y mujeres que nos sucederán puedan interpretar nuestra existencia. En una realidad cada vez más líquida y virtual, siempre habrá la piedra como testigo.

 

La exposición podrá visitarse hasta el próximo 8 de diciembre.

 

177 KENSIGTON

C/ París, 177

Barcelona

 

www.xavierjansana.com

 

http://www.177kensington.com/cas/h

 

FUNDACIÓ MIRÓ

Espai 13 – Ciclo: PERPLEJIDAD

 

El departamento de prensa de la Fundació Joan Miró, remitió a esta web el siguiente comunicado de prensa,

referente a las actividades de l’Espai 13

 

El Espai 13 es un laboratorio de investigación y experimentación donde se dan cita las propuestas más innovadoras y arriesgadas. Denominado en un principio Espai 10, ha sido durante más de tres décadas un espacio pionero que ha albergado exposiciones de artistas emergentes concebidas por comisarios independientes invitados a presentar planteamientos expositivos alternativos.

Perplejidad. Comisariado por: David Armengol

Del 5 de Octubre de 20123 al 1 de septiembre de 2013

 

Perplejidad toma como punto de partida la actitud frente lo que no terminamos de entender y la reflexión posterior que nos lleva a explorar los límites de la comprensión a partir de dos conceptos básicos: el escepticismo y la creencia

El título del ciclo hace referencia al concepto de “razón en minúsculas” que utiliza el filósofo español Javier Muguerza. Un discurso donde la capacidad de autocrítica y la argumentación no impositiva son necesarios para construir un diálogo fructífero. Una razón no autoritaria –y por lo tanto, no estricta, no cerrada en sí misma–, que en este caso invita a un relato expositivo formado por cinco capítulos autónomos y complementarios.

 

El ciclo cuenta con las intervenciones de Jordi Mitjà, Gabriel Pericàs, Julia Montilla, Arrieta / Vázquez y Samuel Labadie. Cinco artistas que, a pesar de trabajar desde intereses distintos, comparten una actitud similar: la perplejidad que frente al hecho artístico obliga a que nos cuestionemos las estructuras y convenciones sociales.

 

Jordi Mitjà

 

Monumento. Ladrones de alambre. 05/10 - 02/12/2012

Monumento. Ladrones de alambre supone un ensayo expositivo basado en la combinación de tres elementos: las prácticas del outsider art, los rituales de la cultura popular y la escultura catalana del siglo xx. Jordi Mitjà toma como punto de partida la reciente demolición del parque de Can Sis Rals de Argelaguer (en la comarca de la Garrotxa) a manos de Josep Pujiula, su constructor durante más de treinta años y claro exponente del arte marginal en Catalunya.

 

En Monumento. Ladrones de alambre el artista realizará un conjunto escultórico específico para el Espai 13. Aprovechando materiales de desecho y de construcción recuperados, Mitjà construirá un “atelier” que servirá a la vez como espacio de trabajo y como espacio de exposición. Un lugar en continua evolución centrado en tres espacios concretos: un muro de construcción artesanal, una tarima y un espacio aislado e inaccesible para el público.

FUNDACIÓ JOAN MIRÓ
Parc de Montjuïc s/n
 
Barcelona
 
http://www.fundaciomiro-bcn.org

NADALA 2012 – JAUME PITARCH

La Fundació Joan Miró informa a esta web a través de comunicado de prensa, de la muestra Nadala (Villancico).

 

29 de noviembre de 2012 – 6 de enero de 2013

 

La Nadala (El villancico) de la Fundación Joan Miró es una propuesta que vincula artistas locales con las fiestas de Navidad y Fin de Año. Cada uno de ellos hace su interpretación y realiza un proyecto específico para la ocasión.

Jaume Pitarch (Barcelona, ​​1963) presentará una instalación que quiere ser una reflexión sobre la situación actual y la Programación 2012-2013 # exposBcn Índex 12 deriva socioeconómica que nos ha conducido. Para Pitarch, la Navidad sólo puede ser vista en estos momentos como una Navidad estrellada, como sinónimo de arrojada o tirada.

Estrellar – Fabricar una estrella – Estel caigut (Estrella caída).

FUNDACIÓ JOAN MIRÓ
Parc de Montjuïc s/n 
Barcelona
 
http://www.fundaciomiro-bcn.org

PARTICIPACIÓN DE LA GALERIA ANQUIN’S EN

ART FAIR DE COLONIA

 

La galeria Anquin’s de Reus (Tarragona), participo del 31 de octubre al 4 de noviembre pasado, en al ART FAIR de Colonia (Alemania), presentando en su stand obras de los pintores Modest Almirall y Frank Jensen, así como de los escultores Jesús cure y Teresa Riba, obteniéndose un resultado final muy positivo.

 

El hecho de participar en una Feria Internacional de las características de la Art Fair, requiere la presentación de un proyecto que debe ser aceptado por un comité de selección, que determina las galerías que forman parte como expositores del certamen.

 





La vocación internacional de la galería Anquin’s comenzó hace aproximadamente ocho años con la Feria St'art de Strasbourg. Desde entonces la galería promociona sus artistas también en Alemania, en la prestigiosa Feria Art Karlsruhe y Colonia.

 

Este verano, por primera vez, también estuvo presente en la Feria Art Bodensee en Austria. En el futuro la galería piensa incrementar su presencia en Ferias en países emergentes como Turquía y otros.

 

Los coleccionistas europeos, que no sufren con la misma intensidad la crisis económica que se hace notar especialmente en el mercado del arte español, aprecian mucho la calidad y originalidad de los artistas de nuestro país, ampliando sus colecciones adquiriendo obra de los mismos.

Así mismo, el pasado sábado, 17 de noviembre, la Anquin’s inauguró la muestra ART per EMPORTAR (Arte para llevar).Pequeñas obras de arte para MIRAR, ELEGIR Y LLEVAR.

Una colectiva con pinturas, dibujos, acuarelas, cajas de vino pintadas y esculturas, en la que los artistas han vertido toda su creatividad, con un montaje fresco y diferente, donde cualquiera puede encontrar una pequeña obra de arte de su gusto, a precios asequibles, y por lo tanto, ideal como regalo personal o de empresa para las próximas fiestas de Navidad y Reyes.

Galeria d’art ANQUIN’S

C/ Campoamor, 2

REUS (Tarragona)

 

www.anquins.com

SALA DE EXPOSICIONES BODEGAS RODA

(Haro – Rioja)

Muestra: MARIDAJES XI

 

Las ciudades de San Sebastián y Lisboa vistas por Paco Gómez y Jorge Guerra en la 11ª edición de “Maridajes”

 

La agencia de comunicación MAHALA, envió hace unos días a la redacción de esta web, la siguiente nota de prensa,

en relación a la 11ª exposición MARIDAJES,

organizada por Bodegas Roda

Hay fotógrafos que se sienten más libres fotografiando otras ciudades que la propia. Sin embargo, para otros, como Paco Gómez (1918-1998) y Jorge Guerra (1936), la proximidad con su ciudad natal les permite acercarse con una atractiva mirada para profundizar en el conocimiento de su mundo más cercano.

En la 11ª edición del ciclo de exposiciones “Maridajes”, Bodegas Roda reúne a estos dos autores, de la colección de la Fundación Foto Colectania, para acercar al público la ciudad de San Sebastián de finales de los años cincuenta vista por Paco Gómez y la ciudad de Lisboa de 1967 a través de la cámara del portugués Jorge Guerra. La muestra se puede visitar en la sala de exposiciones de Bodegas Roda del 1 de noviembre de 2012 al 30 de abril de 2013.

 

El portugués Jorge Guerra viajó durante toda su vida, con largas estancias en Angola, Londres y Canadá pero, en 1967, dedicó buena parte de su tiempo a recorrer y mostrar Lisboa, su ciudad natal. Con un estilo fotográfico influido por el humanismo dominante en la fotografía europea de entonces, al que Guerra le imprime un punto de riesgo con sus peculiares encuadres, el fotógrafo muestra una ciudad gris y a su vez tierna, volcando la añoranza por su tierra en el retrato de sus gentes.

 

Por su parte, Paco Gómez residió y realizó la mayor parte de su obra en Madrid, pero sus orígenes estaban en el País Vasco, motivo por el cual veraneó durante varios años en San Sebastián. La serie que se presenta en la exposición Maridajes XI es una excepción en su obra, normalmente intimista y abstracta, al demostrar también su dominio del reportaje. Se trata de un documento centrado en la gente y con una mirada serena, muy parecida a la de Jorge Guerra. En este sentido, esta serie de Paco Gómez es una  invitación a disfrutar de un paseo tranquilo por los rincones de San Sebastián.

 

Paco Gómez

Paco Gómez (Pamplona, 1918 - Madrid, 1998) sintió el interés por la fotografía en su juventud y su desarrollo fue completamente autodidacta. En 1956 ingresa en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Tres años más tarde, obtiene el Trofeo Luis Navarro de Fotografía de Vanguardia. En 1964 forma parte del consejo de redacción de la revista Cuadernos de Fotografía y colabora en la organización de las exposiciones del Aula Fotográfica del Instituto de Cultura Hispánica. El hábitat natural de Paco Gómez era la ciudad, y su tendencia a fotografiarla se vio reforzada a lo largo de los años por su estrecho vínculo con la arquitectura. En las calles y entre las gentes de su ciudad se sentía cómodo y es allí donde realizó algunas de sus grandes obras: nos enseño los límites de la ciudad con una óptica moderna, probablemente influenciada por el cine, descubriéndonos el vacío que marcaba la expansión de la gran ciudad. Esta peculiar mirada se repite en San Sebastián con fotografías de descampados, norias, barandillas, que el fotógrafo utiliza para dirigir su mirada hacia afuera, hacia los limites. Con la muerte de Gómez, sus herederos acordaron con la Fundación Foto Colectania la donación del archivo fotográfico del autor. La fundación ha organizado varias exposiciones colectivas en las que se han incluido obras de Paco Gómez, y en 2010 dedicó una gran retrospectiva al autor, titulada “Orden y desorden” y comisariada por Laura Terré, que itineró por Pamplona, Huesca, Almería y Valladolid.

Jorge Guerra

Jorge Guerra (Lisboa, 1936) realizó buena parte de sus trabajos más emblemáticos durante los años sesenta. Además de la fotografía se ha dedicado a diversas actividades relacionadas con el diseño, el cine y durante más de diez años ha dirigido la revista canadiense OVO.  En el año 1967 dedicó buena parte de su tiempo a recorrer y enseñarnos Lisboa, su ciudad natal. Con un estilo fotográfico influido por el humanismo dominante en la fotografía europea de entonces, al que Guerra le imprime un punto de riesgo con sus peculiares encuadres, nos muestra una ciudad gris y a su vez tierna, volcando la añoranza por su tierra en el retrato de sus gentes. Su crónica fotográfica de 1967 de la Lisboa de los tiempos de la dictadura, merece, por su tristeza y autenticidad, un lugar en la fotografía de posguerra portuguesa. Su obra ha sido objeto de una exposición  antológica en el Centro Cultural de Belém en 2000 en la que se reunía obra realizada durante su éxodo por Angola, Londres, Italia y México, hasta llegar a Canadá.

 

Bodegas Roda

Bodegas Roda nació en 1988 en el barrio de la Estación de Haro. Cada año, después de un seguimiento meticuloso del ciclo y del cultivo, se eligen los 17 mejores viñedos de las 150 hectáreas de que disponen y con este novedoso proyecto en el mundo del vino se elaboran Roda, Roda I y Cirsion. El perfil de sus vinos es el del rioja moderno de color profundo y vivo, pensado para disfrutar y dar placer en la mesa. Bodegas Roda es patrocinador institucional de Fundación Foto Colectania.

 

La exposición permanecerá abierta hasta el próximo 30 de abril de 2013

 

 

BODEGAS RODA

Avda. Vizcaya, 5. Barrio de la Estación

Haro (La Rioja)

 

www.roda.es

 

GALERIA POPULART (Campany – Alt Empordà – Girona)

Instalación: Després del Foc:

Con motivo del incendio forestal que el pasado verano asoló gran parte de la comarca de l’Alt Empordà, la galeria POPULART, con la participación de varios artistas, organizó una instalación en los terrenos calcinados por el fuego, como reivindicación y homenaje a la naturaleza y su sufrimiento.

La cincuentena larga de personas que asistieron el pasado 28 de octubre, a la inauguración de la exposición Després del foc: Art en el bosc (Después del fuego: arte en el bosque), no olvidarán fácilmente la experiencia vivida.

Batidos literalmente por ráfagas de viento de más de 150 km / h, recorrieron por el bosque de Capmany, con muchas dificultades pero de manera entusiasta, el kilómetro y medio durante el cual se fueron encontrando la veintena de instalaciones escultóricas que constituyen esta exposición de arte en la naturaleza, organizada por la galería POPULART.

Pero si la fuerte tramontana puso el punto de sal y pimienta y de emoción a la hora de hacer el recorrido, supuso también una importante dificultad para alguno de los artistas. Mientras algunos se vieron obligados a cambiar la ubicación de su pieza, buscando lugares más resguardados del bosque, otros (pocos, afortunadamente) debían desistir de construir la instalación tal como lo habían proyectado, mostrándola incompleta.

La previsión es que las obras permanezcan en el bosque. El itinerario está señalizado y la ubicación exacta del bosque, así como otras informaciones de interés, se pueden consultar en: http://populart-capmany.blogspot.com.es/2012/10/inauguracio-atramuntanada.html

Tras una breve presentación de los participantes en un claro del bosque a cargo de POPULART, todos los asistentes fueron haciendo el ventilado viacrucis artístico, deteniéndose a cada instalación donde el autor de la obra hacía las explicaciones o comentarios pertinentes.

En breve, POPULART editará una publicación virtual con un completo reportaje fotográfico.

La instalación permanecerá visible al público hasta el próximo 25 de noviembre.

POPULART

Plaça del Fort, 5   

CAPMANY (Alt Empordà)

 

www.populart.cat 

 

FROM BARCELONA TO NEW YORK

Cuatro Artistas exponen en la Galería Montserrat de Nueva York

 

Una nueva forma de información artística nos presenta Joan Perramon,

a través del siguiente comunicado.

"FROM BARCELONA TO NEW YORK"

 

Esta exposición presenta el trabajo de cuatro artistas que viven y trabajan en Barcelona. Cada uno de ellos tiene su propio lenguaje plástico con trayectoria distinta. Están unidos en su deseo de exhibir sus obras ante el público de la ciudad de Nueva York. 

 

http://www.youtube.com/watch?v=6_9piCUVhnM

 

SANTIAGO ADEOYE

www.adeoye.net

 

JOAN PARRAMON

http://joan-parramon-fornos.artelista.com/

 

LEO

www.leopintorabstracto.com

 

RODNEY SAMUELSON

www.rodney-s.com

www.celesteprize.com/member/idu:25457/

 

La exposición podrá visitarse hasta el próximo 21 de noviembre.

 

 

MONTSERRAT CONTEMPORARY ART GALLERY 

 

547 West 27 Street

New York NY 10001

 

www.montserratgallery.com

AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN (Figueres – Girona)

EXPOSICIÓ COL·LECTIVA: AGRUPACIÓ D’AQUAREL·LISTES DE GIRONA

 

La asociación Amics del Castell de San Ferran de Figueres, nos pasa la siguiente información con respecto a las distintas actividades de la entidad en el Castell.

El pasado viernes, 20 de octubre, tuvo lugar en el Castell de Sant Ferran en Figueres, la inauguración de la exposición de la Agrupació de Aquarel·listes de Girona y comarcas, a la que acudieron mas de 70 personas, a pesar del mal tiempo reinante.

 

La citada agrupación, que en la actualidad es presidida por el artista Salvador Castellà, fue creada en el año 1992, con la finalidad de fomentar y divulgar la acuarela cuenta aproximadamente con 75 socios, y tiene su sede social en el Hotel de Entitats de Girona. Mantienen buenas relaciones con diferentes asociaciones de acuarelistas de España, participando a su vez en diferentes simposios nacionales e internacionales, como el de TORKU (Finlandia) Simposium Internacional de la ECWS, o en LASPAULES (Huesca), y en la II BIENAL IBEROAMERICANA DE ACUARELA organizada per AEDA, en La Casa de la Moneda de Madrid, sin olvidar la organización de diversas actividades relacionadas con el arte.

 

Coincidiendo con el 20 aniversario de su creación, la asociación ha celebrado en el Museo de la Acuarela  Martinez Lozano de Llansà (Girona), una exposición conmemorativa, y desde hace cinco años, la asociación Amics del Castell de Sant Ferran, colabora con esta entidad a través de la exposición anual del mes de octubre.

 

En la edición 2012, y bajo el título MOSTRA DE TARDOR, participado 26 socios-artistas con una acuarela cada uno.

El acto fue presentado por la coordinadora de la agrupación Teresa Giménez Pous, y el Presidente de la asociación Amics del Castell  de Sant Ferran de Figueres Antonio Herrera, quienes hicieron un recorrido por las exposiciones efectuadas y el motivo de las mismas:

 

Homenaje a Walter Benjamin años 2008

Castells de l'Empordà 2009

Esglésies Romàniques de l'Empordà 2010

Paisatges de l'Empordà 2011

y Mostra de tardor 2012

 

La exposición permanecerá abierta hasta el día 3 de noviembre

 

ASSOCIACIÓ AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN

Apartat de correus 182

FIGUERES (Girona)

 

www.amicscastellsantferran.org

AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN (Figueres – Girona)

CONFERENCIA SOBRE FOTOGRAFÍA

Así mismo, el 26 de octubre pasado, tuvo lugar en la misma sede del Castell de Sant Ferran, una conferencia a cargo del socio y colaborador de la asociación Martí Dacosta, en representación de Diafragma Figueres, Robin Townsed Pi-Sunyer, fotográfo-documentalista, corresponsal de la agencia EFE en Girona.

 

Sus reportajes y fotografías son publicados en diversos medios de comunicación de España y el extranjero. Un ejemplo de su trabajo son las fotografías de los Príncipes de Asturias cuando visitan Girona, o las impactantes imágenes de los recientes fuegos en el Empurdà , o las manifestaciones de los estudiantes en la universidad.

 

 

ASSOCIACIÓ AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN

Apartat de correus 182

FIGUERES (Girona)

 

www.amicscastellsantferran.org

COMUNICADOS DE ARTE

24 de OCTUBRE de 2012

FUNDACIÓ VILA CASAS

EXPOSICIONES EN TORROELLA DE MONTGRÍ Y PALAFRUGELL (Girona)

La Fundació Vila Casas exhibe en sus salas del Palau Soterra y en Can Mario, dos muestras protagonizadas por Laura Iniesta / Faustí LLucià: (Palau Soterra) y Torres Monsó (Palafrugell), tituladas: Pâté de foi y Anar fent i prou respectivamente.

Con referencia a Laura Iniesta / Faustí LLucià: (Palau Soterra – Girona), el escritor Vicenç Pagès Jordà, prologa el catálogo indicando su poca experiencia sobre el arte contemporáneo, pero destaca que le encanta el juego, al igual que los dos artistas citados: “De hecho, las definiciones de arte y juego tienen muchos puntos en común: representación, placer, espontaneidad reglada… El juego de la oca les ha servido para trabajar juntos, para repartirseel trabajo, también para delegar unas cuantas decisiones (…) Faustí Llucià y Laura Iniesta, se someten voluntariamente al juego de la oca y encuentran la libertad expresiva, a partir de las limitaciones del tablero: un itinerario de 64 obras, con unas determinadas “contraintes”: el pozo, la fonda, la cárcel, el puente, los dados, el laberinto, la muerte y sobre todo la oca”.

Pagès Jordà opina que las ocas que aparecen en las fotografías de Faustí Llucià se van desplomando, mutilando, troceando, hasta que tan sólo queda la quinta esencia: el hígado (…) Entre las ocas arrogantes del inicio y la oca desmembrada del final, se encuentran fotografías evocadoras o enigmáticas, sombras amenazadoras o lúdicas, frialdad anatómica, materialización de un estado de ánimo, juegos de luz.

En contraste, según el escritor, los trabajos de Laura Iniesta con el contrapunto menos vivido, menos narrativo, más cálido, quizá más asiático. Cada pieza comienza y termina en ella misma, como un instante que concentra una peripecia o un presentimiento. En sus cuadros predomina el rojo, pero no él de la muerte, sino el de la sangre que late, y un amarillo solar al lado de un negro contundente, nada metafísico. En ocasiones, los trazos perfilan una figura, pero también pueden dar lugar a una explosión de formas y números, o incluir una receta para cocinar la oca.

La exposición podrá visitarse hasta el próximo mes de mayo de 2013.

 

FUNDACIÓ VILACASAS

PALAU SOTERRA

C/ de l’Església, 10

TORROELLA DE MONTGRÍ (Girona)

 

www.fundaciovilacasas.com

Respecto a la exposición Anar fent i prou con obra escultórica de Francesc Torres Monsó, en el prólogo del catálogo, a Rafael Argullol,  escritor, filósofo, poeta, bloguero y profesor de estética de la Universidad Pompeu Fabra, de Barcelona, le llama la atención su extraordinaria coherencia: “A diferencia de otros tantos artistas contemporáneos, en su trayectoria se advierte una muy rigurosa concepción del mundo que incluye los distintos aspectos de la existencia”.

La obra escultórica de Torres Monsó recuerda a Argullol, las recomendaciones hechas por Leonardo da Vinci a los pintores, en su Tratado de Pintura. En este sentido, el escultor, según el prólogo de Argullol: podría ser calificado de artista renacentista de nuestra contemporaneidad, pues también traduce en su lenguaje actual, aquello que los humanistas entendían como “gran cadena del ser” (…) Nos encontramos frente a una escultura de gran vocación cósmica que, al mismo tiempo, tiene la intención de indagar en las más intimas emociones humanas.

La contundencia de las formas y volúmenes planteados por Torres Monsó no está, de ninguna manera, divorciada de una delicadez sensible y de una ligereza plástica. Sus imágenes sugieren siempre una búsqueda, una aventura, una curiosidad por lo que hay más allá de las formas puramente terminadas, como si lo que fuera realmente importante, estuviera alojado en la montaña sumergida del iceberg, más que en su superficie.

Para Rafael Argullol: Torres Monsé trabaja desde la lucha con la materia, al mismo tiempo que apreciamos una capacidad de vuelo que nos transporta hacia la propia tarea del poeta. Hay algo de escritura en esta vigorosa escultura, y de la misma forma que los pintores de iconos son conocidos como escritores de imágenes, se podría decir que Torres Monsó es un calígrafo que interviene en la materia del mundo para liberar formas sugerentes y metafísicamente decisivas”.

La muestra podrá visitarse hasta el próximo mes de mayo de 2013.

 

FUNDACIÓ VILA CASAS

CAN MARIO

Plaça Can Mario, 7

17200 PALAFRUGELL (Girona)

 

www.fundaciovilacasas.com

 

ATENEU CAIXA LAIETANA (Mataró)

JOSEP SERRA: Referencias a Jackson Pollock

 

No siempre un artista tiende a evolucionar en el sentido estricto de cambio radical de estilo, de concepto, de técnica o de temática. En ocasiones, el andar artístico motiva la reflexión o la permanencia, más que la innovación, actitud respetable pero que deja al espectador acostumbrado a seguir a un creador plástico, un tanto desconcertado por la falta de novedad.

 

Lo anteriormente expresado es perfectamente aplicable a la muestra que en estos momentos está exhibiendo Josep Serra en el Ateneu Caixa Laietana de Mataró: Necessitat Vital- 30 Anys (Necesidad Vital – 30 Años), una exposición que en ningún caso es una retrospectiva, sino una exhibición de obra de reciente creación, que sigue deliberadamente los pasos de su última exposición en la misma sala, hace cinco años, concretamente en el 2007, y que en aquella ocasión llevaba por título: Abstracte desprès de Nova York (Abstracto después de Nueva York), una exposición que sí dejo entrever una ruptura de sus orígenes con el collage, más fragmentaria y aferrada a la cotidianidad, a través de objetos de uso habitual.

En esta ocasión, el artista recuerda con claridad diáfana el expresionismo abstracto de Jackson Pollock. En la particular Action painting de Serra, el gesto y la pincelada resultante son una expresión de si mismos, y no de un significado ajeno. El proceso de pintar representa el contenido del cuadro. Son todas las obras expuestas, trabajos de temperamento, en materiales diversos – incluso en cartón ondulado para embalajes – y de carácter del artista, manifestando emociones y sentimientos de forma inmediata, sin recurrir al paso intermedio de desarrollar un motivo.

Pollock dijo una vez que no quería ilustrar cosas, sino expresarlas de forma espontánea y expedita, sin una técnica de confusión. Josep Serra, sigue muy de lejos, la idea pollockiana y a través de un proceso de concentración, precisa observación y una buenas dosis de improvisación, mezcla su habitual potencia de gestos con goteos o manchas, convirtiendo el color en factor determinante del espacio pictórico sin perspectiva, disolviendo las formas para aparecer más allá de la tela o cartón, resistiéndose a etiquetar la misma con un título o lema, aplicando con indiferente confusión la numerología para denominar sus obras: 324, 371, 344, etc. etc., según sea el orden de creación 0 de serie.

 

En conclusión, el espectador habituado a formas de vanguardia, observa una trabajo de calidad, de correcto e interesante planteamiento, elaborado, incluso puntilloso, pero que le depara una fría impresión per tratarse de un efecto conocido tanto del propio artista como de las reminiscencias pollockianas.

 

 

ATENEU CAIXA LAIETANA

C/ Bonaire, 3-5

Mataró

 

http://www.josepserra.es/

www.fundaciocaixalaietana.es

ATENEU CAIXA LAIETANA

RÉQUIEM POR LA COL·LECTIVA SANT LLUC-2012

 

Si el artículo correspondiente a la edición Sant Lluc 2011, se título: Entre el Réquiem y la Antífona, con respecto a la 66 edición de esta colectiva, puede perfectamente entonarse una excelsa Misa de Difuntos, por el ARTE, ante la mala calidad de las obras presentadas, incluidas las de ciertos artistas de renombre de la capital del Maresme, siendo poquísimas las excepciones, y como ocurrió hace un año, es la sección dedicada a la escultura, que ofrece una selección de obras de nivel más elevado, por lo que más que una Antífona, casi podría dedicársele un Te Deum.

 

Hasta tal punto la muestra pictórica es decadente, que esta crítico de provincias no puede evitar repetir parte del artículo de la edición 2011, pues nada nuevo hay que añadir, salvo que ni siquiera la sección habitual dedicada abierta a los jóvenes creadores está en exposición. Ante la falta de una obra de interés, original y creativa, el jurado muy acertadamente, decidió declarar la sección desierta,

“Hay exposiciones colectivas procedentes de la tradición, que con el paso del tiempo, sufren un proceso de degradación, producido tanto por la entrada masiva de artistas “amateurs”, dedicados al arte como terapia, por afición y en tiempo libre, que disponen de escasos conocimientos artísticos y nulos estudios en historia del arte, lo que provoca la retirada de artistas de prestigio o consagrados, aunque sólo sea en el entorno local, convirtiendo la exposición en mera exhibición de trabajos académicos.

 

Así podría resumirse la Colectiva Sant LLuc-2012. Con cerca de 90 obras seleccionadas por un jurado experto, cuyas valoraciones han sido sometidas a los condicionantes de una sala de exposiciones gestionada por la obra social de una entidad de crédito, también en decadencia, o mejor en proceso de hundimiento (Fundació Caixa Laietana – Bankia).

Al tratarse de una muestra con 65 años de tradición, y por ello muy visitada, es necesario llenar espacio, con el fin de atraer a un público fácil de conformar, con preferencia amigo o familiar de artistas ya mencionados con tendencias más amateurs que profesionales, en detrimento de pintores de nombre y calidad probados – menospreciados hace ya algunos años por decisiones de un jurado radical y tendencioso, aunque hay que insistir en cierta falta de respeto por la muestra, donde se admitía todo – y que se resisten a participar”.

 

En conclusión, si el visitante habitual de salas de exposiciones de Mataró, en este caso, se “pierde” esta colectiva, no tiene porqué sufrir ni pensar que no ha podido asistir el acontecimiento del año. Todo lo contrario; su salud física y mental se verá reforzada.

 

ATENEU CAIXA LAIETANA

C/ Bonaire, 3-5

Mataró

www.santlluc.org

VINSEUM reabre sus puertas en el Palacio Real de Vilafranca

El nuevo Museo de las Culturas del Vino de Catalunya invita a explorar y conocer desde los sentidos y las emociones

la historia y tradición del vino

 

La agencia de comunicación Mahala, envía a la redacción de esta web el siguiente comunicado de prensa:

El pasado 2 de octubre, se presentó en Vilafranca del Penedès, después de dos años y medio de reconstrucción y restructuración, VINSEUM, el Museo de las Culturas del Vino de Catalunya, que reabrió sus puertas al público el sábado 6 de octubre en la antigua sede del Palacio Real de Vilafranca, un nuevo espacio reformado por el arquitecto Santiago Vives con una innovadora Museografía diseñada por Dani Freixes que apela a los sentidos y las emociones que provoca el vino y no sólo a su historia y tradición. El Museo quiere ser un centro dinámico, diferente, con una oferta cultural diversa abierta a todos los públicos que, más allá de mostrar la evolución del vino al largo del tiempo, ponga de manifiesto su estrecha relación con la cultura, la gastronomía, el pensamiento y las diferentes manifestaciones artísticas.

 

De este modo, las colecciones de VINSEUM se organizan en torno a un guión narrativo: el vínculo con la tierra y el pasado, el proceso de elaboración del vino, la comercialización, el impacto en la vida de la gente y los debates sobre el vino y la viña. Para cada apartado se ha escogido un concepto que funciona como hilo conductor de los contenidos expositivos: la despensa (introducción), el tirso (el bastón del dios Dionisio, por sus orígenes mitológicos), el clos (de la uva al vino), el muelle (los mercados del vino), el encuentro (las relaciones sociales) y la mesa (los consumos del vino). El resultado no es un Museo de la ciencia del vino sino un Museo que habla del vino como fenómeno cultural, social, histórico y también científico apelando a todos los recuerdos y experiencias que provoca en las personas y la sociedad.

 

Bajo la dirección de Santiago Vives, la renovada sede de VINSEUM es fruto de un ambicioso proyecto arquitectónico que se presenta como un Museo del siglo XXI que quiere ser un hito en Vilafranca, un referente del sector y un reclamo tanto a nivel cultural como para el enoturismo. Con este objetivo, se ha recuperado el esplendor del antiguo Palacio de los Reyes de Aragón, que a partir de ahora albergará la colección permanente, y la capilla de Sant Pelegrí, que acogerá las exposiciones temporales,

 

La apertura de la antigua sede del Palacio Real de Vilafranca representa así la finalización de la primera parte de un proyecto de construcción y renovación del Museo que se inició en 2006 con la reforma de la capilla de Sant Pelegrí y que está previsto que finalice entre 2015 y 2016 una vez se haya construido un edificio de nueva planta con más de 3.000m² de superficie útil. El proyecto de VINSEUM cuenta con el apoyo del Ajuntament de Vilafranca y Caixa Penedès.

 

Además de la muestra permanente dedicada a la viña y el vino y su relación con el Penedès y Catalunya, VINSEUM promueve exposiciones temporales y actividades de divulgación sobre la cultural del vino. El centro ofrece también un programa educativo que bajo el título “La Escuela de los Sentidos” tiene como objetivo acercar y dar a conocer a alumnos de primaria y secundaria una forma de cultura ancestral de gran tradición y arraigo en la tierra. El Museo también cuenta con un Centro de Documentación especializado en la viña y el vino y el Penedès.

 

El Museo de Vilafranca, ahora VINSEUM Museo de las Culturas del Vino de Catalunya, nació en 1934 con la voluntad de aglutinar diferentes colecciones relacionadas con el Penedès. La arqueología tenía un peso importante así como colecciones históricas fruto de donaciones particulares. Entre estas colecciones había muchos objetos relacionados con la cosecha de la uva y la elaboración del vino.

 

VINSEUM, Museo de las Culturas del Vino de Catalunya

Plaça Jaume I, 5

VILAFRANCA DEL PENEDÈS (Barcelona)

 

http://www.vinseum.cat/

 

EXPOSICIÓN: Un jardín singular. La cerámica Turca de IzniK.

 

La agencia de comunicación Mahala informa a través de nota de prensa de la nueva exposición en el Museo de la Cerámica de Barcelona

Una visita por “Un jardín singular” a través de la codiciada y escasa cerámica de Iznik

 

El Museo de Cerámica de Barcelona presenta por primera vez en España una exposición que muestra un conjunto de obras de Iznik (Turquía), procedentes de la Fundación Calouste Gul-benkian de Lisboa y de colecciones privadas barcelonesas. Producidas en el momento álgido del imperio Otomano, cuando Estambul era el epicentro comercial y cultural de Oriente Me-dio, el interés de esta cerámica, tan codiciada por los mejores coleccionistas, reside en su or-namentación floral que reproduce la vegetación autóctona, tulipanes, clavelinas y jacintos, entre otros, y en los vivos colores turquesas, rojos, rosados, verdes, esmeraldas y púrpu-ras, insólitos hasta aquel momento en Europa.

 

Un jardín singular” es un paseo por la desconocida e influyente cerámica de Iznik, pe-ro también por la historia de las flores y el gusto por la decoración floral, desde los teji-dos hasta los tratados de botánica, pasando por la incidencia de los floreados en la cerá-mica catalana. La muestra que se podrá visitar desde el 9 de octubre al 3 de marzo de 2013, es la última que se podrá ver en el Palacio Real de Pedralbes antes del traslado al nuevo edi-ficio del DHUB, ubicado en la plaza de las Glorias.

 

La Fundación Calouste Gulbenkian es una institución privada, con vocación públi-ca, ubicada en Lisboa y centrada en los campos del arte, la educación y la ciencia. Crea-da por Calouste Gulbenkian, el ámbito de actuación de la fundación no comprende sólo Portugal, sino también el extranjero a través de una amplia gama de actividades y subvenciones.

 

Calouste Gulbenkian fue un coleccionista de objetos, entre los que se encuen-tran cerámicas, joyas, tejidos, manuscritos y útiles de escritura, que, a su muerte en 1955, dejó en Portugal para crear una fundación.

MUSEU DE CERÀMICA 
Palau Reial de Pedralbes
Av. Diagonal, 686
BARCELONA

http://www.museuceramica.bcn.es/home.htm

GALERIA COMAS

AGUSTÍ VILADESAU: LA IRRESISTIBLE ABSTRACCIÓN

En ocasiones, al contemplar una obra abstracta, esta debe ser entendida de forma estricta, y no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que debe observarse como una nueva realidad distinta a la natural, o a lo cotidiano, gracias a los aspectos cromáticos o gestuales, que huyen de formas y estructuras plenamente definidas.

Ésta podría ser una de las conclusiones que pudieron comprobarse al visitar la exposición: Com construir un enigma, a partir de la solució, que el artista Agustí Viladesau presentó en la Galeria Comas de Barcelona hasta el pasado 10 de octubre.

En la obra de Viladesau, la abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Es una obra que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, gracias a gruesas y extensas manchas, llegando incluso al marco, utilizado como soporte pictórico, más que como acabado de la obra, sin conservar ninguna traza de referencia a nada reconocible.

Només quatre gotes (Tan sólo cuatro gotas)

El espectador se encuentra ante una génesis perpetua, de pretextos visuales ubicados en espacios arbitrarios; unas formas sin cuerpo, de unos cuerpos sin forma estable, circulando ingrávidos en atmósferas cargadas de tensión, en unas piezas realizadas en formato medio-grande principalmente (75x90 cm. aprox.) y donde incluso, los títulos de las obras juegan con conceptos abstractos: Finestra al desert (Ventana al desierto), La cambra dels somnis (La habitación de los sueños), Només quatre gotes (Tan sólo cuatro gotas), etc.

Una exposición de absoluto impacto visual, con dominio y protagonismo de un juego cromático intenso, enérgico y vibrante, “estructurado” dentro de un espacio bi-dimensional, sin ninguna concesión al detalle, con el fin de dar resplandor a la aparente imperfección. 

GALERÍA COMAS

Passeig de Gràcia, 114 (Diagonal)

BARCELONA

 

www.galeriacomas.com

GALERIA JORDI BARNADAS

 

JORDI SABAT:

Perspectiva artística de la publicidad: ironía y reflexión

 

Al lector de esta web, el título de este artículo puede parecerle un tanto grandilocuente, y tal vez más adecuado para una conferencia que para una crítica sobre una exposición.

 

No obstante, la obra que Jordi Sabat expuso hasta el 21 de octubre pasado en la galeria Jordi Barnadas de Barcelona, bajo el título: L’aparador (El escaparate) no es simplemente una exhibición de trabajos artísticos que siguen los parámetros establecidos por los cánones académicos o no del arte, sino que plantea con sentido del humor, y bajo una sencilla y correcta realización, la superficialidad de la sociedad actual, que sucumbe al hechizo de escaparates, sean los cristales de los comercios, o las 365 líneas de la televisión, para seguir unos acordes de moda – de comportamiento o de vestir - implantados por dudosos gurús, intereses mediáticos o freakies de fama efímera, que dictan a su libre albedrío, y sin escrúpulos de ninguna clase, cuales son las formas esculturales que priman, como hemos de vestirnos, de alimentarnos, de divertirnos, como hemos de huir de la realidad, para evitar profundizar en nosotros mismos, a fin de no descubrir que somos seres humanos con sentimientos y cerebro.

 

Sabat propuso en su exposición, que el espectador hiciese una introspección, como si de contemplar una vitrina se tratase, vistiendo maniquíes anónimos, a los que da atributos y personalidad, revistiéndolos de una nueva piel gráfica, que los engorda o adelgaza, según la voluntad del artista.

 

Sin olvidar ese toque de ironía que caracterizó la exposición, resultó perfectamente contrastante, pero implacablemente real, observar los maniquíes con las distintas marcas publicitarias, para inmediatamente toparnos con la realidad de nuestros esqueletos, cual espinas de pescado, realizados en técnica mixta sobre tela, pero siendo el objeto plasmado colgadores de armario, a los que evidentemente titulo “Peix” (Pescado).

 

Una muestra curiosa y divertida, de contemplar, sarcástica y mordaz, a la que podría aplicarse el lema de la ya desaparecida revista de humor “La Codorniz”: “Una exposición audaz para el espectador más inteligente”.

 

GALERIA JORDI BARNADAS

Consell de Cent, 347

Barcelona

 

www.barnadas.com

FUNDACIÓ JOAN MIRÓ

EXPOSICIÓN: Explosió! El llegat de Jackson Pollock

 

 

Explosió! El llegat de Jackson Pollock (¡Explosión! El legado de J. Pollock) investiga el entramado de influencias y conexiones que se generaron a partir de la action painting o pintura de acción, cuyo principal exponente fue Jackson Pollock (1912-1956).

 

Desde finales de 1940, la noción de pintura como acción abrió un inmenso campo de posibilidades que se tradujeron en el arte de la performance y en las innovadoras prácticas artísticas conocidas con el nombre de arte conceptual. Muchos artistas confirieron tanta importancia al acto creativo como la pintura que era el resultado.

 

La muestra ofrece una visión geográfica y cronológica sobre el alcance del fenómeno e incluye obras realizadas en diversas técnicas de artistas de finales de los años cuarenta hasta los años setenta, entre los que cabe destacar Jackson Pollock, Yves Klein, Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Allan Kaprow, Andy Warhol, Lynda Benglis y Saburo Murakami del Grupo Gutai, Bruce Nauman, John Baldessari, Paul McCarthy, entre otras.

 

La muestra permanecerá abierta del 24 de octubre de 2012 al 24 de febrero de 2013.

 

FUNDACIÓ JOAN MIRÓ

Avenida de Miramar, s/n,

Barcelona

 

http://www.fundaciomiro-bcn.org

La Obra Social “la Caixa” informa a esta web a través de nota de prensa, de la convocatoria una nueva edición del certamen:

 

FotoPres “la Caixa” se reinventa

 

adaptado a las nuevas tecnologías y formas de comunicación

 

Coincidiendo con el 30.º aniversario de la creación de FotoPres, la Obra Social ”la Caixa” actualiza este certamen de referencia internacional adaptándolo a la nueva realidad que vive el mundo de la fotografía.

 

Si en un primer momento ”la Caixa” quiso reconocer el trabajo de los fotógrafos de prensa y después la entidad fue pionera en introducir la mirada de autor en el mundo de la fotografía documental, ahora FotoPres "la Caixa" inicia una nueva etapa acorde con las transformaciones en el sector de la comunicación y las nuevas tecnologías.

 

FotoPres "la Caixa" promoverá la fotografía documental como medio de sensibilización, reflexión y diálogo otorgando cinco ayudas de 10.000 euros para la producción de cinco trabajos que exploren grandes conflictos contemporáneos desde una perspectiva crítica y con la implicación de los colectivos protagonistas. Finalmente, los proyectos formarán parte de una exposición itinerante.

Los seleccionados contarán con el asesoramiento de un tutor, un profesional del mundo de la imagen. Con ese fin, la Obra Social ”la Caixa” ha firmado un convenio con la agencia internacional de fotografía Magnum Photos por el cual los tutores de FotoPres "la Caixa" serán tres de sus fotógrafos.

 

En esta nueva etapa y de acuerdo con el momento en que vivimos, el público podrá seguir el desarrollo del proceso de creación y la relación entre el fotógrafo y su tutor a través de la web http://fotopres.caixaforum.com/.

 

El plazo de presentación de proyectos se ha abierto esta semana y finalizará el próximo 29 de octubre.

 

Un jurado independiente e internacional, formado por profesionales del sector de la comunicación, la imagen y la cultura, evaluará los trabajos presentados y decidirá cuáles son los seleccionados. Entre otros factores, se tendrá en cuenta que los proyectos estén comprometidos con la realidad que documentan, que sean capaces de establecer sinergias con los colectivos implicados o con los protagonistas de las realidades documentadas y que apunten hacia una redefinición del papel de la imagen documental, incluso integrando otros medios que puedan complementar el medio fotográfico (vídeo, texto, multimedia, etc.).

 

Para más información:

Departamento de Comunicación de la Obra Social ”la Caixa”

 

Sala de Prensa Multimedia: http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/

http://www.obrasocial.lacaixa.es

 

 

MUSEO DIOCESANO DE BARCELONA

Exposición: A LA LUZ DEL “CALIXTINO” El Códice de Santiago

 

La redacción de esta web recibió

del Museo Diocesano de Barcelona el siguiente

comunicado de prensa relacionado con la exposición

sobre el Códice de Santiago:

El 4 de julio de 2011 el Liber Sancti Iacobi, más conocido como “Códice Calixtino” (1120-1180) de la catedral de Santiago de Compostela, fue robado. Tras un año de investigación, el 5 de julio de 2012, la policía descubrió el paradero del manuscrito más célebre de la peregrinación jacobea. No era la primera vez, el papa Calixto II principia el Libro I del “Calixtino” narrando como el manuscrito había sobrevivido en sus inicios a robos, incendios y naufragios. Al amparo de la popularidad obtenida por ese robo y recuperación del “Calixtino”, creció el interés por el contenido del manuscrito y sus implicaciones europeístas.

 

La exposición A la luz del “Calixtino”: el códice de Santiago es una muestra didáctica sobre la historia y contenidos del Calixtino, el ambiente cultural en el que nació, la mentalidad de la época, la catedral y la ciudad de Santiago en el siglo XII y una síntesis de la historia del camino de peregrinación y sus valores culturales. Esta exposición itinerante inicia su recorrido en Barcelona para después visitar otras ciudades europeas: Madrid, León, Pamplona, Málaga, Le Puy, Munich, Berlín, Roma.

La muestra está integrada por originales y facsímiles: dos valiosos facsímiles del Códice Calixtino (s. XII), la primera edición en gallego del Calixtino ilustrada por Francisco Leiro (2010), un capitel geminado medieval original de una casa compostelana, un facsímil de la cruz donada por el rey Alfonso III en 874 (pieza de oro y pedrería realizada en 2004), el libro original “Escena de peregrinación” con grabados del s. XVI, un rosario de azabache y plata (pieza original del Gremio de azabacheros de Santiago, s. XIX), además de obras originales de artistas gallegos contemporáneos como Francisco Leiro, Alfonso Sucasas, Antón García Patiño y diversos fotógrafos.

 

La exposición, que podrá visitarse hasta el próximo 14 de octubre. se completa con fotografías ampliadas de las miniaturas del Códice, videos sobre la experiencia de los peregrinos actuales, una reconstrucción virtual del altar mayor románico de la catedral de Santiago según descripción del Libro V del Calixtino, una reconstrucción virtual de la fachada norte de la catedral románica de Santiago según descripción del Libro V del Calixtino. La música ambiental procede de las notaciones originales del mismo Calixtino.

 

MUSEU DIOCESÀ – Monument de la Pia Almoina

Avdga. de la Catedral, 4

BARCELONA

 

e-mail:museudb@yahoo.es

FUNDACIÓ VILA CASAS – CAN FRAMIS (Barcelona)

Exposición Agustí Centelles, una crónica fotográfica. Años 30

 

La Fundació Vila Casas remite a la redacción de esta web,

nota de prensa sobre la muestra de referencia:

La Fundación Vila Casas presenta en Can Framis, Museo de Pintura Contemporánea, la exposición Agustí Centelles, una crónica fotográfica. Años 30 que, comisariada por el crítico e historiador de arte Daniel Giralt-Miracle, contempla 110 fotografías relativas a las dos primeras etapas de su
trayectoria.

 

Este conjunto de obras pertenecen a la colección de copias de autor que la Fundación Vila Casas adquirió a los descendientes Centelles en el año 2010, y que son custodiados por el Archivo Fotográfico de Barcelona quien vela por su óptima conservación. Con este acuerdo, la Fundación Vila Casas consiguió que este legado tan valioso no fuera desperdigado, a fin que cualquier ciudadano pudiera conocer de primera mano, las obras de un autor internacional que se convirtió un referente de primer orden de la renovación del periodismo.

Asimismo, la Fundación celebrará periódicamente muestras temporales de autores del fondo del Archivo al Palau Solterra, Museo de Fotografía Contemporánea. Esta muestra, que ha sido posible gracias a la colaboración entre la Fundación Vila Casas y el Instituto de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona, y ​​se podrá visitar en Can Framis hasta el 10 de febrero de 2013.


Estructurada en cinco ámbitos expositivos, República 1931-1936; 19 de julio y el inicio de la Guerra Civil; El Frente (Retratos del Frente); Retaguardia y El Campo de Concentración de Bram, la muestra cuenta con un guion que permite revivir los hechos de la guerra, y cómo ésta impactó en la sociedad de la época, gracias a que las fotografías van acompañadas de escritos documentales, que permiten comprender la magnitud de aquella tragedia.

 

La exposición se complementa con una selección de imágenes de las publicaciones del periodo, en las que se reprodujeron las fotografías de Centelles, hoy reconocido como primer fotoperiodista catalán.

 

 

FUNDACIÓ VILA CASAS

CAN FRAMIS

C/ Roc Boronat 116-126

Barcelona

 

www.fundaciovilacasas.com

EL ARTISTA INFORMA

 



Exposición: JOSÉ G. RAMOS - Mirant Enrrera

José G. Ramos remite el siguiente comunicado con respecto a su exposición:

Hasta el próximo 31 de octubre, el Centre Cultural La Marineta de Mollet del Vallés, acoge la exposición Mirant Enrrera (Mirando hacia atrás) de José G. Ramos, que presenta sus ultimas creaciones.

Graduado en Artes Aplicadas (muralismo) por la EAA (Llotja) de Barcelona. – y con un Postgrado en artes Plásticas para la Enseñanza Primaria por la Universidad Autónoma de Barcelona. Plásticas para la Educación Secundaria por la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha realizado también cursos de grabado impartido por el pintor grabador Enrique Brinkmann y otros efectuados en el taller de la Casa Museo de Goya en Fuendetodos, (Zaragoza), etc.

 

 

Centre Cultural La Marineta

Pl. de l'Esglèsia,7

08100 Mollet del Vallès

BASES DEL CONCURSO FOTOGRÁFICO: PhotoDalícatessen

La entidad Amics del Castell de Sant Ferran de Figueres (Girona), remitió hace unos días a esta redacción, las bases del concurso PhotoDalícatessen,

certamen coordinado por Martí Dacosta,

que a continuación reproducimos

 

 

El concurso PhotoDalícatessen llega a su undécima edición en este año 2012. Este concurso fotográfico es una iniciativa de Dalícatessen que recibe, desde hace cinco años, la colaboración de los Amigos de los Museos Dalí, en cuanto las tareas de organización y de recepción de las fotografías.

Este concurso tiene como objetivo promover la fotografía y fomentar actos culturales en torno al Museo Dalí. Una pequeña iniciativa para animar a la gente a disfrutar de este entorno daliniano.

El jurado de esta nueva edición estará formado por:

Montse Aguer, directora Centro Estudios Dalinianos.

Santi Coll, director Semanario L'Empordà de Figueres.

Pedro Labrador, fotógrafo local y ex colaborador del Punt Diari.

Pascual Pesudo, miembro de la junta y representante Amigos Museo Dalí.

Cada año hay un fotógrafo invitado. En la edición 2012 es el Sr. Pere Duran fotógrafo con una larga trayectoria, y conocido en las comarcas de Girona por su trabajo en el diario El País.

Nombres relevantes han pasado por este certamen Tino Soriano, José Algans, Pere Puértolas, Francesc Guillamet, Jordi Puig, Hector Zamplagione, Robin Townsend, Imma Sainz de Baranda, Joan Vehí el desparecido Marc Lacroix.

La dotación de los premios es de 650 euros y dos carnés de socio de los Amigos de los Museos Dalí.

La recepción de obras será del hasta el 31 de octubre de 2012. Más información en la web: www.dalicatessen.com

O físicamente a Dalícatessen, San Pedro, 19 de Figueres o Amigos de los Museos Dalí en la Torre Galatea de Figueres.

Agradecemos vuestro interés y os doy las gracias por adelantado para poder difundir esta nueva convocatoria del Photodalícatessen 2012.

 

Martí Dacosta responsable del Dalícatessen

Contacto: 972 51 11 93-607615385

DESPACHO LIDER EN ESPAÑA EN TASACIONES DE ARTE

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Marta Teixidó

Crítico de arte

CUALQUIER COMENTARIO, CRÍTICA O SUGERENCIA, PUEDEN SER REALIZADOS EN LA SIGUIENTE DIRECCIÓN DE CORREO ELECTRÓNICO.

 

mteixido62@gmail.com

 

PERFIL

Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

http://cuadrosdeunaexposicin.blogspot.com/

 

Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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