Cuadros de una Exposición.com
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COMUNICADOS DE ARTE

04 de Agosto de 2012

HANNAH COLLINS: Cuando la gastronomía invita a la fotografía

FUNDACIÓ SUÑOL (Barcelona)

En los últimos años, la palabra gastronomía se ha transformado en lo que en los ambientes culinarios se conoce como “Cocina de autor”; es decir, la creación de platos en los cuales sabores, aromas, texturas, etc., tienen un papel predominante, y donde cantidad significa exquisitez, aunque neófitos y plebeyos, pueda simbolizar escasez.

 

Sin embargo, el ARTE de la Gastronomía y la cocina de autor, tienen precedentes de más de 300 años. El considerado primer gastrónomo y gourmet de la historia, Jean Anthelme Brillat-Savarin (1755-1826), publicó en lo que se podría llamar su “vademécum” Fisiología del gusto o meditaciones de gastronomía trascendente, un conjunto de aforismos, destacando entre ellos:

 

El placer de la mesa es propio de cualquier edad, clase, nación o época. Puede combinarse con todos los demás placeres, y subsiste hasta lo último para consolarse de la pérdida de otros.

Gracias a la FUNDACIÓ SUÑOL y a la exposición de fotografías de Hannah Collins (Londres, 1956): El festí frágil (El festín frágil), la pleitesía al paladar se transforma en reverencia a la contemplación y a la mirada, en una exposición de imágenes – cerca de 250 – a todo color, donde otro de los aforismos de Brillat-Savarin: Los animales pacen, el hombre come; pero únicamente sabe hacerlo quien tiene talento, se pone de manifiesto, adentrándose en la procedencia y degustación de 30 ingredientes culinarios utilizados por Ferran Adrià.

 

Tal como indica la nota de empresa facilitada por Fundació Suñol: Collins se embarcó en un viaje a la búsqueda de los orígenes de aquello oculto y esencial de determinados productos, a través de Europa, América Latina y Japón, recorrido en el que fotografió e indagó en la memoria identificativa de elementos culinarios muy singulares, utilizados en la cocina del chef de El Bulli.

La muestra resulta absolutamente original en su trazado expositivo, destacando el planteamiento de algunas fotografías como auténticos bodegones del siglo XXI, donde, aplicando aquel famoso principio físico de Antoine Lavoisier: “La materia no se crea ni se destruye, se transforma”, la frescura de los manjares, se convierten en primorosos platos.

 

Anemonas gaditanas, el kuzo japonés, la miel de las abejas nómadas cultivada en Italia o los pinos de los Pirineos, entre otras materias, han sido encuadrados, iluminados captados y plasmados de forma brillante y meticulosa, sin perder detalle, a través de un manejo del color intenso, alegre y vivaz.

 

El Festí frágil es un relato visual y cronológico del origen de emblemáticos alimentos, cuya preparación y degustación hacen olvidar al comensal su historia y desarrollo. El ARTE visual y culinario se unen en esta muestra, para ofrecer al espectador y visitante un sincero homenaje a la Naturaleza, cuya sabiduría aporta productos para el deleite humano. A la gastronomía, por las lecciones que a lo largo de los tiempos ha ido acumulando, y al hecho de considerarse un gourmet, por saber apreciar todo lo que la preparación de un plato conlleva.

 

FUNDACIÓ SUÑOL

Passeig de Gràcia, 98

Barcelona

 

www.fundaciosunol.org

 

L EDICIÓN DEL PREMIO DE DIBUJO YNLADA GUILLOT - FUNDACIÓ VILA CASAS (Barcelona)

 

CONCURSOS Y PREMIOS: GANADORES SIEMPRE POCO CONVINCENTES

Tere Unsain Romero: Autorretrato con mano

La visita a una exposición artística, cuyo origen ha sido la convocatoria de un concurso, siempre produce en el espectador una mezcla de asombro y decepción por la decisión de un jurado, teóricamente de expertos o muy conocedores del tema, pero que en la práctica, JAMÁS presentan una consecuencia de su veredicto – rara es la ocasión en que un jurado se arriesga – ni tampoco ofrecen una explicación CLARA y CONVINCENTE del porqué de su decisión.

 

Tal es el caso de la quincuagésima convocatoria del Concurso Internacional de dibujo YNGLADA GUILLOT, que la Fundació Vila Casas de la presenta en el Espai Volart-1, de la calle Ausias March, cuyo ganador ha sido Tomás Martínez Suñol por la obra: Esquerdes de llum (Brechas en la luz) (89 x 89 cm rotulador sobre papel). Por otro lado, la La danza de Matisse de la artista Maria Claudia Ganzo Bracco ha recibido un accésit. El premio está dotado con 4.000 € por la mayoría de votos del jurado, que a fecha de hoy, la Fundació Vila Casas todavía no ha publicado su composición.

 

Según las bases del concurso, la obra ganadora, pasará a ser propiedad del Patronato de la Fundación, quien la destinará al Museo de la Real Academia de Bellas Artes Sant Jordi.

 

Obra Ganadora - Tomàs Martínez Suñol - Esquerdes de llum

Ésta crítico de provincias, que lleva ya unos cuantos años visitando exposiciones, que ha visto mucho - ¡y lo que todavía le queda por ver ¡- y que por supuesto tan sólo es una insignificante comentarista en este atronador mundo artístico, digna del menosprecio de dioses tan políticamente relacionados con el mundo del arte, en su huida constante de los mismos, como alma que lleva al diablo, se permite la libertad de decir ALTO Y CLARO: que la obra ganadora es una burla a la inteligencia humana, y que merece un calificativo escatológico, que por respeto al respetable lector, se omite mencionar, pero que tiene mucho que ver con el producto del tránsito intestinal en humanos y mamíferos.

 

Sin embargo, el conjunto de la exposición – a excepción de la obra ganadora y del accésit – dispone, afortunadamente, de un alto nivel en cuanto a calidad, imaginación, técnicas empleadas.

Carmen Márquez Prieto: Caída Libre

A destacar dentro de un hiperrealismo cargado de matices, de técnica absolutamente depurada, maestría en el planteamiento y de gran impacto visual a Tere Unsain Romero, con su obra: Autorretrato con mano, y a Omar Arráez Pérez con Cartografías epidérmicas, ambos realizados en carbón /grafito y Lápiz/grafito sobre papel respectivamente.

 

Oscar Camilo Flores Aguirre con su trabajo en tinta sobre papel Kozo: Balseros, wetbacks & sudacas, presenta una obra de un barroquismo y densidad únicos, con extremado cuidado en los detalles, perfección en el trazo, y un planteamiento estético que sin duda capta la admiración del espectador. Curiosa, sorprendente y con buenas dosis de provocación estética podría calificarse al obra de Carmen Márquez Prieto: Caída libre, cuyo material empleado: carboncillo compuesto, grafito i carboncillo, produce en el espectador una sensación de extraño atractivo visual, al igual que la pieza presentada por Chus García Fraile: Serie Megalópolis en carboncillo sobre papel, donde predominan grandes conocimientos de dibujo lineal o de arquitectura, en un planteamiento estético urbano, extraño y subyugante.

Oscar Camilo Flores Aguirre: Balseros...

Otros artistas a destacar por trabajos interesantes, de planteamientos estructurales admirables, correctos, no exentos de cierta originalidad, pero sin la fuerza expresiva de los anteriormente citados son: Nadia Camacho Casado, Guillermo Adolfo Pérez Masedo, Ana Vinagradov, José de los Santos Almonte, etc.

 

Joaquim Verdaguer Puigvendrelló, con su obra Recolliment, presenta el único desnudo de la muestra, planteado con sabios conocimientos del claro-oscuro, lo que le da a la pieza un carácter sutil, femenino, profundo y misterioso, a la par que presenta un magnífico estudio anatómico.

 

En conclusión, puede decirse que se trata de una muestra, realizada en formato medio (50 x 60 cm. generalizando), y con fecha 2012, donde la exposición de las obras presentadas, supera con creces a los premiados, que como suele ocurrir en la mayoría de este tipo de convocatorias, caerán en el inmediato olvido, curiosamente por haber sido los destacados.

Robert Pallas Cardenal - Doméstico diario Intimo

La L Edición del Premio de Dibujo Ynglada Guillot, se complementa en el Espai Volart-2 con la muestra PATRIM 2011, fruto del convenio de colaboración entre la Facultat de Belles Arts y la Universitat de Barcelona, y que han pasado a formar parte de su fondo artístico patrimonial. Una plataforma que permite a los autores y artífices seleccionados, tener contacto con el exterior, posibilitando su acceso a círculos artísticos.

 

Una muy loable intención, que se ve inmediatamente truncada por la calidad y la temática de las piezas presentadas: pobres en cuanto a imaginación, y de tendencia melancólica y depresiva. Unos trabajos sin atractivo, demasiado vistos en otros contextos, inspirados en demasía en la cotidianidad, lo que demuestra una clara falta de originalidad y de creatividad, sin que en ningún momento obedezcan a uno de los cánones básicos del arte: la búsqueda de lo bello. La conclusión que se extrae de esta muestra sólo puede ser una: de los artistas del siglo XXI sólo cabe esperar desilusión y apatía.

 

 

FUNDACIÓ VILA CASAS

Espacio Volart I y II

C/ Ausias Marc, 22

Barcelona

www.fundaciovilacasas.com

Can Mario de Palafrugell inicia la nueva temporada de verano, con tres muestras temporales y cambios en la colección permanente.

Obra premiada: Javier Garcés - "Madre e hija"

En nota de prensa facilitada a esta web, se informa que la Fundació Vila Casas presentó el pasado 15 de junio, la nueva programación de verano del Museo de Escultura Contemporánea Can Mario de Palafrugell, así como los cambios de la colección permanente.

 

Con el objetivo de presentar a nuevos creadores y potenciar las diferentes colecciones que integran el fondo de arte de la Fundación, desde el año 2001 la institución convoca los Premios Fundación Vila Casas en las disciplinas de pintura, escultura y fotografía, una plataforma que ha incrementado su importancia, al potenciar y estimular la creación artística del país y ofrecer una visión aproximativa del mapa creativo actual.

 

Este año, la convocatoria ha estado dedicada a la escultura y cuenta con la exhibición de cuarenta y ocho piezas que después de pasar una primera selección por parte de los miembros del jurado integrado por: Miguel Ángel Sánchez, Gestor cultural; Francesc Miralles i Bofarull, Crítico de arte, Antonio Sagnier, Coleccionista, Manel Álvarez, Escultor, Joan Uriach, Patrón Fundación Vila Casas, Antonio Vila Casas, Presidente Fundación Vila Casas y Gloria Bosch, Directora de Arte de la Fundación Vila Casas, en calidad de secretaria sin derecho a voto, se exhibirán los ámbitos 1 y 2 de Can Mario entre el 16 de junio y el 16 de septiembre.

 

La entrega del premio al autor de la obra finalista tuvo lugar el mismo día, a las siete y media de la tarde, de la mano del Alcalde de Palafrugell, Ilmo. Sr. Julio Fernández y del presidente de la Fundación, Sr. Antoni Vila Casas.

Asimismo, la sala 3 de Can Mario presenta la muestra que, bajo el título Taller BDN de Escultura, acoge el trabajo de 16 escultores que han desarrollado desde múltiples y heterogéneos posicionamientos artísticos, un trabajo escultórico que ha sido producido en un mismo centro de investigación, el Taller BDN de Escultura de Mataró. Bajo la dirección del escultor Josep M. Camino, el centro es un espacio que potencia la reflexión y posibilita la puesta en común entre los creadores que conviven temporalmente para alcanzar el hecho creativo.

 

Por otra parte, en la Sala Empordà tuvo lugar la inauguración de la exposición: El Escaparate del artista y diseñador gráfico, Jordi Sàbat, un trabajo que deja al descubierto unos maniquíes anónimos, que reviste y envuelve de atributos para de otorgarles una nueva identidad objetual y críptica.

 

CAN MARIO

Plaça Can Mario, 7

17200 PALAFRUGELL (Girona)

 

www.fundaciovilacasas.com

LA FUNDACIÓN VILA CASAS HACE DONACIÓN

DE UNA ESCULTURA DE JAUME PLENSA

La Fundación Vila Casas celebró el pasado 13 de junio, el acto de presentación de la escultura Dell'Arte del artista Jaume Plensa que se cede en la ciudad de Barcelona. Se trata de una escultura monumental de hierro, creada en 1990, de 270 x 130 x 130 cm y 2,700 kg.

El Consejo Asesor de Arte Público del Ayuntamiento de Barcelona aprobó ubicarla en la plaza del Museo Can Framis (Roc Boronat, 116-126).La Fundación Vila Casas también ha cedido recientemente en la ciudad de Barcelona la escultura de Alfonso Alzamora, Homenaje a Isaac Albéniz y Alicia de Larrocha, inaugurada el mes de mayo y emplazada en el espacio de acceso a L'Auditori (c . Lepant, 150).

Esta es la cuarta obra de Jaume Plensa emplazada en el espacio público de la ciudad condal: Escullera un conjunto de tres esculturas ubicadas en la calle Conflent con la Vía Júlia; la escultura también llamada Dell'Arte, ubicada en el Jardín de Esculturas de la Fundación Joan Miró y el conjunto Born, en el paseo del Born.

Fotografía: Pedro Madueño

Jaume Plensa (Barcelona, ​​1955) es uno de los escultores más relevantes del panorama nacional e internacional. Su trabajo se caracteriza por la conjugación de elementos opuestos que, a través de la diversidad de materiales como el hierro o el agua, llegan a captar la verdadera esencia del hecho creativo. El eje conductor de su trabajo se centra en la dimensión del hombre y su relación con el entorno. Entre sus exposiciones realizadas, cabe destacar la retrospectiva que le dedicó el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en el año 2000, los encargos de escultura pública en todo el mundo y varias escenografías para óperas y teatros como la de La Fura dels Baus.Durante la década de los años 80 trabaja con materiales pesados ​​como el hierro, que posteriormente sustituirá por otros más ligeros.

El hierro, elemento industrial, permite leer nuestra propia historia en un intento de evocar la memoria; la liberación de la escultura de cualquier ornamento conduce su producción hacia la expresividad directa que invita a un recogimiento interior. En la escultura Dell'Arte, una columna esconde un tótem, que a su vez se convierte en un receptáculo almacenador de agua, uno de los cuatro elementos que posibilitan y sostienen el equilibrio cósmico, una armonía que, mediante un tándem de opuestos, convergen en una confluencia de percepciones y emociones. Las dimensiones, siempre humanas, de su trabajo tridimensional, son envueltas de un entorno místico y divino que dota al trabajo del escultor de un aura poética que se nutre de los grandes literatos de la historia y perpetuar nuestra memoria.

FUNDACIÓ VILA CASAS

www.fundaciovilcasas.com

El Goig i la Revolta de Pilar Aymerich se convierte en una oda a la libertad que se manifiesta en las salas temporales del Palau Solterra Torroella de Montgrí (Girona)

En nota de prensa facilitada a esta web, la Fundació Vila Casas presenta desde el pasado 9 de junio hasta el próximo 16 de septiembre exposición dedicada a la fotógrafa Pilar Aymerich, bajo el título El Goig i la Revolta (El Deleite y la Revuelta)

La exposición, ha sido comisariada por Glòria Bosch y Marina Vilageliu, y reúne una veintena de obras realizadas entre la década de los 70 y los 80 que se convierten en testimonio de la historia del país, la defensa de la libertad desgarrada por la dictadura, la muerte del autócrata, las manifestaciones del año 1975 a favor del Estatuto de Autonomía o la Amnistía fueron objeto de la mirada crítica y de denuncia de la fotógrafa barcelonesa.

Independientemente de estos trabajos donde los protagonistas se convierten en personajes anónimos, el itinerario expositivo integra una serie de retratos de personalidades del mundo de la cultura que fueron publicadas en revistas donde colaboró.

Por parte de Cuadros de, se podría añadir que Pylar Aymerich es coetánea de José Sancho, quien en 2011 expuso en SETBA ZONA D’ART, un conjunto de fotografías, de características similares a las de Aymerich, bajo el nombre de Barcelona, canalla y sublime. Fotografías de José Antonio Sancho (1979-1999).

 

En aquella ocasión, Cuadros de una exposición publicó: Una muestra donde el espectador pudo contemplar fotografías realizadas con cámara analógica, técnica que permitía repetir pero apenas visualizar en el mismo instante de la toma de imagen, y que poseían la categoría de retrato humano, de crónica visual de una realidad, de una evolución, y sobre todo de una época llena de cambios sustanciales y algunos radicales, en la vida de un país como España, en una etapa que abarca desde los efectos de la crisis del petróleo de 1975 hasta la contundencia de la crisis de 1993, superada esta última por el dramatismo y la irracionalidad de la actual.

 

De ambas exposiciones se ha editado catálogo, por lo que siempre es interesante poder comprobar la visión fotográfica de dos objetivos distintos.

FUNDACIÓ VILA CASAS

PALAU SOLTERRA

Carrer de l’Eslgèsia, 10

Torroella de Montgrí (Girona)

www.fundaciovilacasas.com

ESART GALERIA (Barcelona)

MAGICAL VIEWS OF ISRAEL

Uri Rosenberg

Desde Cuadros de… siempre se ha abogado por la presencia de artistas extranjeros en nuestras galerías, a fin de poder comprobar, y tambien comparar, las tendencias plásticas de los españoles, con respecto a las que tienen vigencia en otros países.

 

Si bien, puede ser un tanto habitual que artistas franceses, italianos, algunos centro-europeos, etc., expongan en salas diversas, resulta absolutamente sorprendente que Israel nos visite… a través de su arte.

 

La Galeria ESART, conjuntamente con diversas asociaciones culturales y artísticas del estado hebreo, ofreció hasta principios de agosto una significativa muestra del arte actual israelí, que a excepción de algunas piezas, poco difiere del que puedan realizar los pintores españoles.

Yosi (Mordo) Kohen

La curiosidad de la muestra, estriba en el retoque pictórico realizado a la fotografía en color de elementos urbanos – una tendencia que en España se aplicaba al retrato, y que dejó de utilizarse a mediados del siglo XX – y que en el país hebreo tiene grandes adictos, y que a buen seguro, en nuestro país provocaría las más duras críticas por parte de realistas e hiperrealistas.

 

Uri Rosenberg y Binyamin Adam con su serie “Tel Aviv arround”, presentan una obra de visualmente atractiva, realizada con la técnica antes mencionada, que fácilmente confunde al espectador español acostumbrado a las nuevas tendencias realistas. Sin duda seduce visualmente, pero su planteamiento técnico provoca distanciamiento y frialdad.

 

Yosi (Mordo) Kohen, ofrece una imagen original en cuanto a diseño estético, de un mercado, con sus tenderetes y la gente paseando o comprando. Una obra con un gran sentido humano, no sólo por el contexto de la misma, sino por la cotidianidad tan cercana que presenta. Excelente factura, corrección y buen planteamiento estructural, pincelada elaborada y luminosidad brillante.

Ahuya Sherman

Ahuva Sherman invita al espectador a un especial paseo por el Valle de Galilea, por medio de una singular vista de pájaro, de una paleta de colores de tonos pálidos, resaltando algunas manchas, que aumenta la sensación aérea, planteamiento estético original en base a geometrías, manejo del pincel vehemente y directo y juego lumínico claro y definido.

 

Elie Kacen exhibe un particular “pixelación”, con base geométrica y referencia al arte cinético, donde el juego de formas y colores domina el contexto de una obra esquemática y sencilla, y un tanto “demodé”.

 

Finalmente,Rumy Renan, Miriam Zvieli, Michelle Harari, Matti Halili, Barbara Szakacs y Yaffa Wainer ofrecen el tipismo de los paisajes de su país, destacando en Wainer un planteamiento estético más desarrollado y elaborado, con un manejo del pincel sutil y minucioso, acierto en la estructura, buen uso de la perspectiva y radiante luminosidad.

Yaffa Weiner

En general, se trata de una exposición donde abunda el paisaje urbano y natural, (centrado en la ciudad de Tel Aviv y en el Valle de Galilea), sin concesiones a la abstracción, ejecutado al óleo, en formato medio (50x60 cm. aprox.), sin sofisticaciones, y con predominio de un gran sentido academicista. Una pintura decorativa y muy comercial, en general también muy luminosa, donde se exhibe en abundancia una gama cromática llamativa, vivaz, sin elaboraciones pero homogénea.

 

 

ESART Galería

C/ Diputació, 188

Barcelona

 

                                                                               www.esartgaleria.es

CONCURSO DE PINTURA Y ESCULTURA

El MUSEU ARXIU DE SANT ANDREU DE LLAVANARES, facilita a esta web las bases del concurso de PINTURA Y ESCULTURA 2012, que a continuación reproducimos:

Coincidiendo con la Fiestas patronales de Sant Andreu, y recuperando parte de nuestra tradición cultural, hacemos pública la convocatoria del Concurso de Pintura y Escultura del Museo Archivo de Sant Andreu de Llavaneres.

Este concurso está organizado por el Museu Arxiu y la Concejalía de Cultura de Sant Andreu de Llavaneres. La participación está abierta a todos.

Sant Andreu de Llavaneres, en los años 50, ya contaba con un concurso de pintura. Pensamos que vale la pena volver a apostar de nuevo por este acto cultural, y nos gustaría poder contar con el máximo de participación. Un jurado independiente seleccionará tres obras finalistas. Los autores podrán exponer en una colectiva el próximo año, en la sala polivalente del Museo. El artista ganador tendrá el derecho a una exposición individual en 2014.

CONVOCATORIA DEL CONCURSO DE PINTURA Y ESCULTURA MUSEO ARXIU DE SANT ANDREU DE LLAVANERES - DICIEMBRE 2012

Participantes: La convocatoria está abierta a todos. Cada participante podrá presentar una sola obra, de temática, soporte y material libres.

Dimensiones de la obra - Pintura: 1,5 x 1,5 m (dimensiones máximas) Escultura: 170 x 60 x 60 cm (dimensiones máximas)

Inscripción: Es gratuita.

Con la presentación de la obra, es necesario adjuntar el boletín de inscripción, debidamente cumplimentado, que puede solicitarse al Museu Arxiu de Llavaneres.

Recepción de la obra:

Museo Archivo de Sant Andreu de Llavaneres

Carretera de San Vicente, 14 (Can Caralt)

De martes a viernes: de 9 ha 14 h

Miércoles: de 16 a 19 h

Admisión de obras: del lunes 1 de octubre al miércoles 28 de noviembre de 2012.

Al depositar la obra, se dará el correspondiente recibo.

 

Recogida de las obras: Las obras no seleccionadas deberán recogerse en el mismo Museo del 3 de diciembre al 3 de enero, en los horarios anteriormente mencionados.

Para recogerlas será necesario presentar el recibo del depósito de la obra. La Organización podrá disponer libremente de las obras no retiradas en los plazos señalados.

Condiciones: La Organización velará por el buen estado de las obras, pero declina toda responsabilidad por cualquier perjuicio ajeno a su voluntad que se pueda producir durante el transporte, depósito o exposición. La presentación de la obra significa la aceptación de estas bases por parte del participante. Su incumplimiento supondrá la no aceptación de la obra.

El veredicto del Jurado se dará a conocer el sábado 1 de diciembre a las 18 h, en el Museo Archivo.

Premios A fin de estimular la participación y promocionar a los artistas finalistas, el Jurado hará una selección de las tres mejores obras presentadas y escogerá la obra ganadora, que quedará en propiedad del Museo Archivo.

Las obras seleccionadas se expondrán en la entrada del Museo Archivo hasta el día 5 de enero de 2013, evidenciando el reconocimiento de la organización de la muestra. Durante el año 2013 se hará una exposición colectiva, con obras de los tres artistas finalistas. Además, el autor de la obra ganadora tendrá derecho a una exposición individual durante el 2014 en la sala de exposiciones del Museo Archivo de Sant Andreu de Llavaneres.

Para más información, pueden dirigirse a:

 

Àlvar Sáez

Lluís Albertí
Museu Arxiu de Sant Andreu de Llavaneres
Carretera de Sant Vicenç, 14 (Can Caralt)
08392 - Sant Andreu de Llavaneres
Tel. 937.929-282
c/e: museu.arxiu@santandreudellavaneres.cat

 

COLECTIVAS DE VERANO (Barcelona)

 

Algunas de las más importantes galerías de la ciudad condal, centra su espacio expositivo veraniego en las colectivas, presentando a sus artistas más destacados, como el caso de GALERIA COMAS, que hasta finales de julio presentó en su sede de Paseo de Gracia, 113, la muestra Els nostres artistes, un conjunto de piezas, de diversidad temática y técnica conocidas, dentro de una línea academicista, tradicional, con algunos toques de abstracción, de autores tan distintos como: Joan Artigas, Pasqual Bueno, Josep Cruañas, Marta Durán, Teresa Llàcer, Josefina Ripoll, Carme Massana y un largo etc., que a pesar del cierre vacacional, pueden ser visitados en su pagina web: www.galeriascomas.com

El contraste de lo anteriormente citado, lo ofreció también hasta finales de julio SETBA ZONA D’ART, de la Plaça Reial, 10-1º-2ª (www.setba.net) con su exposición Mal temps, bona cara, una muestra de carácter optimista, para “tintar con un poco de alegría el verano”, según reza el eslogan utilizado para esta colectiva, que ha contado con: Ramón Milla, Març Rabal, Marc Sala Audet, Santi Sallés i Fàtima Tocornal, que presentaron una veintena de piezas, desde la fotografía, en este caso de playa, mostrando cuerpos normales, sin retoque fotográfico, el collage a través de piezas de puzzle, la escultura con claras referencias a la naturaleza gracias al hierro y al óxido, la abstracción geométrica con trazos figurativos , y simbologías y metáforas, algunas realizadas con hilo y aguja respectivamente.

SALA PARÉS de la calle Petrixol, 5 (www.salapares.com) expuso hasta el pasado 2 de agosto, la obra más reciente de sus artistas de galeria: Pol Borras, Marcos, Cárdenas, Carmen Galofré, Miguel Macaya, Antoni Mas, Carlos Morago, Xavier Rodés, Alberto Romero, Jaume Roure, Josep y Ramon Moscardó, etc. Un conjunto de piezas donde figuración, realismo e hiperrealismo dominan el contexto de la sala.

Finalmente, GALERIA MAR perteneciente al Grupo Escolà , de la calle Pau Claris, 120 (www.grup-escola.com) ofreció hasta el pasado 26 de julio, una muestra representativa de los artistas que durante la temporada 2011-2012 han llenado su espacio expositivo: González Alacreu, Gabriel Portolés, Carmen Mansilla, Eduard Malhevy, Espax, Jaume Borrell, Ramon Pujol, etc. La muestra se complementaba con las singulares y sorprendentes esculturas de Débora Quelle. Por medio de un lenguaje plástico verdaderamente innovador, la artista presenta una obra audaz, realizada con diversidad de materiales: mármoles, y metales fundamentalmente, donde la abstracción geométrica se mezcla con planteamientos surrealistas, que sin duda inducen al espectador a contemplar las piezas entre la curiosidad y la sorpresa.

INFORMACIONES VARIAS

La Fundació Foto Colectania presenta “Chorus”,

una selección de vídeos de la colección de Martin Z. Margulies

 

La agencia de comunicación Mahala, pasó a principios de junio la siguiente nota de prensa a esta web:

 

Tras la exposición fotográfica “La morada del hombre” de la colección Martin Z. Margulies, la Fundació Foto Colectania presenta una selección de vídeos procedentes de la misma colección, considerada como una de las mejores del mundo. Escogidos por el propio coleccionista y por Katherine Hinds, conservadora de la colección, los videos de “Chorus” muestran el alcance internacional de la colección Margulies al presentar autores de diferentes países, así como la variedad de géneros dentro del propio ámbito del videoarte.

 

La muestra, que acoge un total de 8 obras, se podrá ver del 26 de junio al 28 de julio de 2012.

 

El título de la exposición “Chorus”, extraído del vídeo de Marina Abramovic, hace referencia a la propuesta coral que existe en el terreno del videoarte y que la muestra trata de reflejar a partir de los ocho vídeos escogidos. Se incluyen entre otros, obras de raíz conceptual como “Sleepwalkers” de Doug Aitken y “Tiger Oder Löwe” de Peter Friedl, proyectos que utilizan diversas técnicas de la animación como “Turning Point” y “The Simpson Veredict” de Jacco Olivier y Kota Ezawa respectivamente, pasando por aquellos vídeos realizados por artistas que se han convertido en verdaderos representantes del género como Marina Abramovic, reconocida por sus impactantes performances, y otros  pioneros del medio, como la pareja formada por Fischli & Weiss.

 

Martin Z. Margulies que atesora desde hace más de 30 años una de las colecciones de arte más importantes que incluye pintura, escultura, vídeo y fotografía, sostiene que en el terreno del videoarte “no importa el formato o la técnica, ya que la respuesta ante el vídeo es inmediata. Sientes algo desde el primer instante en que ves la obra”. De este modo, la selección incluye algunas de las figuras clave para entender la evolución del medio, con trabajos que van desde 1987 hasta 2007, y que fueron adquiridos por la colección Margulies poco después de que fueran realizados por los artistas.

 

 

Fundació Foto Colectania

Julián Romea, 6 D2

08006 - Barcelona

 

www.colectania.es

La agencia de comunicación Mahala, pasó a principios de junio la siguiente nota de prensa a esta web:

 

La Fundació Eina con la Fundació Mies van der Rohe presentaron los días 14, 15 y 16 de junio la instalación sonora del músico experimental Francisco López “Ghost Forest” dentro de la programación del SonarExtra, en la que el Sónar recomienda actividades externas que destacan por su calidad y afinidad con el festival.

 

Gracias al éxito y buena acogida del público, la exposición ha sido prorrogada hasta el 30 de agosto de 2012

 

Comisariado por Lluís Nacenta y Antoni Marí, “Ghost Forest” es una transposición compositiva de una multitud de grabaciones ambientales originales realizadas por el artista sonoro Francisco López en diferentes bosques de todo el mundo. El objetivo de la instalación es crear un ambiente sonoro inmersivo y reactivo al espacio donde se re-materializan los sonidos; la realidad original capturada ha sido evolucionada a través de filtrados extremos.

 

Este proceso se ha llevado a cabo hasta revelar un espectro fantasmal de frecuencias a partir de los ambientes boscosos transpuestos. Las diferentes capas sonoras espectrales se mezclan automáticamente en directo en el espacio, en combinaciones siempre diferentes, por medio de un sistema de sonido especialmente diseñado para el espacio del Pabellón Mies van der Rohe. Las grabaciones originales de material sonoro ambiental han sido realizadas en múltiples localizaciones de Australia, Brasil, Canadá, Costa Rica, Francia, Grecia, Japón, Senegal y los Estados Unidos entre 1990 y 2011. El ambiente de los bosques contiene una estructura que amplifica las condiciones para fenómenos sonoros de múltiples capas cuyas fuentes son difícilmente visibles.

 

Francisco López, artista sonoro

Francisco López (Madrid, 1964) es músico experimental y artista sonoro de vanguardia reconocido a nivel internacional. Durante más de 30 años, ha creado un impresionante universo sonoro absolutamente personal e icónico basado en un profundo conocimiento del mundo.Ha editado una gran cantidad de discos con compañías de más de cincuenta países y ha realizado un gran número de conciertos e instalaciones sonoras en los cinco continentes, incluyendo algunos de los museos, galerías y festivales internacionales más importantes como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el MACBA, el Sónar, el Museo de Arte Moderno de París o el Centro de Arte Contemporáneo P.S.1 de Nueva York, entre otros.

López ha sido reconocido con diferentes premios como la Mención Honorífica en el Ars Electronica Festival de Linz en tres ocasiones y el premio del Concurso Arte Sonoro Broadcasting Art y del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

 

 

Pabellón Mies van der Rohe

Avenida Francesc Ferrer i Guàrdia, 7

Parc de Montjuïc

Barcelona

www.miesbcn.com 

El Museo de Arte Moderno de Ceret rinde homenaje al artista catalán Antoni Tàpies con la muestra “Antoni TÀPIES. Imagen, cuerpo, pathos”

Las manos de clara (1979)

Mahala Comunicación remite a esta web la siguiente nota de prensa:

 

El Museo de Arte Moderno de Ceret (Francia) ha presentado esta mañana en rueda de prensa la muestra “Antoni Tàpies. Imagen, Cuerpo, Pathos”. La muestra, que se podrá ver hasta el 14 de octubre, rinde homenaje al artista catalan fallecido este año, íntimamente ligado a la colección y a la identidad del museo francés. “Antoni Tàpies. Imagen, Cuerpo, Pathos” presenta 43 pinturas y esculturas realizadas entre 1945 y 2008, obras que se articulan alrededor de la temática del cuerpo y de la materia, esencial para la comprensión de la carrera del artista, la muestra es también una retrospectiva de cincuenta extensos años de creación. Un autorretrato clásico realizado en 1945, terminada la guerra, abre la exposición, para finalizar con “Cap Vermell”, pintada en 2008, con un expresionismo exacerbado.

Autorretrato (1945)

Entre estas dos obras se despliega el trabajo del artista a lo largo de cinco décadas: tablas y objetos compuestos de materiales inesperados, papel, textil, alambre, superficies grabadas, incisiones, manteniendo la huella del cuerpo bajo el tejido de sus ropas; cabezas y desnudos diseñados con los colores de un barniz color miel.

           

El cuerpo es el hilo conductor de la exposición. Lugar por excelencia para el re-encuentro entre la materia y el espíritu, es además una fuente de inspiración universal e atemporal. El cuadro en sí mismo, en su materialidad, se parece a otro cuerpo, una especie de alter ego del artista, fetiche sobre el cual proyecta sus emociones e intenciones.

Cap vermell (cabeza roja)-2008

Antoni Tàpies (1923-2012)

La primera obra de la colección es, en efecto, un díptico mural compuesto por 54 placas de lava de Auvernia esmaltada, y que conforman los dos paneles que adornan ambos lados de la entrada del museo. Ligado al espacio urbano, este encargo público de 1992 demuestra la voluntad del artista de no separar el arte y lo cotidiano, lo sublime y lo trivial.

           

Coleccionista y lector asiduo de la filosofía oriental, Antoni Tàpies es igualmente el autor de varios escritos donde expone su visión de las artes, percibidas como “los últimos reductos donde el hombre del presente puede encontrar la libertad de preguntarse sobre la sociedad, y de conmoverse”. En 1984, el artista crea en Barcelona la Fundació Antoni Tàpies, dedicada a la promoción y al conocimiento del arte contemporáneo.

 

 

Museo de Arte Moderno de Ceret

Establecimiento Público de Cooperación Cultural

8 Bd. Maréchal Joffre, BP 60413, 66403 Ceret, Cedex

www.musee-ceret.com

 

 

BASES DEL CONCURSO

XXVII Premio BMW de Pintura

Podrán concurrir los pintores españoles o extranjeros residentes en España. No obstante lo anterior, no podrán concurrir a la presente edición del XXVII Premio BMW de Pintura, quienes, en cualquier edición anterior hubieran obtenido el Premio BMW. Los ganadores de la Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica, así como los del Premio BMW al Talento más Joven, no podrán optar al mismo premio; sin embargo, podrán concurrir para el Premio BMW de Pintura. En cuanto a los ganadores del Talento más Joven podrán participar en el Premio BMW de Pintura al cumplir la mayoría de edad.

Tanto el tema, como la técnica a utilizar serán de libre elección, siempre que no se haga alusión a ninguna marca comercial, y que de ningún modo el contenido de la obra sea ofensivo en el más amplio sentido.

Se hacen las siguientes sugerencias aplicables al contenido de los cuadros: “Ecología y Medio Ambiente”; “Naturaleza y Mundo Animal”; “Cultura y Convivencia”; “Arte e Historia del hombre en La Tierra”; “Estética y Tecnología”; y “Creatividad del hombre en el tiempo a lo largo de las civilizaciones”. Cada autor podrá concursar solamente con una obra, que necesariamente no habrá sido presentada a otro certamen. Este extremo será acreditado mediante declaración jurada.

Las medidas de los cuadros no serán inferiores a 100 x 81 centímetros, ni superiores a 195 x 195 centímetros. Las obras estarán obligatoriamente enmarcadas con un listón cuya anchura no supere los 3 centímetros visto de frente. No serán admitidas las que estén protegidas con cristal, aunque si lo serán las que estén protegidas con metacrilato o similar.

La entrega y recepción de las obras se realizará entre los días 10 y 30 de septiembre de 2012

El XXVII Premio BMW está dotado con 25.000 euros, y no podrá ser dividido ni declarado desierto. En este premio se encuentra incluida también, la remuneración que, en su caso, como cantidad alzada, procedería por la reproducción de la obra por la entidad patrocinadora, que desde este momento adquiere el derecho a su explotación y exhibición, a efectos de divulgar, en su más amplia acepción, el Premio BMW de Pintura así como las obras premiadas en las sucesivas ediciones del mismo. El Jurado, cuya composición será hecha pública al dar a conocer el fallo, podrá conceder hasta diez Medallas de Honor y seleccionará las obras que considere más interesantes para su exposición.

El fallo del Jurado será dado a conocer durante el cuarto trimestre de 2012, y serán entregados el Premio BMW de Pintura; la Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica; el Premio BMW al Talento más Joven y las diez Medallas de Honor. La obra galardonada con el Primer Premio, así como la Beca y el Premio al Talento más Joven, pasarán a ser propiedad de la entidad patrocinadora del certamen en la fecha en la cual se haya hecho público el fallo del jurado.

El cuadro galardonado se reproducirá en una serie de 75 grabados de 30 x 30 centímetros aproximadamente, todos ellos realizados sobre el mejor papel y con las técnicas más apropiadas. El autor deberá estar conforme con la calidad de la reproducción y firmará cada grabado numerado.

BMW ha previsto la celebración de exposiciones en diversas ciudades españolas con las obras finalistas del certamen. A tal efecto, sus autores las cederán en depósito a BMW durante el plazo de un año, a partir de la fecha en que se haya hecho público el fallo del Jurado, entendiéndose que durante tal plazo efectúan a título gratuito la cesión del derecho de reproducción y exhibición, en favor de la entidad patrocinadora en el territorio español, a efectos de divulgar, en su más amplia acepción, el Premio BMW de Pintura y las obras finalistas del mismo.

Beca Mario Antolín de ayuda a la investigación pictórica

La Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica, será concedida a uno de los tres concursantes más jóvenes entre los pintores seleccionados para participar en la Exposición del Premio BMW de Pintura, cuya obra presentada tenga la mejor calidad artística y pictórica. Queda excluido de opción a esta Beca el ganador del certamen.

La Beca está dotada con 8.000,00 euros. El becario seleccionado facilitará una memoria del trabajo que se proponga realizar a lo largo de un semestre, en España o en el extranjero, y que ha de tener relación con el tema estipulado en la finalidad de la Beca. El becario recibirá 5.000,00 euros al iniciar su proyecto y el resto al concluir el periodo señalado. El becario presentará un cuadro que refleje el rendimiento de su investigación, el cual será cedido en propiedad a la entidad patrocinadora.

Premio BMW al Talento más Joven

Podrán concurrir al Premio BMW para el Talento más Joven los residentes en España cuya edad, el día 30 de septiembre de 2012, fecha límite para la entrega y recepción de las obras, se encuentre  comprendida entre los ocho y doce años de edad. Cada autor podrá participar con una sola obra, original y con la que no haya participado en otro certamen, que deberá versar exclusivamente sobre una de las siguientes temáticas: “Naturaleza y Mundo Animal”, “Ecología y Medio Ambiente” y “Familia y Amistad”. La técnica a analizar será exclusivamente dibujo con lápiz, lápiz de cera, acuarela o guache, y el soporte será papel, específico en función de la técnica utilizada. Las medidas de los cuadros no serán inferiores a 21x30 centímetros, ni superiores a 70x100 centímetros en cualquiera de sus lados.

El ganador del Premio BMW al Talento más Joven recibirá una dotación de 4.000 euros que será administrada por los padres o tutor del ganador con la finalidad de cultivar su talento artístico.

http://www.bmw.es/es/es/insights/paintings/bases.html

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

 

EL ARTISTA INFORMA



ERCILIO VIDRIALES EXPONE EN ARANDA DE DUERO (Burgos)

Desde el pasado 19 de julio, Ercilio Vidriales expone nuevamente, esta vez en Aranda del Duero, en el conocido bar Boulervard, un total de 24 de sus obras, tras diez años sin exhibir su arte en la localidad.

En la muestra, pueden encontrarse cuadros paisajísticos en los que, como expresa el propio artista: intento recrear el misterio que hay en cada paisaje y en cada momento.

Destacan paisajes de Huerta del Rey relacionados especialmente con el mundo de la tauromaquia, ya que las gentes de la localidad tienen gran afición al arte de Cuchares, aunque también pueden contemplarse otros dedicados al urbanismo y paisaje de la población, en los que Vidriales expresa el conjunto de la naturaleza.

No obstante, la obra más importante para Ercilio,  es el Brindis, en el que se observa al torero brindando, con el sol como sacrificio en el que acompaña la mano del sacerdote y la vela del maestro, dotando a la pieza de un misterioso significado.

A nivel técnico, se trata de un conjunto de obras en las que el artista tiene como principal aliado el color, y la forma que con el adopta para dar dinamismo a sus impresionantes trabajos.

Algunos de sus cuadros han viajado hastaBarcelona o Londres, pasando por Roma y Sao Paulo.

www.erciliovidriales.net

EXPOSICIÓN DE PINTURAS: LLUÍS ROURA

S’AGARÓ Hotel. Platja de San Pol. S’Agaró

La Asociación Amics del Castell de Sant Ferran, a través de la agencia de comunicación Jaume Pahissa de Palamós (Girona), informan a esta web de la exposición del artista ampurdanés LLuís Roura, en el hotel S’Agaró hasta el próximo 19 de Agosto.

Trabajos de reciente manufactura que agradan y emocionan incitando al espectador a sumergirse en los paisajes ampurdaneses, dando vida a los ambientes y haciendo más agradable las compañías. Son cuadros de todos los formatos, en colores vivos, positivos y optimistas.

Lluís Roura está considerado como un pintor autodidacta. Desde su primera exposición individual en Vic (1970), y hasta la fecha de hoy, la exhibición de su obra sobrepasa el centenar de exposiciones tanto en España como en el extranjero, donde en 1985 celebró su primera exposición individual en la galeria Acquavella de Caracas (Venezuela). Posteriormente, realizó muestras diversas en Ginebra (Suiza), Viena (Austria), Miami (EE.UU), San Petesburgo (Rusia), Bruselas (Belgica). También estuvo presente en las ediciones de 1982 y 1983 de ARCO Madrid y Art-Bassel (Suiza) en 1982.

www.jaumepahissa.cat

http://www.fempais.tv/?p=82951

 

www.lluisroura.com

FEGUARS EXPONE EN CASPE

Del 4 a 19 de Agosto el pintor aragonés Joaquín Ferrer Guallar, conocido artísticamente como “Feguars”, expone una selección de sus obres en el Centro de Estudios Comarcales Bajo Aragón-Caspe, de la Institución Fernando el Católico, bajo el titulo Entre la Luz y la Mirada.

Según indica Victor Joan en el texto del tríptico de la muestra:

“... Contemplando la obra de Joaquín Ferrer Guallar, después de dejarme llevar por la caricia de los colores, no puedo evitar preguntarme si fue primero la parte o el todo, porque sus composiciones son la suma de detalles pequeños, todos imprescindibles, o bien el resultado de la descomposición del todo en elementos simples. Y aun me pregunto en que momento el pintor decide no dar ni una pincelada más, del mismo modo que un compositor decide no añadir ni un compas más, ni una nota más, ni un silencio más, y da por terminado un concierto o una ópera. ¿Qué sensación de rotundidad ha de devolverle su obra al pintor para que de reposo al pincel? ...

CASA-PALACIO PIAZUELO BARBERÁN

Caspe (Zaragoza)

 

www.feguars.com

JOSEP CANALS. Exposición: Moebius encara

Galeria POPULART (Capmany-Alt Empordà- Girona)

Según comunicado de prensa remitido por la galería POPULART, el pasado sábado 30 de junio, se inauguró en el ámbito monográfico de la galeria, (www.populart.cat ) la exposición de esculturas que lleva por título "Moebius Encara" del artista Josep Canals (Sant Andreu de la Barca, Barcelona, ​​1955).


Para Jordi Rodríguez Amat, quien prologó el catálogo de la exposición que el artista realizó en el año 2002 en el Prat de Llobregat (Barcelona)

 

... La sensibilidad, conjuntamente con el conocimiento técnico del oficio, permite al escultor de afrontar la acción creativa. Una y otro son patrimonio de Josep Canals, un escultor que manifiesta una gran sentimiento y un oficio potente, alcanzado a lo largo de muchos años de trabajo. Formado desde muy joven ya lo largo de más de diez años en talleres de escultores artesanos, inicialmente de su propia población natal, Sant Andreu de la Barca, Josep Canals alcanza pronto el dominio técnico que le ha permitido manifestar escultóricamente una personalidad serena con un absoluto sello personal ...


... Revela una gran ductilidad y ello tanto en el uso de los materiales - madera, mármol, alabastro, hierro ... - como en los de los formatos utilizados. Los volúmenes, todos ellos impregnados por un fuerte lirismo y un ritmo constante, vienen generados por el aliento de una geometría determinante de formas estilizadas, infundidas por un grado de extrema sutilidad, inherente a la obra de este escultor …

 

... Otro de los valores esenciales de la escultura de Josep Canals es la simetría, pero en ningún momento se trata de una simetría geométrica determinada por un centro, eje o plano. Se trata de un concepto mucho más amplio, la geometría es para él una noción de orden, el que tenían los griegos. Un concepto que concreta en los materiales, los espacios y los volúmenes. Se trata de un concepto de simetría generado por el espíritu y no por la mente; no es un elemento cognoscitivo, sino pura y simplemente sensitivo ...

 

La exposición permanecerá abierta hasta el 23 de septiembre, todos los fines de semana, desde la tarde del viernes hasta el mediodía del domingo.

 

POPULART

Plaça del Fort, 5

CAPMANY (Alt Empordà)-Girona

 

JORDI RODRÍGUEZ-AMAT

SERIE: Monstres, Feres i Quimeres

El artista ampurdanés Jordi Rodriguez Amat informa a Cuadros de una Exposición de una serie de trabajos realizados, y que exhibe en su página web: www.rodriguez-amat.cat/feres.htm

 

Tal como el propio Rodríguez Amat expresa: Esta serie de trabajos ha sido titulada Monstruos, Fieras, y Quimeras. Título que no tiene, en este caso, ninguna otra razón de ser que la de la simple catalogación de la serie. Tiene su origen en el deseo de moverse en una total libertad, sin ningún tipo de encogimientos o de concesiones a uno u otro espectador. La libertad, a pesar de ser siempre una libertad limitada, ha sido un concepto que Rodríguez-Amat ha mantenido como principio de acción a lo largo de toda su trayectoria artística.

 

Estas imágenes, estremecedoras por algunas personas, no son más que una herramienta de su acción creativa. El artista ¿hubiera podido transformar estas formas en esbeltas figuras femeninas llenas de ligereza y elegancia? Lo hubiera podido hacer si éste hubiera sido su propio deseo, pero no lo hubiera podido hacer si en una arrière pensée, hubiera habido otro propósito que no fuera el simple y personal deseo de la acción que su individualidad le pedía.

Se puede decir que estas obras son pues, un grito que, saliendo de bien adentro de la garganta, proclama la libertad a la que se aferra Rodríguez-Amat. Esta libertad, es evidente, no le obliga a no buscar valores que el creador pueda considerar, tanto plásticos como estéticos u otro dentro de esta serie de trabajos.

 

Técnicamente son trabajos realizados sobre papel con diferentes materiales. Es por ello que debemos considerar como técnicas mixtas. Carboncillo, tinta china, acrílicos, acuarelas, diferentes fijadores y barnices, así como goma arábiga y goma laca disueltas en alcohol, son los principales ingredientes de estas técnicas mixtas. Ni que decir tiene que, para combinar perfectamente todos estos materiales, se necesitan muchos años de conocimiento técnico, ya que no todos ellos se pueden utilizado de una manera aleatoria.

 

Es, seguramente, la absoluta libertad a la que el artista quiere apuntalar la obra que le pide de adentrarse en este mundo feroz. En todo caso, dejamos al espectador de hacer sus propias cavilaciones sobre este aspecto.

 

 

CASA - TALLER,  FUNDACIÓ RODRÍGUEZ-AMAT

Les Olives (Garrigoles), El Baix Empordà (Girona)

 

www.rodriguez-amat.cat

ALEJANDRO CABEZA:

COLECCIÓN DE RETRATOS DE LA FAMILIA REAL ESPAÑOLA

Ha llegado recientemente a la redacción de Cuadros de una exposición la siguiente nota de prensa:

El prestigioso pintor valenciano Alejandro Cabeza, hará públicos en diversos medios, varios de sus retratos dedicados a la figura de Su Majestad Don Juan Carlos y a Su Alteza Real el Príncipe de Asturias Don Felipe de Borbón y Grecia. Estas obras, junto con otras aún inéditas, forman parte de una colección centrada en miembros de la Familia Real española.

El pintor, que en su día fue considerado como una de las más jóvenes y prometedoras figuras del panorama artístico valenciano, por parte del académico y reconocido crítico de arte Francisco Agramunt, sigue cultivando paisajes y marinas, aunque en la actualidad, trabaja de forma especialmente intensa en retratos de figuras relevantes del mundo de la literatura y la cultura en general, así como de personalidades en otros campos.

 

Para más información:

http://www.alejandrocabeza.net/

 

SUMARIO

 11 de JULIO de 2012

FRANCESC MESTRE ART (Barcelona)

Exposición: “Del Món al Born, i del Born al Món”

VIAJAR A TRAVÉS DE LA GALERIA

Viajar en los tiempos modernos, constituye poco menos que una imperiosa necesidad. El deseo de cruzar fronteras, de abrir nuestras mentes a nuevas experiencias y nuevas emociones es algo significativamente imprescindible y espiritualmente necesario, aunque no siempre podemos hacerlo a través de medios de locomoción. Hay otras vías que con sólo hacer volar la imaginación nos conducen a aventuras sin igual y parajes inolvidables.

 

La galeria FRANCESC MESTRE, a través de su exposición: “Del Món al Born, i del Born al Món”, (cuya traducción aproximada podría ser: Del Mundo al Borne y del Borne al Mundo), nos invita a un ecléctico y por supuesto artístico viaje – sin salir de la sala de arte -, en el tiempo y en la obra, gracias al libro, escrito en 1910 por Oleguer Junyent (1876-1956), un pintor, dibujante, escenógrafo y coleccionista catalán de gran prestigio, poseedor de extensos conocimientos arqueológicos y artísticos, obtenidos a través de  sus largos viajes alrededor del mundo, de los que tomó numerosos apuntes.

El Born fue hasta 1971 el antiguo barrio del mercado de Barcelona. Oleguer Junyent inició en este distrito, un periplo que reflejó en el libro que da título a la exposición, y que ha quedado como frase popular en la lengua catalana.

 

Francesc Mestre, siempre cuidadoso y exquisito en la elección de las obras a exhibir en sus exposiciones, ofrece al visitante y al coleccionista, un selección de piezas que prácticamente abarca todo el siglo XX, con abundancia de paisajes de todo tipo, sin olvidar algunas piezas con personajes y situaciones.

 

Así, por ejemplo, nos exhibe de Oleguer Junyent, el autor del libro, entre una diversidad de obras, una acuarela titulada “Árabe explicando cuentos a los turistas”, al igual que algún paisaje al natural, probablemente de la geografía catalana, o un dibujo a lápiz y tinta sobre papel titulado “la lectora”, que describe con elegancia, un momento de relax y concentración por parte de una dama.

Con predominio del dibujo o acuarela sobre el óleo, la muestra exhibe esbozos de Eliseu Meifren, paisajes de Jaume Guàrdia, Georgis Antonowitsch Kossjakoff y su bullicioso “puerto de Estanbul”, fechado en 1902, románticas estampas de Josep Juliana y su “Dama en la ventana”; de Joaquím Martí Bas un vigoroso y vehemente “Apunte de un clochard de París” o un “Paisaje urbano” de Ràfols Casamada realizado en tinta sobre papel, que destaca por tratarse de una obra que podría calificarse de “corte clásico”, alejada de la abstracción que caracterizó al artista.

 

Grabados realizados con la precisión, pulso firmes y dominio técnico de Emili Grau Sala, Francesc de Paula Van Halen, Juan Antonio Salvador Carmona y un mitológico aguafuerte titulado “África”, o un curioso aguafuerte también, pero esta vez de Pau Roig: Sous les falaires de Varengeville”

Y en cuanto a los óleos, pueden distinguirse el encanto y sencillez de Maria Girona, un Joan Sandalinas geométrico y onírico, un sorprendente Joaquim Vayreda con un paisaje donde color y perspectiva dominan a placer, gracias a un manejo del pincel suelto y directo, o un siempre cautivador Alejandro Viladrich, de quien se exhiben dos paisajes de estilo tradicional, pero ya con claras tendencias constructivistas.

 

Todas ellas, y muchas otras – la exposición es amplia y hay donde escoger - piezas de extraordinaria calidad, ejecutadas con maestría, buen gusto, con cuidado en los detalles, con un gran sentido académico, técnica demostrada y abundante imaginación.

 

Sin embargo, la estrella de la muestra es una pequeña obra de Josep Pascó, el que fuera profesor junto a Modest Urgell de Joan Miró, en la Escola de Belles Arts de Barcelona, conocida popularmente como La Llotja, al que el insigne maestro siempre recordaba. La pieza es de una sencillez extrema, pero de un encanto sublime. Una obra de planteamiento impresionista. Tal como recordaba el maestro en una entrevista, que fue publicada en el catálogo de la exposición conmemorativa del centenario de su nacimiento: “Urgell era más artista que Pascó, pero fue este quien me enseñó la artesanía, a tener paciencia con la técnica”.

 

Francesc Mestre, como siempre, ofrece una exposición variada y extensa, didáctica y amena, con diversidad de temáticas suficiente como para iniciar o continuar una colección, y por supuesto, con la originalidad de tomar como base un libro de viajes, ya centenario que permite al viajero ocasional que decida dar la vuelta al mundo a través de la FRANCESC MESTRE ART, revivir tiempos pasados, bucólicos algunos, intensos otros, tal vez más sencillos que los actuales, pero sin lugar a dudas, lejanos y plagados de aventuras, sentimientos y emociones.

 

 

GALERIA FRANCESC MESTRE

C/ Enric Granados, 28

Barcelona

 

www.francescmestreart.com

 

EL ARTE EN EL VESTIR DURANTE EL RENACIMIENTO

MUSEU DIOCESÀ DE BARCELONA

Que la moda crea arte y forma parte del ARTE, no es ninguna novedad. Los diseñadores de alta costura especialmente, crean autenticas piezas exclusivas, para lucimiento de unos cuant@s privilegiados, que con toda probabilidad,   exhiban sólo una vez en la vida, e incluso nunca, pero no por ello, no quieran perder la ocasión de poseer.

 

Del mismo modo que existen coleccionistas de arte, de coches, de plumas estilográficas o de vinos, también la alta costura tiene sus incondicionales del coleccionismo, aunque bien es cierto, que la creatividad en este ámbito, tiene más bien, fines publicitarios para una marca, seguir controlando el mercado, e incluso influir en las tendencias del llamado “prêt a porter”.

 

Pero si esta introducción es válida para el siglo XXI, en épocas pasadas, no existía el diseño de moda como ahora lo conocemos, y los estilistas y modistas no ocupan un gran lugar en la historia de siglos pasados. Eran sastres y costureras que cumplían con los encargos de la nobleza.

El MUSEU DIOCESÀ DE BARCELONA, presenta una curiosa exposición de vestidos de época renacentista, pero realizados en la actualidad, en base a conocidas reproducciones del arte pictórico: RENACIMIENTO – PRINCIPES-REYES. Una muestra original e instructiva, que permite una doble asombro: el vestido y cuadro en el que se inspira.

 

Tal como indica Leonardo Visconti di Modrone, embajador de España en Italia, el pequeño catálogo de la exposición: el proyecto es fruto de una meticulosa investigación histórica sobre la calidad, única en el mundo, de la tradición textil italiana. Su intención es, sin embargo, la de celebrar también, junto a la correspondiente reproducción pictórica, la extraordinaria habilidad manual de los artesanos italianos, la continuidad del refinamiento italiano en el sector del gusto y del vestuario”

 

Esta interesante y didáctica propuesta, ha podido ser realizada, gracias a una colaboración publico-privada: la embajada de Italia, el Instituto Italiano de Cultura de Barcelona, el Museu Diocesà, Invito Corte y Generali Seguros, que es la primera vez que participa en un proyecto de este tipo. La idea y coordinación del proyecto, a la vez que el comisariado de la exposición, ha sido a cargo de Fausto Fornasari. A destacar también la procedencia de los tejidos: E&A Filli Schiatti, srl (Milán), Manifattura di Centemero y Vigano, las dos firmas de Lecco (Italia), mientras que los dibujos para los tejidos fueron ideados por Idea Jaquard, de cómo (Italia) de cómo, y el hilo dorado para los bordados procedió de la firma Sildorex de París (Francia).

Si el visitante además de curiosidad, tiene sensibilidad y admiración por la belleza, sin duda admirará los primorosos bordados, la excelsa ejecución de los vestidos, la laboriosidad de las gorgueras, tanto en la indumentaria masculina como en la femenina, y que en sus inicios eran un cordón que fruncía el cuello de las camisas creando una especie de volante, que finalmente se convirtió en un elemento independiente de la prenda. La delicadeza de las sedas, el esplendor de terciopelos, brocados o damascos, el atrevimiento de los acuchillados, etc., en una época donde la moda era un pasatiempo de las personas acomodadas.

RENACIMIENTO, PRINCIPES Y REYES, es una muestra que por la dedicación empleada por parte de sus organizadores, bien merece que Cuadros de aporte al lector, algunos datos más sobre la moda en un momento de tanta magnificencia como fue el Renacimiento italiano.

Los cortesanos requerían un extenso guardarropa, y a menudo vendían sus ropajes en establecimientos de segunda mano para recuperar parte de su costo, lo cual denota el porque la moda era un entretenimiento.

Los hombres y mujeres de la clase media utilizaban prendas con mangas desmontables o con doble manga, una estrecha sujeta a la prenda interior, y otra mas amplia sujeta al cuerpo del vestido, permitiendo de esta manera cambiar el aspecto de una prenda.

Otra característica importante del traje renacentista eran las agujetas, que se usaban para sujetar las calzas a la cintura del jubón, o las mangas desmontables a la sisa de un jubón o un cuerpo. Las agujetas generaban suntuosidad en el vestido.

En Inglaterra se popularizó el uso del pañuelo y el abanico, elemento traído por Cristobal Colón de regreso en 1496 de su segundo viaje, y que regalo a Isabella Católica, convirtiéndose en complemento ideal para los suntuosos trajes; Las mangas y las faldas se ensancharon, y las ropas se hacían con tejidos tupidos, lujosos y suaves, como terciopelo, brocado y damasco.

Con respecto a los modelos mostrados en esta exposición, cabe decir que fue un complejo camino de la reconstrucción de una tela, primero, y la confección del vestido o traje, después. A excepción del color de una pieza, la fidelidad a la obra pictórica es absoluta.

Por ejemplo, se partió del  Retrato de Eleonora da Toledo de Bronzino, perteneciente a la Galleria degli Uffizi de Florencia, para compararlo con un fragmento de una tela original conservada en el Museo Bargello y un pluvial de la catedral de san Lorenzo en Génova. Luego se pasó gradualmente a la elección del hilado, se experimentó la consistencia, se hicieron numerosas pruebas en el telar hasta acercarse lo máximo posible a aquello que debió ser el original. Se ensayaron con terciopelo blanco y negro, con inclusión de hilos de oro y otros hilos hasta que superada esa etapa, se pasó a la reconstrucción del vestido.



Una exposición que permanecerá abierta hasta el próximo 9 de septiembre, y que resalta tanto por su belleza como por su valor tanto expositivo como histórico.

 

MUSEU DIOCESÀ – Monument de la Pia Almoina

Avdga. de la Catedral, 4

BARCELONA

 

e-mail:museudb@yahoo.es

 

LA OBRA ARTÍSTICA DE JOAN REBULL A LA FUNDACIÓ PALAU (Caldes d’Estrac – Barcelona)

El acierto de una exposición está muchas veces en ofrecer una obra que impresione al visitante ocasional, y cautive con encanto y admiración al espectador experto.

Las esculturas, dibujos y pinturas de Joan Rebull (1899-1981) que la Fundació Palau ofrece durante los meses de verano, son una prueba de lo que antes se ha expresado, gracias a una recopilación de 43 obras, de las que 10 son esculturas procedentes de colecciones privadas - muchas de las cuales se exponen por primera vez - mientras que buena parte de los dibujos provienen de la colección de Joan Merli (1901-1995), un destacado marchante catalán que residía en París.

Existe una especial vinculación entre la Fundació Palau y el artista que nos ocupa. En los años 30, el marchante impulsó una iniciativa innovadora en el comercio del arte: Las “Exposicions-tria”, que permitían a un grupo de 100 subscriptores, adquirir obras de artistas emergentes en la época. Entre estos, se encontraba Josep Palau Oller, padre del titular de la Fundació Palau, que adquirió varias de sus obras, que hoy forman parte del fondo de la entidad.

Esta exposición muestra especial énfasis en el dibujo, realizado en pluma, aguatinta, acuarela, gouache, carboncillo o papel negro Canson. El visitante observará una obra donde destaca principalmente el desnudo femenino, sensual, elegante, dulce, con trazo firme, pero dúctil y exquisito. La mujer de Rebull expresa una feminidad encantadora, no exenta de atracción y de misterio, que traspasa a la escultura - en varias pinturas y dibujos se observa un planteamiento escultórico - con formas de claras referencias clásicas, para exhibir una obra en mármol o terracota, que relaja la mirada y reivindica la sutileza.

Rebull era hijo del perfeccionismo novecentista y gran dibujante, hecho perfectamente demostrado, gracias a un extraordinario dominio técnico y seguridad en el camino a seguir. Su escultura se puede considerar directa y antiteórica, basada en una visión serena y esencial de la realidad. Se puede definir su estilo como un rencuentro con la fuente del clasicismo, de la que, en cambio, nunca copia las consecuencias.

Sin embargo, sorprende sobremanera la incursión de Rebull en la abstracción volumétrica. En el año 1929, a través de diversas técnicas, planteó obra técnicamente cuidada, y estéticamente de vanguardia - claras influencias picassianas - pero que evidentemente no prosperó por su marcado novecentismo, lleno de idealización. Rebull fue considerado el escultor catalán más destacado de su tiempo. La exposición que presenta la Fundación Palau, con la edición de un interesante y cuidado catálogo, muestra a un artista sensible por la belleza e intensamente expresivo en su obra.

 

FUNDACIÓ PALAU

Carrer Riera, 54
Caldes d’Estrac
(Barcelona)

 

www.fundaciopalau.cat

TANO PISANO: PASIÓN POR EL MEDITERRÁNEO

SALA DEL COL·LEGI D’APARELLADORS – CENTRE D’ART CA L’ARENAS (Mataró)

De forma habitual, los artistas suelen especializarse en un área concreta de las Bellas Artes, al cual se entregan con placer, y por lo general, apenas se intenta la exploración de otras ramas, con el fin de profundizar en la escogida y asegurarse la estabilidad en la misma.

 

Por lo antes mencionado, resulta del todo sorprendente encontrarse con un artista tan polivalente como TANO PISANO, que gracias a la Associació Sant LLuc per l’art (ASLL) expone su obra en dos salas de Mataró: la del Col·legi d’Aparelladors, y dentro del ciclo “Mar de Fons” en el Centre Ca l’Arenas.

 

Pisano es dibujante, pintor y escultor, cultivando dentro de las dos primeras áreas, la acuarela y el óleo, en base una llamativa y visual serie de bodegones dedicados a la sencillez, pero exquisitez de la gastronomía mediterránea, en lo referente a las aguadas, a unos interesante y geométricos paisajes gerundenses en cuanto a los segundos.

Si bien reside en la Costa Brava, no puede evitar ser urbanita y plasmar en su obra su particular visión de edificios y otras construcciones, con predominio de grises, verdes y azules. Edificios singulares, siempre cuadrados y rectangulares, realizados con formas pre-definidas, pero con imaginativos acabados.

 

Pisano es romántico y apasionado. Gran amigo de la gastronomía, rinde culto pictórico a las excelentes caballas y las sabrosas sardinas, idolatra a gambas, cigalas y langostinos y honra a mejillones y moluscos de diversa índole, y por supuesto, aboga por el espíritu de libre albedrío con su mitificación del tradicional “pa amb tomàquet” catalán, todo ello, con excelente técnica en el dibujo, trazo enérgico y decidido y juego cromático vibrante, dando lugar a un lirismo pictórico-gastronómico, totalmente al margen de las habituales naturalezas muertas, ya que con la expresión “pisana”, renacen del papel o la tela para convertirse en apetitosos manjares visuales.

En lo referente a su obra escultórica o como ceramista, Pisano es ligero, dúctil colorista, llamativo, con algunas reminiscencias a la cerámica tradicional catalana de corbata, pero “a la pisano”, es decir, utilizando principalmente el blanco como fondo, y trazando líneas, a veces rectas, a veces sinuosas, formando paisajes y figuras. Muy atractiva resulta su figura “Peix”, realizada en gres, latón y hierro.

 

En el discurso de presentación de la muestra del Col·legi d’Aparelladors, Antoni Luis, presidente de la ASLL, destacó de la obra de Pisano la planificación de las cosas simples en las aguadas, su gran dominio técnico en dejar correr el agua y los pigmentos en el papel, y también: “una diversidad sin ataduras a un tema, estilo o técnica, (…) autoproclamándose artesano, llegando con su obra a los demás, disfrutando de un público incondicional”.

 

Tano Pisano, nacido en Italia, de madre griega y residente en Girona, exhala “mediterranismo” por todos los poros de su piel. Su aportación artística oscila entre formulaciones figurativas y geométricas, unificándose ambas vertientes en una invariable preminencia de los elementos plásticos y formales. Su modo de manejar la acuarela posee una fluidez y libertad de dicción finisecular, propia de los especialistas en este procedimiento. Su gama cromática también posee una enorme versatilidad y su dominio de la técnica es perceptible.

 

Tal como indica en el programa de mano el escritor Gerard Prohihas: “Ya sea atrapando la dulce excelsitud de una gamba, o la carnalidad bellísima de una flor, las obras de Tano Pisano contienen una civilización muy fecunda, muy nuestra que se sumerge en un mar inmensamente cercano…”

 

SALA DEL COL·LEGI D’APARELLADORS

Plaça Xammar, 2

Mataró

 

http://www.tanopisano.es

 

 

CENTRE D’ART CA L’ARENAS

C/ Argentona, 64

Mataró

www.santlluc.org

http://associaciosantlluc.blogspot.com

 

XAVIER UBACH: LA TENTACIÓN DE VOLVER A EXPONER

Restaurante “Els Caçadors” (Argentona)

Indudablemente la genética del ser artista perdura durante toda la existencia. El desear dar a conocer su trabajo, puede considerarse como norma intrínseca, bien por satisfacción personal, bien para conocer la opinión del público – incondicional o no de su obra – y por supuesto, siempre con el riesgo de recibir comentarios negativos, tal vez procedentes de debilidades humanas o de particulares incomprensiones.

 

XAVIER UBACH (Mataró, 1933), dispone de un amplio curriculum expositivo. Barcinova, (Bcn) Caixa Tarragona, Espai Museu l’Aixernador (Argentona), Galeria Tot Art (Mataró), Cajamadrid (Bcn), Galeria Fontanar (Segovia), etc. etc.  En su última muestra realizada en el año 2008, en la sala de exposiciones de Caixa Laietana, manifestó que no tenía intención de volver a exhibir su obra. Sin embargo, recientemente y a petición del propietario del restaurante “Els Caçadors”, no ha podido resistir la tentación de ceder unas cuantas de sus últimas creaciones, para el salón-comedor del establecimiento.

El ex locutor y presentador de televisión durante los años 70, es demasiado entusiasta de su arte, como para seguir ensayando, desde su dorado retiro, nuevas técnicas en base a su temática, siempre con tintes oníricos y paisajes imaginados, donde soledades arbóreas se mezclan con vibrantes temas protagonizados por barcos de vela, ligeros y abiertos a lo desconocido, y que permiten al espectador encontrarse con una obra, realizada en acuarela, de plácida contemplación, ejecutada con soltura y ductilidad en el manejo del pincel, un juego cromático elaborado, con dominio de ocres, azules, pardos, verdes y rojizos, perfectamente adaptado a las distintas temáticas con las que trabaja, por lo que a veces es vehemente y llamativo, plagado de optimismo, y en otras es suave, dulce y relajante, invitando al espectador a la tranquilidad y a la reflexión.

Luminosidades intensas o tenues, en base a la paleta de colores antes citada, equilibrio en la estructura y la sorpresa de presentar un juego de abstracciones, donde el color se impone en manchas aparentemente indeterminadas, pero evidentemente la experiencia es mucha, muy controladas.

 

Una obra llena de sensibilidad y lirismo, y de agradable observación, en un espacio para muchos puristas del arte discutible en cuanto a entorno expositivo, pero abierto a un numeroso y heterogéneo público, lo que favorece la expansión de la obra del artista.

 

XAVIER UBACH

http://cataluna.artelista.com/ 

 

Restaurant Els Caçadors

Crta. de Vilassar de Mar, 16

Argentona

 

http://www.restauranteloscazadores.com/contacto.htm

LARS PHYSANT

VANGUARDIA DANESA BAJO EL PRISMA DEL CLASICISMO

PALAU MOJA (Barcelona)

Un artista que se valore de serlo, debe mostrar en su obra no tan solo un temática que le atraiga, que el apasione, que le inquiete, que desee denunciar o simplemente plasmar como si fueran palabras en un papel, sino dar prueba fehaciente que la base fundamental e intrínseca de una artista son su conocimientos, su dominio técnico y consecuentemente, su aprendizaje a lo largo de los años, para poder entonces, plasmar elucubraciones, realizar inventos, pintar sueños… en definitiva, ser creador.

Lars Physant, , nacido en Copenhague en 1957, y que vive desde 1994 en Barcelona, puede perfectamente aplicársele lo antes mencionado, a través de la exposición que hasta el pasado 30 de junio podía visitarse en la PALAU MOJA de la Ciudad Condal: Percepció simultánea.

El artista está considerado uno de los representantes más destacados de la pintura de vanguardia. Physant trabaja un concepto que denomina "Realidad dividida unida" en el que utiliza el realismo de sus pinturas para construir formatos inéditos.

Tal como indica en el catálogo de la exposición, el poeta Vicenç Alatió, que fuera comisario en 1993 del “año Miró”: A diferencia de la pintura románica, gótica y renacentista, las obras de pared no han sido colgadas en ninguna iglesia, ni palacio, ni red virtual, y sin embargo son cuadros históricos con escenas reales de diversas civilizaciones, culturas y religiones de paso entre la imagen fija y el movimiento narrativo del ojo. A principios del siglo XXI, en el mundo global, se vive un presente simultáneo.

Collages suspendidos, simulacros planes, imágenes flotantes. Imágenes en el silencio, parlantes en comunidad, rituales, escombros, paisajes donde la luz vibra como en los átomos presocráticos. La pintura trasciende la realidad de lo visible bajo la visión de Lars Physant.

El artista ejecuta una obra con oficio e inteligencia, buscando la belleza y a su vez, el engaño. Un trabajo arduo, meticuloso, de precisión milimétrica a pesar de su aparente desorden; por lo tanto exquisito, sorprendente en cuanto a montaje y enmarcado, huyendo de todo formalismo para adentrarse en geométricas particularidades, proporcionando al espectador una extraña y enigmática belleza, donde paisaje urbano y natural, figuras y elementos se entremezclan, formando un conglomerado cosmopolita, plagado de luz, y a la vez de misterio.

Una muestra, posiblemente una de las últimas que se celebren en esta sala de arte, que ha contó con la colaboración de diversas firmas catalanas y danesas, así como de la presidencia danesa de la Unión Europea y de la Fundación Reina Isabel de Dinamarca.

PALAU MOJA

C/ Portaferrisa, 1-3

Barcelona

PEDRO MADUEÑO:  EL CARÁCTER DE LA FOTOGRAFÍA

CAIXAFORUM BARCELONA

La fotografía periodística es ARTE. Saber transmitir a través de la técnica, todo lo que representa y emana un ser humano, sea o no famoso, es algo que los dioses sólo conceden a alguien que saben que mostrará esencia a través de imagen.

 

CAIXAFORUM BARCELONA presentó hasta el 24 de junio la muestra Retrats Periodístics, con imágenes de Pedro Madueño, y cuya inauguración, el pasado 26 de marzo, contó con la presencia de Artur Mas, president de la Generalitat de Catalunya, Xavier Trias, alcalde de Barcelona, Jaume Giró, director ejecutivo de Comunicación de "la Caixa" i director general adjunto de l'Obra Social "la Caixa" y por supuesto, Pedro Madueño, fotoperiodista.

 

Alto voltaje institucional para una obra fotográfica, donde algunos de los presentes fueron en su momento captados por el objetivo del fotógrafo.

La muestra constituyó la primera retrospectiva en 36 años de profesión, y recogió cerca de cincuenta retratos de figuras de la literatura y el periodismo (Quim Monzó, Terenci Moix, Baltasar Porcel, Juan Marsé, Miquel Martí i Pol, Joan de Sagarra, Salman Rushdie, John Irving), la política (el rey Juan Carlos, Felipe González, Baltasar Garzón, Artur Mas) y el espectáculo, el arte y la fotografía (Francesc Català-Roca, Antoni Tàpies, Eduardo Chillida, Nazario, Pina Bausch, Ferran Adrià, José Tomás).

 

Tal como indica el programa de mano: El retrato es el género más completo, la esencia misma de la fotografía.» Testimonio excepcional de tres décadas de periodismo cultural y político, la obra realizada por Pedro Madueño para el diario La Vanguardia nos habla de una perspectiva única sobre lo que es el retrato periodístico.

 

Sus fotografías trascienden el ámbito estricto de la prensa y nos muestran la complicidad de Madueño con sus modelos, su capacidad para profundizar en la psicología de los personajes y su instinto para descubrir nuevas perspectivas sobre los retratados en los cinco minutos de que dispone para inmortalizarlos. Su obra también pone de relieve una preocupación por factores puramente fotográficos, como los juegos de luz y sombras o la densidad de la imagen.

La exposición emitía un extraño magnetismo. Capta inmediatamente la atención del espectador que se sumerge entre las luces y las sombras de personajes retratados sin boatos y cargados de realidad. Pedro Madueño es un fotógrafo que sabe captar con objetivo preciso y encuadre milimétrico, la personalidad de su retratado. Apenas había imágenes en color en la muestra, y escasas eran las féminas protagonistas de sus retratos: Tania Doris (ex – vedette del Paralelo), Isabel Coixet (directora de cine y de anuncios publicitarios), o Joyce Carol Oates (escritora).

 

Destacó un enigmático retrato del rey Juan Carlos, vencido en la sombra, un ególatra Jordi Pujol, un elegante aunque prepotente juez Garzón, un elegante Leopoldo Pomés, un concentrado José Tomás o un arcano Adolfo Marsillach entre otros.

 

Una muestra con catálogo asequible (10 €), lo cual es de agradecer en estos tiempos, donde se admira el retrato, se reverencia al fotógrafo y se rinde culto al ARTE DE LA FOTOGRAFÍA.

 

 

CAIXAFORUM BARCELONA

Avdga. Francesc Ferrer i Guardia, 6-8

 

http://prensa.lacaixa.es/obrasocial/exposicion-pedro-madueno-caixaforum-barcelona-esp__816-c-15801__.html

EL BUIT – DIMARTS DEL LLIMONER

ATENEU CAIXA LAIETANA (Mataró)

 

CALIDAD SIN INNOVACIÓN ARTÍSTICA

El Ateneu Caixa Laietana presenta hasta el próximo 29 de julio la exposición-homenaje “El Buit” producida por la asociación artística “Els Dimarts Del Llimoner” de Mataró, compuesta por 26 obras entre pinturas y esculturas, además de dos montajes escultóricos, un poema y una pieza teatral titulada “l’ombra del buit”, escrita por algunos de los miembros de la asociación. Todo ello para recordar a tres de los artistas pertenecientes a esta asociación, ya fallecidos: Josep Ma. Rovira Brull, Pere Màrtir Viada y Josep Novellas, algunos de cuyos trabajos artísticos pueden verse en la ciudad.

 

Cuando alguien muy próximo fallece, a una edad cercana a la madurez y lejana aun de la vejez, y si además ese alguien es artista, y ha impregnado con su arte las vidas de sus amigos más cercanos, evidentemente, el vacío (el buit) es casi omnipresente, para esas amistades con las que había compartido buenos y malos momentos.

 

Pero el hecho que, para esta asociación dedicada a las artes plásticas, estos artistas estén aun vivos en su recuerdo, no tiene por qué tener el mismo significado para el resto de ciudadanos, muchos de los cuales apenas han tenido conocimiento - y otros tal vez, ni tan siquiera interés – en conocer su arte, y de la vinculación que mantenían los fallecidos con esta asociación.

El querer manifestar en una exposición ese sentimiento de vacío espiritual, a través de la visión que los diferentes colegas y miembros de la entidad tienen de las personalidades de los artistas desaparecidos, es sin duda admirable y loable especialmente para ellos, pero no tiene por qué despertar el interés del resto, y más cuando se trata de una muestra donde si bien hay calidad y buen hacer, profesionalidad y laboriosidad, falta innovación, originalidad, imaginación y creatividad.

 

Los artistas se han limitado ha realizar unas piezas de las que, los que somos seguidores de su trayectoria profesional, tenemos demasiadas referencias y redundan en técnicas y conocimientos ya exhibidos en otras de sus exposiciones, siendo el pretexto de la muestra, el requerir con nostalgia una memoria artística que, transcurrido el tiempo, se ha demostrado que nunca ha calado en el grueso la sociedad local, pero que para los miembros de Els Dimarts del Llimoner, es suficiente excusa para su reivindicación constante.

 

Así, por ejemplo, Antonio Gutierrez - De Antonio - se reafirma en su particular expresionismo, duro, brutal y tétrico, el cual pudo ser contemplado hace escasos meses, en la misma sala de exposiciones. Marga Riera ofrece su contenido reivindicativo, - al igual que en la exposición en Gal-Art-año 2010 - por medio de una figuración desbordante, con una paleta de ocres, tierras, blancos... vehemente e intensa, al igual que en su Carlos Soriano, en su habitual línea se muestra contundente y crítico, sin contemplaciones y con una marcada dureza, en base a tendencias informalistas, optando por una base cromática con claro predominio del negro. Marisa Blasco, aparentemente novedosa en cuanto a obra, se decanta por una abstracción de características similares a las de su marido, Carlos Soriano, con domino de rojos y pincelada amplia.

 

Ricard Jordà manifiesta sus habituales y barrocos planteamientos artísticos de denuncia y crítica, a través de su obra la pobreza menospreciada, el inmovilismo político y social, las desigualdades, etc, también vistos en exposición de finales del 2011, y entre todo esto, se acuerda de sus amigos fallecidos. Marc Sala y Pol Codina, a través de la escultura, exhiben un gran dominio de materiales, y expansión de conocimientos, pero con claras referencias a Jaume Plensa.

Maria Pretel y Santi Domínguez, muestran una abstracción muy rotunda y gestual la primera, muy parecida a una filigrana, mientras que el segundo se decanta por la expansión del color, en manchas, aunque también ofrece una obra figurativa.

 

Artur Palomer - “Pal” – a través de una figuración, con tendencias a una particular “naturaleza muerta” de clara influencia expresionista y surrealista, mostrando una visión introspectiva de la inexistencia del ser humano, vehículo de expresión de estados de ánimo.

 

Josep Serra sigue invariable entre su habitual manejo del pincel, abrupto y sin contemplaciones, rodeado de manchas de color, aunque en esta ocasión, las pigmentaciones tienen más preferencia. Raúl Capitanni, sigue fiel a su estilo de entre el surrealismo y a un expresionismo surgido de su relación con el mundo del comic – también observado en una muestra en el 2010 - y Manuel Prieto y Jorge Sarraute, muestran su particular visión del vacío, que no deja indiferente, y donde la soledad es protagonista, con un sabor amargo a la desesperanza.

 

Finalmente, Manuel Patricio, poeta y escritor, que en esta exposición se muestra como ocasional escultor… utilizando objetos encontrados de cristal y hierro, en una pieza de más que discutible calidad artística.

 

Como conclusión, y a pesar del texto del programa de mano que manifiesta: “Se trata de hacer una reflexión sobre el vacío que dejan las personas que fallecen y, al mismo tiempo, sobre su legado, por lo que estamos pensando en un vacío que no está vacío…”, en realidad el visitante se encuentra ante una exposición que sólo tiene significado real para los colegas de los amigos ausentes, en una clara demostración al mismo tiempo, de que ellos son los verdaderos artistas y los que entienden de arte en la ciudad.

 

 

ATENEU CAIXA LAIETANA

La Riera, 92

Mataró

 

www.fundaciocaixalaietana.es

 

ROSER ARCARONS Y MARIA ANTONIA DE LORA:

Exposición de retablos y escultura

AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN (Figueres - Girona)

La asociación Cultural Amics del Castell de Sant Ferran, informan a esta web de la exposición de retablos y esculturas que ROSER ARCARONS y MARIA ANTONIA DE LORA, presentan del 6 al 21 de julio.

 

En base a la técnica de una tabla preparada como soporte para la pintura, y donde la ésta puede ser al temple de huevo combinada con superficies doradas y plateadas, la poetisa Carme Rovira Ros realizó la siguiente presentación de la obra de Roser Arcarons:

 

“Quiero destacar de la pintora catalana, aquello que yo veo como espectadora que ella imprime de las certeras pinceladas en su obra.

 

Y del talante y la singularidad que no se aprende, a pesar de haberse formado la artista en la Escuela Masana y Escola d’Arts i Oficis ambas de conocido prestigio de Barcelona.

 

Según contemplo los cuadros de la artista, que “busca inspiración en la natura”, me gusta como trata y distribuye el espacio, como lo hace la propia naturaleza, parece que a capricho pero…repartiendo y estructurando bien todas las formas.

 

Me place de la pintura de Roser, la armonía distorsionada y distorsionadora que agita y transmite placer a mi retina. ¡Que más da! Si la artista lo pretende o bien, le sale así. Aprecio las delicadas transparencias y matices de sus gamas de colores, y sus temas me gustan, porque me conmueven. Me perturba la belleza de su mujer desnuda, vestida por la artista de elegante insinuación, antes de ser expuesta a la contemplación de otras miradas.

 

¿Y los esbeltos árboles que Roser imagina? Igual que un bosque vivo nos elevan la mirada hacia el infinito.

Y el movimiento casi tangible de sus veleros. O el viento sigiloso que otorga con pincelada mágica a sus marinas.

¿Y las sutiles veladuras que aplica a sus bodegones? a los que yo profana del arte de la pintura, nunca catalogaría de naturaleza muerta. Porqué el trazo de Roser hace viva la obra, dotándola de aquello que nos hace soñar, nos alenta y emociona: De sensibilidad”.

Con respecto a la obra de la escultora MARIA ANTONIA DE LORA, utiliza varias tecnicas realizando esculturas en vidrio, barro, cemento, piedra y otros materiales que se complementan hasta la creación de una obra técnica.

 

En sus exposiciones se pueden contemplar sus misteriosas y salvajes esculturas, vitrales muy elaborados y sus pinturas poseen una increíble fuerza plástica e imaginativa, que incansable crea un poderoso bestiario de la fauna y flora, donde la naturaleza esta en perpetua metamorfosis.

 

ASSOCIACIÓ AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN

Apartat de correus 182

FIGUERES (Girona)

 

www.amicscastellsantferran.org

 

www.roserarcarons.es

www.madelora.blogspot.com

PRESENTACIÓN OFICIAL DEL LIBRO

«SAGRADA FAMILIA: OPUS MAGNUM DE GAUDÍ»

El pasado Lunes, día 25 de junio, con motivo de la celebración del nacimiento de Antoni Gaudí, se presentó oficialmente en el Museo Diocesano de Barcelona la obra editorial «Sagrada Familia: Opus Magnum de Gaudí». Un monográfico dedicado a la Basílica de la Sagrada Familia, con las más recientes fotografías del templo y con artículos de Joan Bassegoda, Jordi Bonet o Etsuro Sotoo, entre otros. Un libro que ha sido merecedor de los premios: «Artes Gráficas 2012», concedido por el Gremio de la Industria y la Comunicación Gráfica de Cataluña; y el «EskaFrogAward 2012» europeo. Barcelona, 20/6/12.

 

El libro es el último monográfico de la Basílica de la Sagrada Familia y se muestra con una espectacular serie fotográfica de Nicolas Randall y las explicaciones y artículos de los más grandes expertos en la materia, como son: Joan Bassegoda Nonell (ex director de la Cátedra Gaudí y Presidente de la Asociación de Amigos de Gaudí), Jordi Bonet Armengol (Director de las obras de la Sagrada Familia y Presidente de la RACBA Sant Jordi), Etsuro Sotoo (escultor de la Sagrada Familia), Judith Urbano Lorente (Subdirectora de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la UIC) y Jordi Faulí Oller (director adjunto de las obras de la Sagrada Familia), entre otros.

 

 

MUSEU DIOCESÀ – Monument de la Pia Almoina

Avdga. de la Catedral, 4

BARCELONA

e-mail:museudb@yahoo.es

CUADROS TAMBIÉN OPINA

EL ARTE DE SABER TRANSMITIR CONOCIMIENTOS:

MARISA BLASCO (Espai Capgros) y EXPOSICIÓN COL·LECTIVA DE ALUMNOS (Sala Casal Aliança). Profesora: MARTA DURAN

Mataró

A lo largo de los tiempos, pocos han sido los artistas que han podido vivir de su arte, a través de la venta de sus obras, o bien bajo patrocinio o mecenazgo, por lo que para una inmensa mayoría, se impone el vivir de otra profesión, directa o indirectamente relacionada con el arte. Lo más habitual es que se dediquen a impartir clases de dibujo y pintura, en base a su titulación, experiencia y conocimientos.

Sin embargo, no siempre un artista, genial o no, es capaz de saber transmitir sus conocimientos con la misma soltura y capacidad con que crea sus trabajos. Un claro ejemplo lo tenemos en Mataró, en dos exposiciones cuyo nexo de unión es Marta Duran Quintana, artista de reconocido prestigio nacional e internacional (actualmente expone sus obras en la galería Rasmus Gallerie. Copenhague ,Odense and Skagen ( Dinamarca ).  Ha expuesto también  en Nueva York (Nour Foundation), en la Anquin’s de Reus (Tarragona),  en la Sala Durán de Madrid,  en la Galeria Comas de Barcelona,  de la que en más de una ocasión, esta web se ha hecho eco de sus exposiciones, o en Mataró en el Centre Ca l’Arenas.

Tal currículum presupone elevados conocimientos técnicos, y formación pedagógica necesaria, para transferir a los alumnos que acuden a la pintora como profesora, una educación artística suficiente, con el fin de obtener las bases fundamentales para la plasmación de pinturas o dibujos.

Sin embargo, en la exposición que actualmente se exhibe en la Sala Casal Aliança de la capital del Maresme, los discípulos que muestran sus trabajos, les falta sensibilidad y sentido creativo. Tal vez no posean la debida capacidad de atención o de estudio, o bien Marta Duran Quintana no dispone del duende necesario para impartir clases. Ignoro si puede aplicarse a la muestra uno sólo de los conceptos que acabo de exponer, o todos juntos.

Marta Duran - Profesora "Esclat"-1985

Pero la realidad es que habitualmente, Duran Quintana explota escasamente su faceta figurativa, y en la muestra que nos ocupa, el retrato es tema único en la misma, resultado en general obras de calidad mediocre – la excusa que son alumnos no es válida. Si han querido exponer su obra al publico en una sala de arte, es de suponer un alto grado de preparación para afrontar el factor expositivo – con niveles muy bajos de expresión, con un pésimo sentido de la estética y del buen gusto – escasísimos son los trabajos que transmiten cierto “savoir faire” –parco equilibrio en la presentación de las obras, y sin apenas atractivo para el visitante ocasional, que ve un conjunto de retratos, a cual más feo, por emplear un término un suave, sin querer ofender las siempre suspicaces personalidades artísticas.

Marisa Blasco - sin titulo - 2011-2012

A veces se da el caso que el maestro no desea en absoluto que el alumno le supere, e incluso pueda traspasar fronteras locales gracias a sus enseñanzas, - por el momento, no se conoce a ningún alumno de Duran Quintana que haya sobresalido - a fin que el profesor mantenga su supremacía como artista, por lo que el alumno se convierte involuntariamente, en un imitador sin proyección propia.

MARISA BLASCO, que hasta la primera semana de julio muestra en el ESPAI CAPGROS sus últimos trabajos en la exposición: Passeig pel mar podría ser un ejemplo de lo que se acaba de mencionar. Expresión de visiones marinas y costeras llenas de vigor y de fuerza, gracias a la utilización de un pincel amplio, directo, y muy marcado, y una gama cromática monocorde, sin uso de perspectivas ni estructuras, con demasiadas referencias a Duran Quintana, su profesora. Blasco manifestó en un artículo aparecido en el semanario grautito Capgros, que volvía con fuerza a la pintura, después de una etapa muy complicada, centrándose en el mar como espacio para expresar sus sentimientos y emociones más profundas, por lo que esta muestra puede entenderse como una terapia emocional, de excelentes resultados psicológicos, pero a nivel artístico resultan un “déjà vu”.

Blasco que en el año 2009 ya expuso en la misma sala, siempre se ha sentido muy inspirada por el mar, presentando en aquella ocasión unos trabajos tiernos, cálidos, sin pretensiones, que relajaban la mirada, lo cual el espíritu agradecía. Era una obra académica, clásica, pero demostró gran sensibilidad en la elección de cromatismos, sus degradados, pincelada suelta y dúctil, etc., sin agresividades y con concesiones al impresionismo.

En conclusión podría decirse que, sin menospreciar la loable tarea de la enseñanza de las Bellas Artes, ni la categoría artística de Marta Duran Quintana, ni en general del profesorado, habría que reflexionar con auto-critica, sobre la conveniencia de las exposiciones a vista del gran público, y la preparación real del alumnado. Tal vez, como los estudiantes de música, tocan en la sala de conciertos de la escuela, deberían los artistas, exponer en las propias escuelas, y ser valorados por otros profesores, para su propia autoestima artística.

SUMARIO

 22 de JUNIO de 2012

ANKE BLAUE: CONCESIONES AL MINIMALISMO

ARTUR RAMON ART (Barcelona)

Cuando se habla de minimalismo en el arte, el concepto suele ser ajeno y distante para el gran público: se trata de una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, etc. Es decir, que reduce el mensaje o la expresión de su obra a lo esencial, despojándola de elementos sobrantes.

Esta necesaria introducción, permite desentrañar un poco la obra que actualmente exhibe ANKE BLAUE en la ARTUR RAMON ART de Barcelona, en su exposición Espacios.

Blaue a través de la trama del tejido y de su color: cálidos amarillos, intensos rojos y brillantes azules, etc., ofrece una gama de variaciones sobre tela, que forman una aparente abstracción estructural, donde la representación de la tela – geométrica rectangular – marca el espacio, culminando en un minimalismo que no resulta ni distante ni frío, gracias a un concienzudo trabajo de pintado e incluso teñido de los colores.

La visión que el espectador contempla es simple, vital y vibrante. Hay espiritualidad, hay concepto y es de vanguardia, a pesar de los detractores del minimalismo y de su escasa proyección actual. Aunque mentalmente, las referencias a Mark Rothko no pueden evitarse, en oposición a este, Blaue presenta una obra donde reina el equilibrio y la armonía – la colocación de las piezas es fundamental para la muestra – existiendo una poética visual que el espectador sensible no rechaza mentalmente.

En la exposición se puede observar la composición de la obra, a través del gramaje del lino antiguo, teñido y encolado sobre el lienzo.

Anke Blaue es una artista que ha evolucionado del figurativo al minimalismo, gracias a los conocimientos obtenidos por su profesor, Bruno Fonseca, quien la introdujo en el constructivismo de Torres García, y en la esencia de la pintura y de quien aprendió: que las leyes que rigen a ésta son las mismas tanto en lo figurativo como en lo abstracto: composición, interrelación de tonos, materia, fidelidad del material a su materialidad, plasticidad... y aplicando esto realiza bodegones, retratos y desnudos tanto en pintura al óleo como en dibujo, siempre a partir de la observación del objeto.

Los viejos maestros no le son ajenos a Blaue: Cézanne, Piero della Francesca, Velázquez, Goya y El Greco, y de cuyo conocimiento aplico en sus obras abstractas, esculturas y collages.

La obra de Anke Blaue expresa contenido y continente, gracias a una elaboración cuidadosa, con el fin que el espectador, a través de su sencillez de plasmación, se libere a las sensaciones que la obra produzca; estas pueden ser visuales e incluso musicales. Recordemos que el cromatismo en música es el efecto del color en el uso de las notas intermedias de la escala, lo que también se llama “semitono”. Contemplar los Espacios de esta muestra, es dejarse llevar por una sinfonía visual cargada de llamativas notas de color.

La exposición se complementó el pasado 13 de junio con la lectura de algunos fragmentos del libro: El silencio de la palabra, escrito por Jaume Sandoval, quien recitó los textos, y que fue acompañado al clarinete por Carles Gisbert. El silencio de la palabra ha sido recientemente re-editado por Ellago Ediciones, y ha sido escrito a partir de la observación, que no interpretación de las obras realizadas en los últimos tiempos por Anke Blaue

 

 

 

ARTUR RAMON ART

Carrer de la Palla, 23-25

Barcelona

www.arturamon.com

 

STEFAN COOLS: NUEVAS FORMAS DE EXPRESAR EL ARTE, A TRAVÉS DE LA NATURALEZA

 

SETBA ZONA D’ART (Barcelona)

La relación entre arte y naturaleza, tradicionalmente se ha expresado en el primero, a través de la plasmación de todo tipo de paisajes, exceptuando los elementos de la naturaleza que para su estudio y conservación, forman parte de museos. Sin embargo, en la segunda década del siglo XXI, esta analogía va más allá de una simple expresión pictórica; se trabaja con los elementos procedentes de la misma para reivindicarlos, exhibiéndolos de una forma casi artesanal, sin elementos químicos.

 

SETBA ZONA D’ART expone hasta final de mes la obra de Stefan Cools El artista, un conjunto de unas cincuenta piezas sobre papel y cartón, collages y dibujos, realizados en técnica mixta (papel, barro, plantas, hojas, madera, etc.), y de diversos formatos, así como una instalación.

 

Esta exposición ha sido posible gracias al convenio firmado centre Fundació Setba y CACIS, (Centre d’Art Contemporani i Sostenibilitat), un entorno que se dedica a la investigación, producción y exhibición de proyectos culturales y de arte contemporáneo, en todas sus vertientes: conceptuales y formales, especialmente los relacionados con la ecología y el medio natural.

 

La muestra se complementa con la exhibición de un documental con el mismo título, realizado por Daniel Ferrer, un cineasta que en diversas ocasiones ha colaborado con Ventura Pons.

 

A nivel artístico, la exposición resulta un tanto alejada de los conceptos conocidos dentro del ecologismo o requerimiento de la correlación entre el hombre y la naturaleza. En realidad el artista presenta un paradigma ecológico. Esto incluye el conocimiento de los orígenes de los materiales, la forma de objetos y productos de construcción, y el propósito físico y psicológico que el arte sirve en la producción de sentido.

A través de su obra, Cools invita al espectador a un examen de comprensión integrada sobre el entorno natural, lo que resulta original. No obstante, la muestra a nivel artístico, puede provocar una cierta incomunicación con el espectador, ya que presenta piezas realizadas con materiales de Arte Povera, o usados, que perfectamente pueden ser contemplados como collages muy simples, al utilizar libretas de notas de escuela o libros de partituras como fondo, y aplicarles un mensaje de tipo naturalista. Para Stefan Cools, la música es básica y fundamental en la creatividad de su obra, por lo que le rinde su particular homenaje a través de cajas de instrumentos musicales, cubiertas con un material especial, procedente del barro.

 

Una exposición conceptual, con mensaje ecológico, simple en su presentación y compleja en su comprensión, lo que para determinado público puede resultar muy atractivo.

 

SETBA ZONA D’ART

Plaça Reial, 10-1r-2ª.

Barcelona

www.setba.net

MAX ALMEIDA: CULTO AL RETRATO

Col·legi d’Aparelladors (Mataró)

A pesar de que en los tiempos actuales, el retrato está en fase de decadencia, y solamente tiene valor a un nivel estrictamente familiar, para un artista que se precie, es todo un ejercicio estilístico, que debe reflejar tanto elementos psicológicos del personaje, como el dominio técnico y captación de características físicas del retratado, por parte del artista.

 

MAX ALMEIDA sabe absorber ambos aspectos en la muestra que hasta el próximo 17 de junio, exhibe en la Sala del Col·legi d’Aparelladors de Mataró, y que ha titulado: LA RECERCA (La Búsqueda)

 

Un conjunto de obras mayoritariamente retratos, realizados al óleo o a lápiz, en gran formato los primeros (100x100cm.) y medio los segundos, junto con algunos bodegones.

 

Almeida, que en el 2008 sorprendió en el QU4TRE de l’Ateneu Caixa Laietana, con una obra también de gran formato, a través de escenas nocturnas de temática urbana, no exentas de cierto halo de misterio que impactaban, extrañaban pero admiraban al espectador, ofrece en esta ocasión todo un contraste; una muestra cercana y abierta, llena de luz y color, retratando a gran parte de sus personajes de perfil, “limitando” parte de sus rasgos físicos, para centrarse en detalles, en la ejecución técnica, en el decorado de manchas, franjas y claro-oscuros, permitiendo al visitante dejarse atrapar por aspectos más cercanos a la comparación con la realidad.

El artista demuestra un dominio absoluto de la técnica, y que ha evolucionado hacia una obra figurativa, que impone carácter y una visión muy particular del personaje. Con respecto al dibujo, una serie de piezas que ha denominado “en construcción”, Almeida se muestra académico, pero excéntrico, casi surrealista, pues si bien la figura queda perfectamente delimitada, el hecho de estar incompleta refleja originalidad en el planteamiento y curiosidad para el espectador.

 

Si bien en el retrato actúa a placer y con total libertad, respecto al bodegón es mucho más restringido, más escueto o tal vez parco debido a los pocos elementos utilizados, lo cual es un contraste interesante que demuestra creatividad, profesionalidad y calidad técnica.

 

Si bien por idea y planteamiento, esta exposición recuerda la obra de Eduard Novellas, recientemente comentada en Cuadros de…, cabe señalar que es muy positivo que artistas jóvenes, centren una etapa de su creatividad en el retrato, tanto como ejercicio estilístico como evolución artística.

 

SALA DEL COL·LEGI D’APARELLADORS

Plaça Xammar, 2

Mataró

www.santlluc.org

http://associaciosantlluc.blogspot.com

 

SILVIA GOU: Exposición Horitzons

CASTELL DE SANT FERRAN (Figueres – Girona)

La entidad Amics del Castell de Sant Ferran informa a esta web a través de comunicado de prensa, de la exposición de SÍLVIA GOU: HORITZONS (Horizontes)

La exposición fue presentada por Isabel Busquets, filóloga y amiga de la pintora:

Silvia de entrada es una artista autodidacta, empieza a pintar sólo por ella misma entre 2004 y 2005, por exteriorizar unos sentimientos íntimos fruto un hecho que la hace sufrir. De la mano de la pintora Concepción de Ventós aprende a perfeccionar su técnica e ir descubriendo las posibilidades de expresión a través del trabajo y la experimentación con los colores, las texturas, la estampación de la tela con materiales diversos; recientemente ha seguido un curso en el taller del pintor Pujol Boira y poco a poco ha ido evolucionando en su trabajo hasta llegar a esta exposición que ella ha titulado HORITZONS.

La palabra HORIZONTE dibuja en nuestro imaginario una línea que limita, que no nos permite ver qué hay más allá, hay que contentarse en imaginarlo, quizás soñar ello incluso. Desde el castillo de San Fernando, se divisan muchos horizontes; el horizonte dibujado en la Bahía de Roses, el horizonte que preside el Canigó recóndito hacernos el país y la cultura a la que pertenecemos; el horizonte que delimita las comarcas vecinas del Empordà y la Garrotxa; nuestra mirada puede abarcar el dibujo de todos los horizontes que mira desde el Castillo, pero también existe otro tipo de horizontes más íntimos, los horizontes que Silvia quiere compartir con nosotros a través de las sus pinturas.

Los horizontes de Silvia nacen del latido impresionante de las pérdidas; este latido se transforma en rebeldía hacia las cosas inexplicables. Observa la realidad que le rodea, una realidad que le afecta y al mismo tiempo la interpela y desde su mirada interior busca la manera de entenderla, de transformarla y lo hace por medio de la pincelada cromática que sale de sus manos, el uso de los colores, los elementos naturales, el dibujo de las figuras geométricas insinuando un punto de partida desde el vértice, son las herramientas, los recursos que le sirven para manifestar la dualidad, a veces expresada con el trazo sutil de una línea divisoria, entre lo que percibe y lo que imagina demudado.

Todo esto no deja de ser un viaje de exploración personal que hace el artista y su pintura evidencia su experiencia vital, hace visibles y da forma a sus emociones; intuye nuevos horizontes y nos los presenta para que nosotros, desde de nuestra mirada personal y curiosa de espectadores, nos sumergimos en las infinitas realidades de los mundos internos. Lo que nos quiere contagiar el artista con su creación son las ganas de superación personal y también colectiva, no esperar a que la niebla, como ella llama la realidad que nos perturba, solazaban sino que nos atrevemos a traspasar-la y forjar -una diferente.

 

ASSOCIACIÓ AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN

Apartat de correus 182

FIGUERES (Girona)

 

www.amicscastellsantferran.org

 

RAQUEL MONTANER: Exposición: Emoción – Inspiración – Instinto

 

GAL-ART MARESME (Mataró)

Restaurante CAN BALADIA (Argentona – Barcelona)

 

La galeria de arte Gal-Art, que antes tenía su sede en la Ronda O’Donell de Mataró, inició a principios de marzo una nueva etapa, a través de su página web: http://galartmaresme.com.

A pesar de no disponer ya de un espacio expositivo, Joan Fabregas y Daniel Cabrera siguen organizando exposiciones, y lo hacen a través de las instalaciones del Restaurant Can Baladia de Argentona.

Según comunicado a esta web, el pasado 7 de junio presentaron dentro de esta nueva etapa, la exposición: Emoción - Inspiración-Instinto de la pintora argentina afincada en Madrid Raquel Montaner.

La pintora define su obra de la siguiente forma:

Cada artista absorbe lo que vive y transita en su época cronológica, si es que tiene algún poder, este reside en compartir el resultado de sus búsquedas y los cambios que de ellas suceden. Personalmente necesito que esos cambios sean constantes, sin  sujetar los logros pues cada uno en sí mismo es un camino de crecimiento. No hay censura, ni prejuicios, ni condicionamientos.

La técnica está incorporada para desandarla inconscientemente con total libertad. Los materiales son el pretexto e instrumento interpretativo. Las tramas son acuosas, a veces tenues, otras densas y texturadas que nacen con urgencia. El resultado suele ser sorpresivo.

Las obras en algunos momentos explotan a manera de volcanes interiores, con éxtasis y en otros las obras surgen como reconfortantes mecedoras en un día tranquilo, pero relatando siempre una historia personal y diciendo: “.aquí estoy, formo parte del Universo…”

Sueño con que  el Arte sorprenda en espacios cotidianos y abandone museos en lo posible, acompañando al desprevenido espectador, dándole vida, con su participación e interacción. Es un momento muy  especial, de ritual, me acerco al lienzo blanco, con placer, emotividad y disfrute. Cada pincelada invita a la siguiente, cada forma abierta sugiere otra y me convierto en su hilo conductor. La obra parte de mi, se comunica y se traduce en imágenes. No hay censura, con total libertad de expresión plástica,  me sorprende el recorrido que como una ofrenda me nutre y reconforta. El Arte me cobija, me abraza y se convierte en placer y emotividad. Gracias a la VIDA.

 

GalArt Maresme

Promoció de l'art a Mataró i Maresme

http://www.galartmaresme.com

http://www.raquelmontaner.com/

UNA COLECTIVA MUY ESPECIAL

JEAN PAUL PERRIER ART GALLERY (Barcelona)

Una tradición no escrita impone que las colectivas sean exposiciones con un marcado signo de agrupación, de muestra y comparación entre varios artistas, como símbolo de fondo de galería o de temática concreta.

Sin embargo, a veces la definición de exposición colectiva se transmuta de la antes mencionada, para exhibir obra desconocida de autores emergentes o consagrados, en base a un criterio de selección y colocación con buen gusto, y de dar a conocer obra significativamente olvidada… perteneciente en realidad a un coleccionista.

La JEAN PAUL PERRIER ART GALLERY presenta en sus instalaciones de la calle Mèxic de Barcelona, una interesantísima colectiva plagada de obras gratamente sorprendentes y mayoritariamente desconocidas, que atañe a unos muy buenos amigos del titular de la galeria, residentes en el extranjero, y cuyo periodo abarca desde mediados de los 60 hasta los años 80 del siglo XX.

Y así el visitante acostumbrado a las exposiciones, y el que ocasionalmente se pasea por una galeria, puede comprobar la extraordinaria calidad compositiva de Jesús Mari Lazkano, pintor figurativo español, uno de los máximos exponentes de la pintura realista del País Vasco – en general no estamos acostumbrados en Barcelona a ver obra de otras provincias españolas, a excepción de Madrid y alguna que otra capital – donde el artista describe con precisión de arquitecto, un peculiar y un tanto surrealista paisaje urbano. La imaginación a raudales de Manuel Rivera y su Metamorphosis (Espejo gótico). Una pieza realizada con alambre, varilla metálica, malla de alambre y óleo sobre tabla, que recuerda evidentemente el mundo de Kafka. Un artista que a través del retrato, desembocó en la abstracción, experimentando en la tela metálica como soporte.

Un siempre impactante Antoni Tapies y su escultura en bronce y pintura Llibre I. Una obra muy exhibida y catalogada, pero prácticamente desconocida en la actualidad, al tratarse de una pieza realizada en 1967, uno de los periodos aun interesantes y fructíferos del artista.

El Studio Table realizado en 1984 de Frederic Amat i Noguera, no deja en absoluto indiferente y capta poderosamente la atención. Realizado en 1984 en técnica mixta sobre madera, muestra aun su tendencia experimental y conceptual, iniciada en la década de los años 70. Artista influenciado por la obra de Tapias y Miró, Amat utiliza los colores con finalidad expresiva. En esta pieza se observa el sometimiento de la tela a un proceso manipulativo (acrílico, cera y papel) en un trabajo realizado con un planteamiento estético y temático tradicional.

Todo buen coleccionista que se precie, no puede eludir la presencia de un Josep Guinovart de una época todavía de producción imaginativa, donde impera el uso de diversos materiales, (PH-1 realizado en 1983), o de un Luis Feito y su creciente simplificación formal y material con motivos circulares (667-B-óleo sobre lienzo-1967).

La exposición se complementa, entre otras piezas, con una obra realizada en bronce y pintura de Alfonso Albacete, un artista influido por la abstracción americana y el pop art, titulada Absalón, realizada en tono figurativo, sugerente y con gran poder de captación, y con un magnifica y espectacular serie de obras del Equipo Crónica (Manolo Valdés, Rafael Solves y Juan Antonio Toledo), llenas de color, originalidad. Un estilo que supuso una mezcla única de realismo, crítica, pop, citas pictóricas, anacronismos y pastiches agridulces, apartándose del informalismo imperante en la época, para cultivar una pintura figurativa, muy ligada al pop-art.

Lo interesante de la obra expuesta como de los artistas que la desarrollaron fue su hartazgo de la introspección, por lo que salieron a la calle y observaron el mundo que les rodeaba; una sociedad de industrialización incipiente y de turistas, tal como lo exhibe esta serie: Abanicos (1981) Serigrafías.

A destacar también esculturas de Jaime Ruiz Pedrosa, realizadas en hierro pero llenas de movimiento y vitalidad (Personaje año 200), obras de Jaume Plensa, o Manolo Valdés (Regina-bronce-2002), etc.

Una exposición donde la calidad y la selección están perfectamente demostradas, gracias a unos coleccionistas amantes del arte, que supieron escoger con sentido estético, intuición, y profesionalidad.

 

JEAN PAUL PERRIER ART GALLERY

C/ Mèxic, nº 5

Barcelona.

www.jeanpaulperrier.com

LA FIGURACIÓN DE LOS AÑOS 70 EN LA 3ª
COLECCIÓN BASSAT

Si bien cuando se habla de arte contemporáneo catalán, inmediatamente vienen a la memoria los nombres de Ràfols Casamada, Guinovart, Hernández Pijuan, Arranz Bravo, August Puig, Joan Brotat, Joan Ponç y por supuesto, Antoni Tapias o Joan Miró, etc., sorprende en la segunda década del siglo XXI encontrarse con la fuerza, la expresividad, la contundencia y la extraordinaria calidad y creatividad de la figuración catalana de los años 70, del siglo XX, lamentablemente diluida, tal vez por el exceso mediático de la abstracción y la politización de algunos de sus representantes.

 

No obstante, gracias a la tercera entrega de la Col·lecció Bassat d’Art Contemporani Català, la ciudad de Mataró, a través del Consorci Museu d’Art Contemporani de Mataró, formado por el ayuntamiento de la ciudad y la Fundació Carme i Lluís Bassat, ofrece a todo aquel que desee conocer las singularidades y características de esta forma de expresión artística, una exposición muy bien seleccionada y altamente instructiva.

El pasado jueves, 31 de mayo tuvo lugar en la Nau Gaudí de Mataró, la inauguración oficial de la tercera muestra de la colección Bassat “Art Contemporani de Catalunya 1970-1979. (II)” siendo en realidad la segunda de las tres exposiciones programadas, que abarca esta década, y que al igual que las dos anteriores, ha sido comisariada por Núria Poch, directora del consorcio y profunda conocedora de la totalidad de la colección, que engloba cerca de 1.500 piezas originales, de las cuales 150 son esculturas, contando además con un amplio fondo de obra gráfica.

 

En esta muestra se exhibe obra de: Francesc Artigau, Gerard Sala, Xavier Serra de Rivera, Miquel Vilà y los valencianos Rafael Armengol, Manuel Boix i Artur Heras (la trilogía: Boix, Heras, Armengol), todos ellos presentes en la inauguración, al igual que el director de la Galeria Adrià, Francesc Mestre, con quien los artistas tienen el nexo común de haber expuesto en la citada sala de arte.

En los discursos de presentación, el publico asistente - cerca de un centenar largo de personas, (en contraste con los cerca de 500 de la primera inauguración), con presencia de autoridades locales, miembros del consistorio, una abundante representación política local, especialmente relacionada con el PSC, en detrimento de personalidades de la vida cultural de la ciudad o de Barcelona – Núria Poch hizo referencia a las anteriores muestras, diferenciándolas de la actual, explicando y destacando características técnicas y temáticas de los artistas, en base al concepto de figuración.

Seguidamente, Lluís Bassat de nuevo hizo hincapié en el porqué de la creación de este museo y de la importancia para el ARTE mundial, del arte contemporáneo catalán, el descubrimiento que para él representó, gracias al buen hacer de Francesc Mestre. Finalmente, el alcalde de Mataró, Joan Mora mostró su satisfacción por su primera inauguración de una colección Bassat, en su nuevo cargo y por hacerlo junto a los artistas. Manifestó su deseo de impulsar la difusión de esta colección, comparando la comarca del Maresme como la California europea, por lo estratégico de su situación geográfica, felicitándose a su vez por ser Cataluña un gran país con grandes gentes.

En lo referente a la exposición, para el espectador puede resultar un contraste, y a la vez sorprenderse del alto nivel que en los años 70 demostró la figuración catalana dentro del arte contemporáneo:

El trasfondo irónico y burlesco característico de su etapa “pop”, de FRANCESC ARTIGAU en tonos agresivos y desdibujados perfiles, que evolucionó hacia una mayor precisión de la imagen y un tratamiento tonal más suave de color, queda perfectamente definido y vehemente expuesto en esta muestra. Su temática refleja el contexto vital cotidiano del artista, la incomunicación febril de las urbes y las contradicciones de la sociedad de consumo.

Con respecto a GERAD SALA su producción plástica se adentró en sendas experimentales, incorporando materiales extra-pictóricos: aluminio, recursos de collage, transgresiones del soporte, la tela y otros elementos convencionales. Cabe señalar que fue pionero en nuestro país del arte-objeto, siendo su obsesión la superación de los límites bi-dimensionales del cuadro. A mediados de los 70, su obra se centró en la explotación de pigmentos acrílicos de confección propia. Conceptualmente, su trabajo no suele apartarse de un planteamiento de crítica social.    

Dentro de la figuración, obra de XAVIER SERRA DE RIVERA, es la que más se acerca a conceptos surrealistas, con claras referencias en algunas de las piezas expuestas a Giorgio De Chirico o Carlo Carrà y su “pintura metafísica”. Influido inicialmente por Magritte, cabe inscribir su obra en un nuevo realismo, en torno a una temática de interiores, figuras, paisajes urbanos, parques.etc., sumidos en ambientes de clima levital, mágico y silencioso. La atmosfera de sus obras envuelve seres y objetos, interponiendo una distancia mental y plástica entre el emisor y el receptor, otorgándoles una dimensión poética y a veces pictórica.

 

En las obras de  MIQUEL VILÀ, el espectador puede encontrar algunas semejanzas temáticas con Serra de Rivera, pero su pintura se acerca más a plasmar aspectos intimistas de su entorno cotidiano, interpretándolos con cierta intención poética y simbólica, recurriendo con frecuencia a la combinación de espacios interiores con ventanas abiertas a horizontes amplios y lejanos.

En relación a la trilogía formada por los artistas valencianos: Boix, Heras, y Armengol, al primero de ellos MANUEL BOIX, podría decirse que es un pintor “singular”, en cuanto a planteamientos y resultados, recogiendo diáfanamente las confusas agonías colectivas. Detrás de sus figuras intuimos la palpitación, a menudo sombría, de un dolor humano que intenta recuperarse en la denuncia, y donde el repertorio entero de los objetos asciende a símbolo imprevisto de una vida desolada. Boix sabe extraer de ella el lirismo latente, y lo traduce en términos contundentes. El “hiperrealismo”, en el proceso de su creación, se convierte en concepto, resonancia mágica, penetración alegórica. En lo que concierte a ARTUR HERAS, su trabajo está impregnado de sátira social y de denuncia a veces directa, especialmente fecunda durante el franquismo, utilizando los recursos de la estética pop, los cuales aprovechó como instrumentos de protesta. Finalmente RAFAEL ARMENGOL, el artista siempre buscó un compromiso con el mundo que le rodea, intentando reflejar la sociedad actual a través de la violencia, el placer o la política. Sus obras, creadas alrededor de un mismo tema que lo mismo puede estar sacado de la historia del arte, con relecturas de obras de grandes artistas, Veermer, Matisse, Botticelli o Velázquez, como de la vida cotidiana. Su iconografía, es una de las más importantes y variada del panorama artístico español, parte de una reutilización de imágenes que tienen un triple referente inicial: obras de grandes artistas, fotografías sacadas de los distintos medios de comunicación y las imágenes que el propio artista realiza.

Con respecto a esta importantísima trilogía: Boix, Heras y Armengol, es necesario mencionar que fueron los iniciadores del NuevoRealismo en nuestro país, basado en la importación de algunos hechos artísticos americanos propios del pop-art, como el tipo de mensaje de la comunicación de masas, fotográficos, tipográficos, cinematográficos o publicitarios.

La iniciativa de Heras, Boix y Armengol había de fructificar pronto en la obra de grupos que desarrollaron la idea y le dieron nuevos contenidos, como el Equipo Crónica, de Toledo, Solbes y Valdés, que apareció el año siguiente, o más tarde, el Equipo Realidad, etc.

Esta tercera colección Bassat permite hacer un profundo repaso por la historia del arte contemporáneo catalán, de sus influencias en conexión al resto de movimientos artísticos españoles, y de lo que una generación de creadores impulsó en una década de económicamente prospera y de gran potencia artística.

COL·LECCIÓ BASSAT D’ART CONTEMPORANI CATALÀ

Nau Gaudí

Carrer de la Cooperativa, 47

MATARÓ

www.museubassatmataro.cat

 

MEAM – MUSEU EUROPEU D’ART MODERN (Barcelona)

Exposición: ET IN ARCADIA – La reivindicación del clasicismo

Ante los constantes impactos visuales que nuestra retina recibe a través de medios de comunicación, publicidad, Internet y estructuras urbanas de líneas vanguardistas, resulta un autentico descanso para la mirada, el encontrarse con la inspiración del Dórico, el Jónico y el Corintio, máximo esplendor en el arte Griego, y que posteriormente Roma en su faceta imperialista asumió.

El grupo de investigación GRACMON conjuntamente con el MEAM presentan hasta finales de esta semana ET IN ARCADIA, una muestra de dibujos y material fotográfico que examina la Reincorporación del Friso del Templo de Apolo Epikourios a Bassas, un proyecto desarrollado en el British Museum de Londres con lacolaboración del Greek and Roman Antiquities Department, y que se engloba dentro de las primeras Jornadas Internacionales La Actualidad del Clásico.

La muestra podría decirse que constituye todo un
re-encuentro con las bases más elementales y fundamentales del estudio del cuerpo humano, a nivel estético y anatómico. Sorprende en el 2012 que haya profesores y estudiantes que reivindiquen lo clásico, en lo más puro de su esencia, en una época donde impera lo feo, lo vulgar, menospreciándose hasta el ostracismo, el sentido más estricto del academicismo.

 



El Dr. Jorge Egea y la Dra. Cristina Rodriguez han coordinado un equipo que presenta una obra en una técnica muy depurada, pulso firme y vehemente, y un estudio a conciencia. Enric Pasolas, Isabel Ariño y Rebeca Mutell, Ramon Casanovas, Mónica Lou, Carles Bartolomé, Adrián Arnau y el mismo Jorge Egea muestran al público la reivindicación de lo clásico, a través del proceso propio de la realización del dibujo: desde el esbozo o estudio hasta la finalización de la obra.

Esa imaginaria Arcadia, creada e idealizada por poetas y artistas de la antigua Grecia, es en el MEAM una realidad indiscutible, que queda perfectamente plasmada a través de la obra Re-Incorporación de Carles Bartolomé, donde en base al clasicismo, se muestra un trabajo que une la antigua Grecia con el siglo XXI, a través del Friso del templo de Apolo Epikourios a Bassas. Un óleo sobre tabla, perfectamente encajado y equilibrado, absolutamente fascinante, realizado en base a una paleta de colores intensa y vehemente, junto con un juego lumínico donde los claro-oscuros están perfectamente aplicados.

Una exposición que evidentemente pretende volver a las raíces del ARTE, que ha pervivido hasta hace muy poco, que en la actualidad sobrevive, y que es de esperar que gracias a proyectos como este, pueda volver a recuperar el esplendor que se merece.

(MEAM)Museu Europeu d'Art Modern
Barra de Ferro, 5

BARCELONA

 

www.meam.es

Jorge Egeajorgeegea@ub.edu

Cristina Rodriguez cristinarodriguez@ub.edu 

ENTRE LUCES Y SOMBRAS

Esart Galería (Barcelona)

Esart Galeria exhibe hasta el próximo 22 de junio, la colectiva: Entre Luces y Sombras, título que sugiere connotaciones poéticas, aunque bien es cierto que suele aplicarse como definición del periodo barroco,

 

No obstante, en esta muestra el espectador puede una exposición donde sentimientos, pensamientos y expresión van de la mano. Los artistas nos invitan alegóricamente, nos invitan con su obra a que los situemos entre luz y la sombra.

 

Si bien la luz brillante e intensa nos da albedrio, un sombrío pero elegíaco azar permite comenzar esta presentación por Rosa Ma. Gallego. ¿El azar? ¿O tal vez el misticismo de esa figuración un tanto lánguida y melancólica, que recuerda a las imágenes del gótico? Serenidad y distanciamiento aparentes, porque en realidad invitan de forma sugerente y sutil, a que el espectador se acerque y se deje seducir por su simbolismo, su mensaje y lo etéreo de su aurea.

El contraste lumínico lo podemos observar con la obra de Purificación Taboada, plagada de fuerza e ímpetu, de vivacidad en el color. En ninguna obra se advierte ni esfuerzo ni fatiga. Todo fluye naturalmente, libre de obstáculos. A veces parece como si, fuera la intuición quien guiaría su mano. Sus cuadros tienen ese aire, propio de quien se entrega a su arte con el espíritu abierto a todas las alegrías del color.

Volvemos de nuevo a la sombra, cargada de magia y encanto. Y en esta ocasión el hechizo se presenta con la seducción de la figura femenina, a través de la obra de González Puig: Elegante y exquisito en sus retratos al pastel, donde la distinción y sutileza se hacen patentes, gracias también, a una elaborada y refinada paleta de colores. Pincelada nimia y concienzuda, armonía en la estructura y calidad en el tratamiento temático, que recuerda a Lucas Arquer, pero que en esta ocasión desemboca en una figuración poética de formas estilizadas y particular énfasis en la composición.

Y la Luz se hace nuevamente, en una emisión de una radiación nítida y cálida, gracias a la obra de Antoni Selvaggio, sin duda el más veterano de esta muestra. Su obra, esencialmente paisajística, con claras influencias de la Escuela olotense, con derivaciones hacia un impresionismo cercano a Cézanne, pero con un toque más personal, a través de una preocupación por la atmosfera, un creciente protagonismo con color, exquisitez en la pincelada, y por supuesto conocimientos técnicos indiscutibles en cuanto a composición estructural. En conjunto, puede afirmarse que su pintura mantiene viva, sin caer en formulismos huecos

Y para finalizar, volvemos a la Sombra, y a esos maravillosos cielos de Cristian Sainz, donde si bien es cierto que se percibe cierta luminosidad, sabe plasmar a través de la utilización de distintas técnicas, sin que el pincel sea herramienta habitual, una obra muy sugerente y atrayente, de ensueño, pero también con toques de entresijo y ocultación, expresados a través de las nubes y sus mil y una formas. Una obra bella y a la vez enigmática, palpitante y sutil.

En conjunto una muestra donde luces y sombras expresan pasión, vida, misterio, fuerza, sentimiento y emoción por el arte.

ESART Galería

C/ Diputació, 188

Barcelona

 

www.esartgaleria.es

 

EL HOMENAJE DE BARCELONA A JAVIER VILATÓ (1921-2000)

Esta crítico de provincias, que suscribe con vehemencia y pasión sus artículos y noticias relacionadas con el entorno artístico, y que es una amante incondicional del ARTE, e intenta valorar en su justa medida el arte, que con esfuerzo y tesón, ha conseguido obtener interesantes conocimientos de un ámbito tan humanista como mercantilista, reconoce con humildad y sin rubor que siempre queda algo por conocer, y que cada día hay una asignatura que aprender. La obra de JAVIER VILATÓ se lo ha demostrado.

Gracias a la exposición conjunta que, dos galerías de arte y tres salas de exposición pública dedican a la extraordinaria obra de JAVIER VILATÓ, reconoce abiertamente que ha aprendido una lección más, que por supuesto no será la última, y que le permite contemplar con admiración y emoción, el derroche de creatividad que el siglo XX proporcionó, y que desde principios del siglo XXI, disminuyó, a velocidad tan extrema, como el grado de conocimiento intelectual por parte del ser humano.

Galeria JOAN GASPAR, SALA DALMAU, FUNDACIÓ VILA CASAS, Museu Frederic Marès y Museu Picasso ofrecen en sus respectivos sedes, un homenaje conjunto de la Ciudad Condal a la obra pictórica, escultórica y de grabado de un artista absolutamente brillante y polifacético, apasionado por el ARTE, cuyo ímpetu queda reflejado en su obra, mucha de la cual pertenece a coleccionistas privados, especialmente de Francia, que la han cedido para esta ocasión. Una formula publico-privada, que según el concejal de cultura Jaume Ciurana, el ayuntamiento piensa impulsar.

Tal como indica el programa de mano, Vilató residió principalmente en París, desde el año 1946, gracias a una beca del Instituto Francés (Círculo Maillol). Sin embargo, siempre mantuvo estrechas relaciones con su ciudad, sobre todo cuando en 1970, durante el mandato del alcalde Porcioles, contribuyó a hacer posible la notable donación de obras de Pablo Picasso, su tío, las cuales constituyen hoy el núcleo central de tan prestigioso museo.

Sin embargo, tan loable tarea, apenas hoy si es públicamente reconocida. Sólo a través del entorno artístico, sin apenas publicidad en las calles, ni conocimiento del gran público.

La Galeria JOAN GASPAR, - con quien el artista estuvo vinculado a nivel expositivo – exhibe: EN PAPER, un sorprendente conjunto de grabados, realizados en la técnica de aguatinta, aguafuerte, buril sobre cobre, punta seca sobre cobre, etc., en diversas medidas, de los cuales en su momento se realizaron entre 30 y 70 pruebas por obra aproximadamente. Un número limitado que permite confirmar el valor artístico y económico de las piezas.

Si bien en toda la obra de Vilató, se observan influencias picassianas, los trabajos gráficos son absolutamente demoledores: imaginación desbordante, conocimientos técnicos precisos, - su domino del dibujo era inconmensurable - pulso firme –algunas de sus obras están directamente elaboradas en la plancha – ejecución brillante. Las piezas realizadas en pequeño formato, resultan complejas y sugestivas. La composición de obras como “Insecte” o “Huppe”” (1988 y 1987 respectivamente) presentan un sugerente magnetismo. La pieza “Fumée” de 1976, realizada con un gran sentido del humor, ofrece al espectador una sonrisa, al igual que por ejemplo “Fillete à la bougie” (1979-1980) sin dejar de admirar la laboriosidad de su obra. El “Portrait de Picasso o “Cheveux en pointe sèche”. Vilató vivía y sentía por y para el arte. Su obra gráfica lo demuestra.

SALA DALMAUexhibe COSES;tal vez su obra más picassiana. Un conjunto de naturalezas muertas - o como muy bien indica Eliseu Trenc, historiador y profesor de arte en la Universidad de Reims, en el magnífico catálogo editado para este evento, quien aplica el término ingles de “still life” o el español bodegón, ya que para él: “still life” significa vida inmóvil y en absoluto naturaleza muerta, sobre todo teniendo en cuenta que para mi, detrás de la apariencia de inmóvil del objeto, se escondía aquello que Vilató revelaba maravillosamente como su “vida interior” - realizadas entre 1949 y 1986, en óleo sobre tela o bien en pintura al temple de huevo sobre tela, preparada por el artista, también en diversos formatos, donde destaca una temática de objetos simples, con planteamiento cubista y domino geométrico, gama de colores austera, y con temática que recuerda al barroco, especialmente las vanitas, “crane, candelabre, palme et rasera” de 1977), “Nature morte à la gargoulette – 1984 o tal vez algo más prosaico y más cercano – “Nature morte au microscope” de 1955 – la unión de la ciencia y el arte en clara referencia a su padre y abuelo, neuropsiquiatras.

FUNDACIÓ VILA CASAS, expone BESTIOLES, una particular visión del mundo animal, plagado de color y de movimiento. La gama de colores es mucho más vivaz, extensa e intensa, y donde el surrealismo se pone de manifiesto a través de formas geométricas, en obras aparentemente desordenadas, pero en realidad perfectamente planificadas, con un gran sentido del humor. Una amalgama de inspiración que la propia naturaleza proporcionaba, aunque la imaginación también se desbordaba: Le dragón II (pintura sobre tela - 1973), Hérisson et tortue (dibujo en grafito sobre tela- 1967) – (Animaux au brusquets – guache sobre papel – 1968) o Monsieur Éléphant, un óleo sobre tabla también de 1967. Dentro de esta muestra, destaca como curiosidad “Violoncelles Ensembre – 1986-1988), una divertida pieza con un instrumento musical como protagonista, realizada en pintura al temple de huevo sobre tela o “l’Atelier de gravure avec le chat – 1951-1952 – óleo sobre tela.

Tres exposiciones que se complementan con los bronces que exhibe el Museu Marés – EN BRONZE se titula la muestra - cuya directora, Pilar Vélez junto con Xavier Vilató, hijo del artista, ha coordinado la muestra y los retratos de la exposición GENT del Museo Picasso.

Un conjunto de exposiciones que demuestran la categoría internacional del artista, y que es de esperar sirvan de ejemplo a lo que significa el arte: TRABAJO, ESFUERZO, TESON Y GENIALIDAD.

 

GALERIA JOAN GASPAR: www.galeriajoangaspar.com

SALA DALMAU: www.saladalmau.com

FUNDACIÓ VILA CASAS: www.fundaciovilacasas.com

 SUMARIO

 02 de JUNIO de 2012



SERGI PERAGON: SUS ÚLTIMAS CREACIONES

GALERIA D’ART PERAGON – Cerdanyola del Vallés (Barcelona)

Hay artistas cuya creatividad sorprende y atrapa a un espectador a veces desprevenido y otras, muy acostumbrado al arte. En ambos casos, la frase “fuera de lo común”, fluye de sus mentes, puesto que contemplan una obra que sabe inducir a quien la contempla, a un complejo entramado de sensaciones, a través de una labor que profundiza sin contemplaciones en nuestro interior, y sin la más mínima piedad, consigue que el visitante reaccione y reflexione.

 

A Sergi Peragon puede aplicársele perfectamente la anterior descripción. La Galería Peragón acoge hasta el próximo 15 de septiembre una obra contundente e implacable, poderosa, exultante y capciosa… única. Trazo fuerte, decidido, vehemente, punzante y electrizante. Juego cromático elaborado, luminoso y sugerente conjugan una obra de temática variopinta e imaginativa, bien estructurada a nivel compositivo.

Pintor y grabador al buril, nacido en Barcelona en 1973. En 1993 se diplomó en diseño de joyas, grabado de metales y engastado de piedras preciosas en la Escuela Taller Oficial de la Federación Catalana de Joyeros y Orfebres. Su primera exposición la realizó en Barcelona en el año 1994.

 

Desde entonces ha realizado numerosas exposiciones en espacios y galerías de arte de Cataluña, España e Italia. Podemos destacar de sus últimas exposiciones en 2011 la realizada en ARTEANDO’11 Feria Internacional de Arte Contemporáneo (Irún, Guipúzcoa) o la celebrada en la Galería de arte Moderno Alba (Ferrara, Italia). Sergi inauguró su propia galería de arte en el año 2009, siendo su hermano Josep, el actual gestor de la misma.

 

En sus obras busca y consigue la transmisión de la sensibilización del autor en referencia al conocimiento del hombre. Su estilo y trazo característicos permiten identificar su huella inconfundible. La coloración y la magia nos trasladan a su mundo interior repleto de personajes misteriosos, de objetos vivos, de formas, de mosaicos, de animales humanizados, de humanos animalizados, de naturaleza, pero, sobre todo, su pintura y grabados portan un potentísimo mensaje humano. Sergi con su obra nos invita a la reflexión, a la comunicación mediante el arte.

Las formas que desarrolla evocan pasión, esperanza y a la vez equilibrio. El estilo pictórico de Sergi es totalmente único, inclasificable. A primera vista podría considerarse su pintura como simbolista, conceptual, expresionista, surrealista,... pero verdaderamente se define como neo-hipercreativista. Sin embargo él simplemente vive el arte, lo concibe y lo transmite. Trabajador infatigable, Sergi ha publicado cinco libros de poesía y ha creado miles de originales entre pinturas, dibujos y grabados al buril (sobre oro, plata y cobre),.... su capacidad creativa parece inagotable.

 

 

GALERIA D’ART PERAGÓN

Plaza Palacio Valdés 2- 4, local 6

Cerdanyola del Vallés (Barcelona)

 

www.galeriaperagon.com

ARXIU DE LA CORONA D’ARAGÓ (Barcelona)

EL ARTE TAMBIÉN SE ENCUENTRA EN LOS DOCUMENTOS

Las exposiciones artísticas, no sólo se encuentran en los espacios destinadas a ellas; contemplar una exposición sobre historia, puede también proporcionar interesantes lecciones sobre arte.

 

La sala de exposiciones de l’Arxiu de la Corona d’Aragó, presenta desde el pasado 12 de diciembre ded 2011 y hasta el próximo 2 de septiembre la muestra “Pere el Gran (Pedro el Grande), 1240-1285” reúne una selección de documentos de este  archivo de gran importancia histórica que ilustran y explican la personalidad y actuación política de este soberano.

 

Organizada por el Ministerio de Cultura respondiendo a una Proposición no de Ley del Congreso de los Diputados, sumándose así a las conmemoraciones del reinado de Pedro el Grande, esta exposición tiene como principal objetivo mostrar a partir de documentos originales la realidad histórica de un reinado clave en la expansión mediterránea de la Corona de Aragón, insertándolo en su contexto europeo.

Se exhibe una cincuentena de documentos conservados entre los fondos de la Cancillería del Archivo de la Corona de Aragón,  a los que se han añadido algunas reproducciones de sellos de este monarca del Archivo Histórico Nacional.

 

Se han distribuido en diversos apartados, comenzando por los que se refieren a los años anteriores a su entronización en 1276, en los que no dejó de tener un papel destacado como Procurador General de Cataluña. Siguen los dedicados a su actuación en política exterior, tanto en sus relaciones con la Corona de Castilla como con el que quizá fue el acontecimiento de más trascendencia de su reinado, la conquista de Sicilia, con la consecuente crisis política y militar que afectó a toda Europa. También se repasan algunas de sus actuaciones en política interior, con especial atención a las revueltas de diverso género que hubo de afrontar y a las profundas reformas políticas y administrativas que emprendió. Finaliza la exposición con algunas muestras de la imagen del rey en las crónicas y la literatura. 

 

Pere el Gran gozó en vida de una imagen pública muy positiva, a pesar de su corto reinado – nueve años – y de morir excomulgado. Grandes literatos de la época lo compararon con Alejandro Magno. El cronista toscano Villani, no solo alabó su genio militar, sino su sabiduría, siendo retratado en general como el representante ideal de las virtudes de la caballería.

Evidentemente, lo que se acaba de exponer, tiene mucho de histórico, y aparentemente poco de artístico. No es cierto. Contemplar la exquisitez de la escritura de los registros de la cancelleria por parte del archivero, recta, sin manchas, de una pulcritud extrema, para especificar normes o dictar leyes, verdaderamente es una obra maestra, que se ha conservado hasta nuestros días. La letra capital con que se inicia textos institucionales, o el Tratado de Agreda entre Pere el Gran y Alfonso X el Sabio, la laboriosidad y el buen hacer en la confección de los sellos del monarca, constituyen un autentico ejercicio estiliístico y de creatividad, al servicio del gobierno de la época, y como consecuencia, de la Historia.



Una muestra absolutamente interesante, perfectamente comprensible gracias a los paneles explicatives, que permite conocer la realidad de lo que fue la Corona de Aragón, su grandeza y su poder, porque la historia de Cataluña no empezó en 1714.

 

ARXIU DE LA CORONA D’ARAGÓ

C/ Comtes, 2

Barcelona

 

www.mcu.es/archivos/MC/ACA/index.html

 

EXPOSICIÓN “MAR DE FONS”

CENTRE D’ART CA L’ARENAS - Mataró

Con las debidas imposiciones de la crisis, entre ellas el horario restringido-sólo 3 días a la semana - el centro de Art Ca l'Arenas de Mataró inició el pasado 24 de marzo, su temporada expositiva 2012-2013 con el ciclo "Mar de fons”. Hasta el próximo 3 de junio, en la planta baja se podrá visitar: Retrats de Mar, una selección de obras procedente de la Red de Museos Marítimos de la Costa Catalana – desde El Montsià hasta Colliure - y en la primera planta, se exhibe la llamada "Colección", con un conjunto de piezas que evocan tareas, símbolos y escenas relacionadas con el entorno marítimo, y que está dividido en cinco áreas: Mataró, ciudad abierta al mar; Una vida en el mar; La descubrimiento del ocio; Belleza inalcanzable y Evocaciones marineras.

 

Si bien la llamada "cultura oficial", marcada siempre por una ideología, ha usurpado el papel de la sociedad civil, con un coste económico elevado y pobres resultados a nivel popular, lo cierto es que la ciudadanía, si lo desea, también tiene derecho a legar a instituciones y organismos públicos todo tipo de bienes artísticos, para su conservación y disfrute de las futuras generaciones.

Hecha esta previa, se puede decir que “Mar de Fondo”, es el rescate del sueño de los justos, dentro del más abismal de las profundidades "submarinas", de los diferentes fondos artísticos que custodia del museo de la ciudad - como si del Titanic se tratara - que si bien a nivel de calidad es bastante desigual - domina, lógicamente el más puro academicismo, tiene la curiosidad de observar y comprobar los gustos pictóricos de los coleccionistas o compradores locales, poco dados a la incomunicación de las veleidades de tendencias vanguardistas , y más bien enclavados dentro del conservadurismo.

El ciclo Mar de Fons, no tiene nada de agitado, por el contrario, domina la calma, la luz del Mediterráneo, la placidez en sus costas, el encanto de sus aguas, en azul o verde turquesa, la calidez de los ambientes o de aquellas barcas a salvo dentro de los puertos o playas. Son paisajes o temas mayoritariamente bucólicos, que invitan a la tranquilidad, a una contemplación serena, con el predominio de la función decorativa, especialmente centrados en la obra de Jordi Arenas, quedando como contraste la irresistible abstracción de Jaume Arenas, acompañado de piezas como el impactante Perecoll, Marta Duran, Xavier Ubach, Albert Alís, Jordi Puiggalí, Rafael Estrany, la laboriosidad de Torrescasana o un singular J. Luis Barcelona, el talante impresionista de Carbonell Massabé, la suntuosidad cromática de Prim Guytó.

 

El Centre d’Art Ca l'Arenas ha sufrido una transformación; de rendir pleitesía a los "boys & girls" de Can Xalant, y sus minoritarias tendencias de dudosos artistas emergentes, a homenajear como se merece a los hermanos Jordi y Jaume Arenas, acompañados de algunos pintores de la ciudad. ¡Parece que la crisis, hace milagros!

 

CENTRE D’ART CA L’ARENAS

C/ Argentona, 64

Mataró

 

www.mataro.cat

DOLORS BOLAÑOS

CASTELL DE SANT FERRAN – FIGUERES (Girona)

La asociación Amics del Castell de Sant Ferran, organiza de manera habitual exposiciones de arte, en una de las salas del conocido popularmente como Castell de Figueres.

A través de un comunicado de prensa, informa a esta web que hasta el pasado 1 de junio, la acuarelista Carme Bolaños exhibió en esta sala, un conjunto de acuarelas bajo el nombre: Força i Color.

Para la poeta Carme Pagès, quien ha firmado el programa de mano:   “El arte de Bolaños queda manifestado en el vitalismo ampliamente representado en la pigmentación roja más candente, que encontramos siempre en el panorama tenuemente multicolor, preparado para que el espectador pueda recomponer las figuras en su retina. Apenas hay verde y si hay se funde con el azul, pero no puede evitar el rojo.

Un rojo ardiente, colores de fuego y de sangre, uno de los que está más ligado al cimiento de la vida. El rojo de los cuadros de Bolaños, sin embargo, es un rojo nocturno, un rojo femenino que posee un poder de atracción centrípeto y se diferencia del rojo macho, que es el rojo diurno, porque este es centrífugo, remolinos como un sol, en cambio el de Bolaños es un rojo escondido en el fondo de las tinieblas, de los océanos primordiales.

Es el color del alma, de la libido y del corazón, es un rojo matricial. Trazos, los suyos, hechos de pinceladas rápidas aplicadas libremente y en todas direcciones, para acabar mostrando una pintura ligera, que puede ser una visión de Bretaña realizada a partir de un boceto, una vista de Figueres, captada por la mañana, cuando a caminar, o un paisaje imaginario hecho a partir de una mancha, en la que el reflejo luminoso ahoga los elementos realistas para dar paso a la imaginación impresionista, subjetiva, en que la realidad es vista sólo como un fluir constante, donde la atmósfera es lo que más cuenta. El color sólo figura como un fenómeno cromático abstracto e incorpore. Un todo momentáneo brillante, que resulta siempre superior a la materia…

Así mismo, del 6 al 13 de junio, l’Associació Amics del Castell de Sant Ferran y el Centre Cívic Creu de la Mà del Ayuntamiento de Figueres, organizan la:

 

“7ª Edició d’ Artistes Novells”

 

Exposición a cargo de los alumnos del Centro Cívico de los cursos de:

 

Bases del Dibujo Académico

Pintura Expresiva

Retrato al óleo y acrílico

Pintura Abstracta

Master class “ Pintura al natural” con Lluís Roura

 

ASSOCIACIÓ AMICS DEL CASTELL DE SANT FERRAN

Apartat de correus 182

FIGUERES (Girona)

 

www.amicscastellsantferran.org

 

GALERIA ANQUIN’S de Reus

40 aniversario del Salón de Mayo

La conocida galeria reusense informa a esta web de las celebraciones realizadas con motivo de la cuadragésima edición de su conocido Salón de Mayo.

Durante este mes de mayo la Galería Anquin’s conmemora el 40 aniversario del Salón de Mayo, la cita anual de Reus con el arte, que tendrá lugar entre el 11 de mayo y el 15de junio de 2012.

Para celebrarlo, Anquin’s acogerá obras inéditas de 40 artistas de la galería. No obstante, al margen de la habitual muestra colectiva, Anquin s ha querido redondear el aniversario trasladando los actos de celebración más allá del espacio expositivo, a través de una emotiva mirada al pasado, presente y futuro de la galería.

El primer Salón de Mayo, tuvo lugar dos meses después de inaugurarse la galería, en el año 1973, y tenía como objetivo trasladar a Reus el espíritu divulgativo de los salones de arte que se celebraban en París a principios del siglo XX. La iniciativa de Antoni Quinteiro quería ser un punto de encuentro entre artistas, críticos y coleccionistas que con el paso del tiempo, traspasó el ámbito local.

Hoy, cuatro décadas después, Anquin’s celebra los 40 años de aquel hito, impregnando de arte en cuatro espacios expositivos de la ciudad.

El pasado 11 de mayo se inauguraron simultáneamente las cuatro exposiciones previstas con la presencia del Presidente de Honor del Salón de Mayo, Antonio Quinteiro, y del alcalde de Reus, Carles Pellicer,
los concejales Joaquim Sorio y Alícia Alegret; el director de los Serveis Territorials de Cultura, Jordi Agràs; o el presidente del Gremi de Galeries d’Art de Catalunya, Jordi Barnadas.

 

El epicentro fue, como siempre, la galería de arte, con la obra expuesta por 40 artistas actuales, con obra y escultura realizadas especialmente para la ocasión. Artistas consagrados como Aguilar Moré, Badia Camps, Carlos Morago, Perico Pastor o Vives Fierro, jóvenes artistas como Gustavo Díaz Sosa y Miguel Wert, y escultores como Artur Aldomà, Jesus Curia Joan Mora y artistas reusenses como Neus Segrià, Mercè Bessó, Sefa Ferré y Coia o Ibáñez entre otros muchos otros.

Asimismo, la galería quiere echar un vistazo a las pasadas ediciones y rendir homenaje a artistas clásicos que participaron en la misma.

Por ello, el espacio Anquin’s Colección acogerá una muestra con obras de pintores de la talla de Clavé, Cuixart o Tharrats, junto con artistas reusenses como Rebull, Morató Aragonés o Ceferino Olivé. El espíritu clásico de antiguos participantes del salón que han escrito su historia, junto a las nuevas tendencias que escribirán el futuro. El repaso histórico se completará con una muestra de los 40 ejemplares de los catálogos del Salón de Mayo editados desde 1973 hasta hoy.

Paralelamente, la reconocida artista Isabel Saludes presentó en el Espacio contemporáneo [ARTLOFT] una selección de su última obra bajo el título: El sonido es secreto. Con exposiciones internacionales en países como Japón, Suiza o Alemania, Saludes vuelve a Reus después de su última incursión en el año 2007 para mostrar su pintura sutil y ligera, que servirá como el perfecto contrapunto a la intensidad del Salón.


Salón de Mayo-Off

La nave de Vermuts Rofes és otro de los puntos neurálgicos de los actos de celebración del Salón de Mayo. El espacio de la calle San Vicenç, acogerá durante todo el mes el Salón de Mayo-Off, una instalación de esculturas de gran formato a cargo de los artistas Tom Carr, Jaime de Córdoba y Oriol Texidor.

Otro de los días claves llegará el sábado 9 de junio, antes de emprender la última semana de exposiciones previa al verano. Coincidiendo con la celebración de la Fiesta del Arte en las Galerías, las exposiciones del Salón de Mayo permanecerán abiertas hasta medianoche, en un acto simultáneo con las galerías de toda Cataluña.

La última novedad de este 40 aniversario llegará una vez se haya celebrado su clausura. Manteniendo su espíritu de hacer llegar el arte a todos, Anquin’s ha querido que el Salón de Mayo salga por primera vez de la ciudad de Reus. Así, las 40 obras que conforman la exposición viajarán a Tarragona, donde se abrirán al público el Tinglado 4 del Moll de Costa a mediados del mes de agosto.

 

GALERIA D'ART ANQUINS

Avgda. Dr. Vilaseca, 9-11

REUS (Tarragona)

 

www.anquins.com

ARXIU FOTOGRÀFIC DE BARCELONA

LIBRO DOCUMENTAL

El próximo jueves, 7 de junio tendrá lugar en la sede del Arxiu Fotogràfic de Barcelona, la presentación del libro

 

NACHT UND NEBEL: FOTOGRAFÍA Y TESTIMONIO  

 

A cargo de:

 

Jaume Bosch, Ramon Alberch, Antonio Madrid,Francesc Prieto y Marià Hispano

 

 

Un libro que pretende analizar los vínculos entre el documento y la ética, en el caso concreto de la fotografía como testimonio del crimen. El campo de Mauthausen (1938-1945) y las guerras contemporáneas, ejemplificadas con la Guerra de Irak (2003-2010), son los marcos escogidos para este objeto de análisis. Hay un conflicto existente entre la persona que dispone de una cámara fotográfica y el compromiso ético de testimoniar y denunciar los crímenes de guerra para que los responsables puedan ser juzgados.

 

El libro aborda estos temas, así como la democratización de la creación de imágenes, latente actualmente gracias a las nuevas tecnologías, que ha disparado todas las alarmas del poder. Depende del compromiso de la sociedad en salvaguardar los derechos humanos, que nunca más se firme una orden Nacht und Nebel que condene los rebeldes al ostracismo.

 

 

           ARXIU FOTOGRÀFIC DE BARCELONA

Sala Mirador

Plaça Pons i Clerch, 2  2a planta

 

www.bcn.cat/arxiufotografic

 

ACTIVIDADES DEL ARTS SANTA MÒNICA (Barcelona)

En comunicado de prensa facilitado a esta web, el ARTS SANTA MÒNICA, presento el pasado jueves, 17 de mayo en la denominado Espai Bacon:

 

LIBRO DE ARTISTA “AL FIN Y AL CABO”

CARPETAS DE ARTISTA “¿DÓNDE SE OCULTA EL SOL?”

 

El libro incluye poemas inéditos de José Corredor-Matheos, poeta y crítico de arte, Premio Nacional de Poesía y del artista visual, Jordi Trullàs.

Un proyecto de autoedición alrededor del mundo del libro como objeto de arte, que en su presentación cuenta con la participación de Virgili Barbarà, artesano del mundo calcográfico de los talleres 46 Barbarà en Barcelona, y con una muestra de libros y carpetas.

La presentación del acto corrió a cargo de Joan M. Minguet Batllori, presidente de la Acca (Asssociació de Crítics de Catalunya), y los autores realizaron una lectura de poemas.

El Arts Santa Mònica fue un antiguo convento construido en 1636, que en 1984 fue declarado monumento histórico-artístico de interés nacional, convirtiéndose con posterioridad en una sala de exposiciones dependiente de la Generalitat de Catalunya.

 

Arts Santa Mònica

La Rambla, 7

Barcelona


http://www.artssantamonica.cat/

 

ALEJANDRA CABALLERO – Exposición Interior

GALERIA JORDI BARNADAS (Barcelona)

Hasta el próximo 2 de junio, la galeria Jordi Barnadas de Barcelona ofrece la muestra "Interior", donde a través de la nota de prensa que facilita a la redacción de esta web, el titular de la sala de arte explica:

“Interior da título a la cuarta exposición individual que presentamos de la artista madrileña afincada en Cataluña, Alejandra Caballero. La artista explora el camino iniciado hace unos años y se "desnuda" ante las telas mostrándonos su interior.

Lo más destacable en la obra de Caballero es el tratamiento de la luz y su sensible pincelada.

Si bien notamos la huella de Hopper, la obra de Caballero no resulta de la soledad humana o la tristeza, sino de inquietud y de búsqueda de intimidad.
Es una soledad buscada, un deseo de plenitud de la persona. A los protagonistas de sus piezas, normalmente mujeres, parece que les haga falta encontrarse a sí mismos. Diría que la intimidad femenina necesita de una pintura hecha con la sutileza y delicadeza de la de Alejandra Caballero”.


GALERIA JORDI BARNADAS

Consell de Cent, 347

Barcelona

 

www.barnadas.com

OBRA SOCIAL “la Caixa”

CaixaForum Zaragoza cobra vida

El área de comunicación social de “la Caixa”, remite a nuestra redacción la siguiente nota de prensa:

                          

La Obra Social ”la Caixa” muestra por primera vez la evolución de los trabajos de construcción de su nuevo centro cultural, social y cívico en la ciudad de Zaragoza

 

El alcalde de Zaragoza, Juan Alberto Belloch; el director general de la Fundación ”la Caixa”, Jaime Lanaspa, y la arquitecta Carme Pinós han presidido hoy la primera visita a las obras del futuro edificio de CaixaForum Zaragoza.

 

Durante la visita, se ha podido comprobar cómo se materializa el proyecto del nuevo centro cultural, social y cívico de la Obra Social ”la Caixa” en Zaragoza, que se convertirá en un nuevo referente arquitectónico de la ciudad, ubicado dentro del proyecto de la Milla Digital promovido por el Ayuntamiento de Zaragoza.

 

La construcción de CaixaForum Zaragoza avanza al ritmo previsto, y así se mantiene el calendario inicial, que prevé que el centro sea una realidad durante el segundo semestre de 2013.

 

Actualmente se está trabajando en la estructura del edificio y ya se pueden observar a simple vista dos de sus cuatro plantas construidas, así como los espacios situados en el sótano (Auditorio y Foyer).

 

La Obra Social ”la Caixa” promoverá el conocimiento y crecimiento de personas de todas las edades, condiciones y procedencias en CaixaForum Zaragoza, mediante una amplia programación que incluirá exposiciones de arte, festivales de música y poesía, ciclos de conferencias, jornadas sociales, talleres educativos y familiares, y actividades dirigidas a personas mayores.

 

CAIXAFORUM

 

http://www.obrasocial.lacaixa.es

El arte eres tú

El área de comunicación social de “la Caixa”, remite a nuestra redacción la siguiente nota de prensa:

 

El arte eres tú es un proyecto participativo que invita al público a interactuar con algunas de las exposiciones más emblemáticas realizadas en los diez años de CaixaForum Barcelona

 

La Obra Social ”la Caixa” presenta, siguiendo con los actos de celebración del décimo aniversario de CaixaForum Barcelona, una exposición participativa que pretende conceder un papel activo y protagonista a los usuarios del centro, aquellos que han dado sentido a estos diez años de CaixaForum Barcelona. Para ello, en El arte eres tú se han seleccionado diez de las muestras más representativas que la Obra Social ”la Caixa” ha organizado durante todo este tiempo en las salas del centro cultural y social.

A partir de ellas, se propone al visitante participar activamente eligiendo alguna de las obras que han formado parte de estas muestras de referencia para crear su propio autorretrato. En una segunda fase de este innovador proyecto, y coincidiendo con las Noches de Verano que cada año se celebran en el centro, algunos de los autorretratos protagonizarán una exposición en las calles modernistas del centro. El público podrá interactuar con obras muy distintas entre sí que abarcan exposiciones de disciplinas muy diversas y que ejemplifican la voluntad de CaixaForum Barcelona de promover todo tipo de manifestaciones artísticas: desde grandes nombres de la historia de la pintura (Goya o Dalí), pasando por el arte contemporáneo (Lucian Freud), la escultura (Auguste Rodin), la fotografía (Hashem El Madani), el cine (Charles Chaplin), la arquitectura y el diseño (Richard Rogers y Alphonse Mucha) o las artes escénicas (Los Ballets Rusos de Diaghilev), así como las exposiciones organizadas para dar a conocer otras culturas (Rutas de Arabia).

 

Con una clara voluntad didáctica, El arte eres tú sobrepasa la propia sala de exposiciones y ofrece la posibilidad de tomar parte en el proyecto de forma virtual a través de una versión web a la que los usuarios podrán conectarse desde casa para crear también su propio autorretrato.

 

CAIXAFORUM

 

http://www.obrasocial.lacaixa.es

Muestra de videoarte en la Fundación Francisco Godia

La agencia de comunicación MAHALA, remite a esta web la siguiente nota de prensa:

 

La Fundación Francisco Godia acoge desde el pasado 17 de mayo y hasta elpróximo 17 de junio 2012, la décima edición del Festival Screen from Barcelona, con una exposición que homenajea a los coleccionistas franceses Isabelle y Jean-Conrad Lemaître a través de la muestra “The Eyes of the Soul”, una selección de 14 piezas de la Colección Lemaître, la colección privada de videoarte más importante de Europa.

 

Comisariada por Nathalie Viot, asesora de arte contemporáneo de la Ciudad de París y de la Colección Lemaître, la muestra supone la participación de la Fundación en el festival por cuarto año consecutivo, permitiendo al público barcelonés conocer esta importante colección formada por más de 100 obras. “The Eyes of the Soul” se podrá ver en la Fundación Godia del 17 de mayo al 17 de junio de 2012.

Jean-Conrad e Isabelle Lemaître siempre han sido aficionados al cine. Las películas, con ese imaginario entre kitsch y emotivo, son una de sus pasiones más profundas. Al mismo tiempo, los Lemaître han coleccionado arte contemporáneo, caracterizado por su crítica con Hollywood. De estos dos polos tan alejados, nace el interés del matrimonio por crear una colección centrada en el videoarte contemporáneo enfatizando la necesidad de crear un puente entre las películas y la realidad de cada día. En las más de 70 obras de la colección, existe una evidente necesidad de coleccionar piezas que plasman esta cotidianidad.

 

La selección de piezas que se muestran en “The Eyes of the Soul” permite conocer las distintas técnicas, realidades y perspectivas utilizadas en el campo del videoarte a través de la variedad de las propuestas presentadas con un total de 14 piezas de vídeo de artistas de diferentes países como Tacita Dean, Christian Marclay, Melik Ohanian, Mathias Muller, Dominique Gonzalez-Foerster, Walid Raad, Atlas Group, De Rijke & De Rooij, Frank Hesse, John Menick, Julien Crepieux, Julika Rudelius, Elisa Pone, Melvin Moti, Ryan Gander, Klara Liden, Cecile Hartmann y Beatrice Gibson.

 

La colección Lemaître presenta dos características importantes. Por un lado, se muestran obras producidas principalmente en la última década, desde las tendencias documentales hasta las aproximaciones más subjetivas y experimentales, con una clara voluntad por la mezcla de géneros que abarca todas las direcciones. Por otra parte, la colección se compone de piezas producidas en diversas partes del mundo, como China, Chile, Alemania, Francia y EE.UU, entre otros países, y de gran difusión internacional, lo que permite al público tener una apreciación multicultural, muy asociada al videoarte contemporáneo.

 

 FUNDACIÓN FRANCISCO GODIA

C/ Diputació, 250

Barcelona

 

www.fundacionfgodia.org

CELEBRACIONES DEL DIA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS

 

 

Museo Diocesano de Barcelona (Pia Almoina):

CONFERENCIA:

 

 

30 AÑOS DEL CENTRO DE RESTAURACIÓN DE BIENES MUEBLES DE CATALUÑA

 

Viladomat en estado puro”

 

Presentación de la restauración del cuadro

San Antonio de Padua” de Antoni Viladomat

 

 

Con motivo del Día Internacional de los Museos y del 30 aniversario del Centro de Restauración de Bienes Muebles de la Generalitat de Catalunya, el Museo Diocesano de Barcelona presentó el pasado 18 de mayo, en una conferencia celebrada su sede de la Av. De la catedral, número 4, una obra de Antoni Viladomat, del siglo XVIII, proveniente del convento de San Agustín de Barcelona.

 

La conferencia fue a cargo de las restauradoras Beatriz Montobbio y Anna Ordóñez, que expusieron los diferentes criterios de intervención que aplicaron a la obra, y se presentó la obra excepcional del insigne pintor Antoni Viladomat, en la cual se pueden reconocer las técnicas utilizadas por este artista en su producción.

 

 

MUSEU DIOCESÀ – Monument de la Pia Almoina

Avdga. de la Catedral, 4

BARCELONA

 

e-mail:museudb@yahoo.es

FUNDACIÓ SUÑOL (Barcelona)

 

 

DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS

 

El 18 de mayo, para conmemorar el Día Internacional de los Museos, 
la Fundació Suñol abrió sus puertas con el horario especial  de 10 a 14 y de 16 a 20h, y con Entrada gratuita.

 

 

LA NIT DELS MUSEUS 2012

 

El pasado  sábado 19 de mayo, la Fundació Suñol puso a disposición de los visitantes  las tres exposiciones  que presenta, en un especial horario nocturno: de 19 a 1h, y con Entrada gratuita a partir de las 19h

 

FUNDACIÓ SUÑOL

Passeig de Gràcia, 98

Barcelona

 

www.fundaciosunol.org

 

 

DESPACHO LIDER EN ESPAÑA EN TASACIONES DE ARTE

Arte Contemporáneo

Vanguardias del Siglo XX

REVISTA CULTURAL DIGITAL

de carácter mensual para investigador@s, licenciad@s y graduad@s en Artes y Humanidades.

REVISTA DE ARTE

Galerías- Artistas - Vanguardia - Fotografía – Exposiciones

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Artsy’s mission is to make all the world’s art accessible to anyone, with an Internet connection.

ARTSY is a resource for art collecting and education.

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Marta Teixidó

Crítico de arte

CUALQUIER COMENTARIO, CRÍTICA O SUGERENCIA, PUEDEN SER REALIZADOS EN LA SIGUIENTE DIRECCIÓN DE CORREO ELECTRÓNICO.

 

mteixido62@gmail.com

 

PERFIL

Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

http://cuadrosdeunaexposicin.blogspot.com/

 

Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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