Cuadros de una Exposición.com
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FRANCESC MESTRE ART (Barcelona)

LA SATIRA PARA EL FINAL DEL “ANNUS HORRIBILIS 2012”

El humor es una necesidad vital. En la actual coyuntura económica, casi podría equipararse el poder sonreír con asiduidad y el reír con expansión, como el flujo sanguíneo ineludible de nuestro espíritu y el aporte de vitaminas continuo de nuestra alma.

 

La FRANCESC MESTRE ART está especializada en el humor. Prueba de ello son sus diversas exposiciones de dibujos, dedicadas al ARTE de aflorar sonrisas. Así, dentro del ciclo IL·LUSTRADORS IL·LUSTRES, dedica el final de año y principio del 2013 a la SÀTIRA POLÍTICA i SOCIAL ALS SEGLES XIX i XX. (De La Campana de Gràcia, a El Jueves, passant per La Codorniz)

 

Obras de artistas como: Picasso, Torres Garcia, Guinovart o Xavier Valls, a los olvidados Subirats, Marc Aleu “Cram” o J. Llovera, pasando por los clásicos: Junceda, Llaveries, Opisso, Apa, Perich, Cesc, Ivà, Chumy Chúmez, etc., constituyen un ejemplo claro de la sátira a los niveles citados en el título de la obra, sin omitir la picaresca, o incluso el anticlericalismo.

CESC, Romà BONET y CHUMY CHUMEZ

Se trata de una muestra muy visual, con pocos comentarios, pero con título. Una exposición donde el visitante debe prestar atención al concepto y contexto de las obras, entra las que también se encuentran piezas que poca sátira contienen, pero que precisamente rompen con elegancia y maestría, el sarcasmo o la socarronería.

 

Así, por ejemplo, entre un irónico Francesc Vila Rufàs, conocido artísticamente como Cesc, que a través de un dibujo tinta sobre papel, donde un conductor de ambulancia pregunta al enfermo “¿Entiende Usted de mecánica?, un Chumy Chumez siempre sarcástico se preguntaba ¿Pero qué he hecho?, ante un dibujo de un huevo roto, encontramos la elegancia y sofisticación de Romà Bonet con su “La femme”, no exento de cierta suave crítica (tinta-acuarela sobre color).

Esteve LLOPART - Blasco

Perich, caustico donde los haya, tuvo el atrevimiento de plantear entre los años 70 y los 80 del siglo pasado Futur Negre, también en tinta sobre papel donde con fondo totalmente blanco, un pequeño personaje, situado en el ángulo inferior izquierdo se plantea la cuestión, mirando a través de un telescopio, mientras que una litografía de Guinovart, presenta la particular visión del artista sobre la guardia civil (1956), o un original dibujo de Esteve LLopart realizado con diversos tampones y sellos comerciales, formando un retrato titulado: Blasco.

 

Ricard OPISSO - Aquest sí que m'agrada, mama!!

Naturalmente, siempre Ricard Opisso, Saiz de Morales y Torres Garcia ofrecen lo mejor de sí mismos… dentro de este especial contexto “satírico”: magnífico el dibujo a tinta y lápiz de Torres García, titulado El Cornetilla de 1897, publicado en el semanario “Barcelona Cómica”, un guache sobre papel de Opisso con el título: Aquest si que m’agrada, mama (Este sí que me gusta, mamá) – donde dos mujeres contemplan un retrato de Niceto Alcalá Zamora, primer presidente de la II República Española, mientras que Saiz de Morales ofrece la imagen de una sofisticada dama de los años 20, sentada en un automóvil de la época.

Romà BONET - La fórmula

Curioso y cómico otro Romà Bonet y La fórmula mágica, tinta i guache sobre papel de 1951, y anticlerical e irreverente para la época Modest Méndez Álvarez, sobre quien el titular de la galeria, Francesc Mestre, comenta su azarosa vida, como dibujante del TBO y de la revista satírica “L’Esquella de la Torratxa”. Su estilo era ácido, satírico y mordaz y gozó en TBO de una libertad absoluta en sus creaciones, algo poco común en la época. Estableciéndose en los años 30 en Barcelona, y viajando ocasionalmente a Valencia, colaboró con la revista la Traca, conocida por su erotismo y anticlaricalismo.

Modest MÉNDEZ ÁLVAREZ - Hablar con libertad

Al igual que en otras exposiciones, el galerista no deja de sorprenderse de cómo la vida de dibujantes o artistas que se dedicaban al humor, nada tenía que ver con su realidad humana. En el caso de Méndez Álvarez: nos comenta Francesc Mestre que durante la Guerra Civil Española permaneció en Barcelona, aunque en 1939 se trasladó a Valencia huyendo de la represión franquista, pero fue detenido. Vicent Miquel Carceller, editor de La Traca y amigo de Modesto acudió a la prisión para interesarse por él y solicitó que lo pusieran en libertad, dado que no era más que un dibujante. Al reconocer las autoridades quién era Carceller, lo detuvieron también, y juntos fueron fusilados en el campo de tiro de Paterna, corriendo la misma suerte que su editor y que el también dibujante y colaborador de La Traca, Carlos Gómez Carrera Bluff.

Sirva pues esta exposición, como pequeño homenaje, mostrando uno de sus irreverentes y eróticos dibujos: Hablar con libertad (tinta sobre papel), donde dos sátiros personajes contemplan con lascivia, los prominentes senos de una mujer, en ropa interior.

Naturalmente, hay muchos más nombres y tan sólo exponemos una pequeña selección, ya que lo importante es ir a ver la misma.

Sin lugar a dudas es absolutamente recomendable, y como casi todas las muestras de la galería,  es didáctica e histórica, siendo la sátira protagonista en esta ocasión, y donde el recuerdo de excelentes dibujantes  permite reflexionar sobre la historia del dibujo cómico, de cómo sus viñetas llenaban páginas de magazines o ilustraban comentarios de periódicos. Una profesión, casi podría decirse que en proceso de extinción, debido principalmente al cambio de costumbres – hasta hace escasamente dos décadas, incluso las revistas del corazón traían una tira cómica – y que sólo resiste en ciertos medios escritos.

Una muestra, en reconocimiento,  tal vez, a algunos grandes dibujantes, excelentes seres humanos, cuyas vidas no eran cómicas, pero su carácter contenía un gran sentido del humor… y de la sátira.

 

 GALERIA FRANCESC MESTRE

C/ Enric Granados, 28

Barcelona

 

www.francescmestreart.com

 

FUNDACIÓN FRANCISCO GODIA (Barcelona)

DESCUBRIR PALAZUELO EN EL SIGLO XXI

Si se tuviera que definir el arte abstracto, podría aplicarse la idea de concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis).

En la exposición “Palazuelo: Línea y plano en el espacio” que hasta el próximo 6 de enero presenta la Fundación Francisco Godia, puede contemplarse una muestra representativa de su obra –en particular la escultórica–de este artista, uno de los más relevantes de la plástica de la segunda mitad del siglo XX. La exposición, organizada por Banca March en colaboración con la Fundación Francisco Godia, reúne obras de diferentes colecciones, entre las que destacan las cedidas por la propia Fundación Pablo Palazuelo, que atesora una parte importante del legado del artista madrileño.

Es importante destacar que se trata de una muestra escultórica, ya que este genial artista no ha recibido el reconocimiento internacional esperado y las razones de este desconocimiento son diversas, pero sobre todo es fruto de una concepción dominante de la abstracción excesivamente lineal, que arranca con las experiencias postimpresionistas en el tránsito hacia el siglo XX y que en los años sesenta logra sus últimas consecuencias con el minimalismo. Según esta articulación de carácter teológico, la abstracción es la culminación de los principios de anatomía y de pura visualidad propias del arte.

 

La exposición muestra un conjunto escultórico dominado por la GEOMETRÍA, en base a sencillas estructuras de compleja elaboración. Una obra que recuerda a la construcción de maquinaria, a montajes mecánicos, donde el acero y el hierro como materiales nobles, dominan… en apariencia la construcción escultórica, pero en realidad es el ESCULTOR, el que da forma, contexto y razón de ser a los materiales.

Una obra cargada donde volumen y espacio se complementan en diversidad de formas, a veces abruptas y cargadas de fuerza, en otras hay sinuosidad y elegancia y en todas un original sentido de la plástica y la estética. Una obra abstracta, entendida de forma estricta, que no hace referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural, con la utilización de un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real[]

 

La exposición se complementó el pasado 23 de octubre con la conferencia: Un proceso creativo: de la línea al espacio, a cargo de Javier Maderuelo, comisario de la muestra, catedrático de Arquitectura del paisaje en la Universidad de Alcalá de Henares, y con otra a cargo de Inés Vallejo, doctora en Historia del Arte por la Universidad complutense de Madrid, y coordinadora de las exposiciones de la Fundación Juan March, que llevaba por título: Pablo Palazuelo – la pintura en solitario, que tuvo lugar el 4 de diciembre de 2012.

 

Así mismo, hasta el 1 de diciembre, la Fundación Godia propuso como actividad anexa a esta muestra, unos talleres infantiles, que tenían lugar los sábados por la mañana. Tomando como referencia las obras del artista, se planteaba la creación de formas en el espacio, a través de composiciones elaboradas con diversos materiales plásticos: cartón, papeles de seda, etc. En el segundo taller, los niños podían participar en su creación del II Concurso Infantil “Pequeños Artistas”.

 

 

FUNDACIÓN FRANCISCO GODIA

C/ Diputació, 250

Barcelona

www.fundacionfgodia.org

SALA PARÉS:

EXPOSICIÓN DE NAVIDAD

Josep de Togores - Hombres sentados en un banco-1937

Como es tradicional en esta más que centenaria galeria de arte, desde el pasado 20 de diciembre y hasta el próximo 22 de enero, SALA PARÉS exhibe una amplia y variada muestra de pintura, incluyendo también una sección de grabado, bajo el título PINTURA CATALANA DELS SEGLES XIX-XX i MESTRES DEL GRAVAT.

 

Una muestra “ritual” que año tras año se repite, con nombres de artistas sobradamente conocidos:

 

Josep Amat (1901-1991), Dionís Baixeras (1862-1943), Emili Bosch Roger (1894-1980), Ramon Casas (1866-1932), Rafael Durancamps (1891-1979) , Marià Fortuny (1838-1874) Lluís Graner (1863-1929), Emili Grau Sala (1911-1975), Oleguer Junyent (1876-1956)

Joan Llimona (1860-1926), Josep Maria Mallol Suazo (1910-1986), Ramon Martí Alsina (1826-1894), Segundo Matilla (1862-1937), Eliseu Meifrén (1857-1940), Joaquim Mir (1873-1940), Carles Nadal (1917-1998), Ricard Opisso (1880-1966), Josep Roca Sastre (1928-1997), Joan Roig Soler (1852-1909), Joan Serra Melgosa (1899-1970), Josep de Togores (1893-1970), Modest Urgell (1839-1919), Miquel Villà (1901-1988)

Pablo Picasso - Bachanale, 1955

Con respecto a los MESTRES DEL GRAVAT, la muestra se basa en artistas pertenecientes a las vanguardias del siglo XX:

Pablo Picasso, Joan Miró, Antoni Tàpies, Manolo Valdés, Salvador Dalí, Eduardo Chillida, Josep Guinovart, Antoni Clavé, Valerio Adami, Joan Hernández Pijoan y Pablo Palazuelo.

 

Así mismo, el departamento de prensa de SALA PARÉS, conjuntamente con ART BARCELONA, informo en días pasados de la presentación del libro: libro Galerisme a Barcelona, ​​1877-2012. Descubrir, defendre i difondre l’art, de Jaume Vidal Oliveras y co-editado por el Ayuntamiento de Barcelona y el asociación ART BARCELONA en su vigésimo aniversario.

El acto tuvo lugar el pasado Jueves 10 de enero a las 19.30, en el auditorio de la Virreina LAB (Palau de la Virreina, La Rambla 99)

 

 

SALA PARÉS

C/ Petritxol, 5

Barcelona

 

www.salapares.com

CAIXAFORUM (Barcelona)

EL GENIO DE PIRANESI EN SU MÁXIMO ESPLENDOR

 

A mediados de noviembre, editaba en esta misma web, el excelente recorrido expositivo que la ARTUR RAMON ART había realizado para mostrar la obra de GIOVANNI BATTISTA PIRANESI, indicando: “La selección que muestra la Artur Ramon Art es sencillamente exquisita, resplandeciente y cuidada al detalle, no solo por los grabados – más de 60 en diversas series - sino por el conjunto de piezas y objetos de la época que, estando a la venta, y al igual que los grabados, con precios aptos para muchos bolsillos, decoran el espacio expositivo”.

 

CAIXAFORUM Barcelona, centra mucho más la atención en el artista, a través de la exposición: Las Artes de Piranesi. Arquitecto, grabador, anticuario, vedutista y diseñador, ofreciendo el desarrollo de algunos de sus proyectos, gracias a la Fondazione Giorgio Cini y Factum Arte, que ofrece la primera serie de láminas realizada en 1743 Prima parte d’architetture e prospettive, hasta sus últimos trabajos de la década de 1770.

Piranesi, (1720 – 1778), que aparte de grabador y arquitecto, tal como indica el título de la muestra, fue también ensayista. Hijo de un cantero, después de estudiar arquitectura en Venecia, en 1740 se trasladó a Roma donde se inició en el grabado y aprendió del siciliano Giuseppe Vasi la técnica del aguafuerte. Entre sus primeros grabados figuran la mencionada: Prima parte d’architetture e prospettive, que revaloriza la arquitectura clásica romana.

 

Sus primeros grabados fueron cutro Grotteschi y quince Carceri d’inverzione (Cárceles imaginarias), que sirvió de inspiración para la poesía romántica y novela gótica, combinando con desbordante fantasía impresionantes y misteriosas visiones fantasmagóricas, algunas de las cuales pueden verse en esta extraordinaria exposición. En 1748, tras la publicación de Antichità romanae, comenzó a escribir su obra maestra titulada Vedute di Roma, la cual comprende unos 135 grabados que ilustran los más importantes vestigios de la antigüedad, y de la que CAIXAFORUM ofrece una gran selección de los mismos, acompañados de fotografías de Gabriele Basilisco (Milán, 1944), que ha recorrido con su cámara los lugares que Piranesi retrató en su Vedute di Roma (Vistas de Roma), como homenaje al gran maestro del grabado italiano.

 

G.B.PIranesi - G.Basilisco-Vista colina capitorina-iglesia Aracoeli

Como arquitecto, Piranesi se propuso alcanzar, valiéndose de procedimientos antiguos (peristilo, columnas bajo arquitrabe y grandes muros), efectos de un atrevimiento completamente gótico (amplios sistemas de arcos radiales y vaciados por debajo de los arquitrabes), tal como se advierte en su principal obra: La reconstrucción de Santa Maria del Priorato (1764-1765) en el Aventino, de estilo barroco. Entre sus obras también destacan: Della magnificenza e architettura dei romani (1761), Parere sull’ architettura (1765) y Diverse maniere d’adornare i camini (1769).

 

Una biografía extensa en cuanto a proyectos y trabajos realizados a través de sus grabados, y una exposición absolutamente fascinante, rozando el delirio por la belleza que el espectador sensible puede contemplar, admirando a su vez la capacidad del ser humano por crear y resplandecer en la genialidad, lo que conlleva incomprensión de sus coetáneos.

 

El genio ha sido a lo largo de la historia, un preciado don de los que pocos han gozado y por ello, en más de una ocasión, envidiados y vilipendiados. No obstante, el tiempo pone las cosas en su lugar, y ha reivindicado a PIRANESI como una persona visionaria y que directa o indirectamente, ha influenciado a artistas y arquitectos.

La muestra, como siempre realizada siguiendo cánones artísticos, pero sin olvidar las directrices como la instrucción, la amenidad y el ser didáctica, incluye reproducciones de muebles, chimeneas y objetos diversos, gracias a las nuevas tecnologías, permite al visitante observar de forma tangible, lo que la imaginación del arquitecto y grabador había creado. Su vedutismo, queda plasmado y su persona y obra homenajeados.

 

CAIXAFORUM Barcelona

 

http://www.obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforumbarcelona/caixaforumbarcelona_es.html

 

CAIXAFORUM BARCELONA

SECCIÓN ARTE CONTEMPORANEO O COMO “LOS EXPERTOS” COLAN GOLES A TAN ILUSTRE INSTITUCIÓN

 

Ésta crítico de provincias, que de tarde en tarde se pasea por el Caixaforum y que admira sobre manera la selección y magnífica organización de exposiciones, con criterios siempre didácticos e instructivos, ¡¡¡ALUNCINA POR UN TUBO Y EN COLORES!!!, cuando presta y dispuesta, visita las exposiciones de vanguardia que organiza tan ilustre entidad, provenientes de la Colección de Arte Contemporáneo – Fundació “la Caixa”, y observa con estupor como en más de una ocasión – a excepción de la muestra “Cartografías Contemporáneas” i alguna que otra instalación – tan insigne institución, haya sucumbido a pareceres y opiniones de teóricos expertos, pero prácticos palurdos, en algunas de las muestras que exhibe en este ámbito en concreto.

En esta ocasión, me refiero a la muestra QUÉ PENSAR, QUÉ DESEAR, QUÉ HACER, que hasta finales de esta semana se exhibe en Caixaforum Barcelona, y que está comisariada por Rosa Martínez “crítico independiente y directora de la Bienal de Venecia 2005 (ya han pasado 8 años de esa dirección y no ha vuelto a repetir por lo que veo), vemos un conjunto de fotografías, seleccionadas en base “a invitar al espectador a hacer de intérprete activo de su época y se plantea hasta qué punto el arte es un instrumento de conciencia”, según indica el programa de mano y la nota de prensa facilitada, pero en realidad son una serie de imágenes, de temas “demodée y ga-ga”, cuyas significaciones se han visto y presentado en demasiadas ocasiones, y de las que los españolitos de a pie, ciudadanos grises sólo invitados a manifestarse cada cuatro años, estamos más que hartos de contemplar en los noticiarios de la televisión, en películas de “arte y ensayo”, o sea con mensaje pero que nadie entendía, o en programas como Equipo Actualidad o Callejeros.

Siguiendo con la nota de prensa, “Los artistas presentes en esta primera muestra del ciclo son Rogelio López Cuenca, Adrian Paci, Carlos Amorales, Cao Guimarães, Miroslaw Balka, Shirin Neshat, Joseph Beuys, Cristina García Rodero, Ángela de la Cruz y Eija-Liisa Ahtila”, o sea, traduciendo que no los conocen ni Dios, pero que saben moverse por el submundo de los entresijos políticos e institucionales, para conseguir un prestigio, que jamás les reportará pasar a la historia del arte.

Sólo una fotografía merece ser salvada de esta particular hoguera: Eija-liisa-ahtila-i-vaakasuora-horizontal-i-2011-; un árbol en horizontal y dividida en secciones. Llamativa e impactante, relajante e incluso con connotaciones metafísicas, que ayuda al inexperto visitante, pero contribuyente espectador a salir del estupor, del mal humor y del decaimiento del conjunto de la muestra.

 

Resumiendo todo lo antes mencionado: una exposición para olvidar de nuestras mentes a velocidad más que supersónica.

 

DEPARTMAENTO DE COMUNICACIÓN OBRA SOCIAL “LA CAIXA”

http://prensa.lacaixa.es/obrasocial

 

GALERIA JOAN PRATS – ARTGRÀFIC

EXPOSICIÓN OBRA GRÁFICA DE ENOC PÉREZ Y JORGE PARDO: CAIDA LIBRE

Enoc Pérez -Litografía coloreada a mano

En tiempos de crisis, renovarse o morir. Esta es la idea si se quiere seguir avanzando y salir de esta decadencia de principios del siglo XXI. Sin embargo, a veces los cambios están mal planteados, y en lugar de emerger,  decisiones desacertadas hacen que el hundimiento sea cada vez más real y palpable.

 

La galeria JOAN PRATS – ARTGRÁFIC, desde hace décadas, ha presentado a numerosos artistas, con la calidad como lema y el prestigio como razón de ser. Si bien el visitante puede discrepar, o no sentirse cómodo con la obra del artista expositor, en ningún caso podrá negar aptitudes o la buena factura de los trabajos presentados, ya que esta galeria siempre ha sido meticulosa con sus exhibiciones artísticas, seleccionando siempre con cuidado y profesionalidad.

 

Pero a causa de las actuales circunstancias económicas, los directivos de la Joan Prats Artgràfic, han decidido apostar exclusivamente por la obra gráfica, coincidiendo además con la circunstancia de la celebración del centenario de la fundación de la galeria (2013) y que además,  en 2014 se cumplirán 50 años de la primera publicación gráfica, a través de Editorial Poligrafa, una de las editoriales más importantes en este ámbito, según reza la nota de prensa enviada a esta redacción.

Jorge Pardo - Program 2012-Serigrafía

Considerando el currículum anteriormente citado, cual no ha sido la sorpresa de esta crítico de provincias, que visitando la galería de manera habitual, se encuentra con la paupérrima obra de ENOC PÉREZ y JORGE PARDO, (Puerto Rico 1967 y La Habana, 1963 respectivamente) dos artistas sudamericanos, poco conocidos por nuestros lares, que ofrecen una obra gráfica bastante vulgar, simple poco atractiva y por supuesto sin originalidad de ninguna clase, a pesar que la nota de prensa indique con respecto a Pardo que “su obra puede considerarse como una experimentación artística extremadamente personal” (todas lo son), (…) conjugando varias disciplinas como el diseño, la arquitectura o la escultura, y diversas técnicas informáticas, para intentar traspasar los límites de la realidad…” o que los edificios de Pérez transmiten un concepto con una intensidad especial: el de la utopía en la sociedad post-moderna (bonito, ¿no?), y que la mayoría de estos proyectos arquitectónicos gigantescos, reflejan la ambición idealista de la sociedad” (nadie se lo cree por mucho que ambos artistas trabajen para galerías de Nueva York, gran urbe que también dispone de salas de arte de categoría bastante inferior)

 

Foto compuesta en la sala de exposiciones

La realidad pura y dura es que se trata de trabajos tan poco elaborados e imaginativos, que sorprenden al visitante habitual o coleccionista especializado, por su mala calidad, llegándose a pensar en cómo una galería de la reputación, autoridad e influencia de la JOAN PRATS, ha podido sucumbir a estos “artistas” de segunda fila, por mucho que se nos informe que la obra mostrada es simplemente de exposición, ya que está totalmente vendida. Pregunta ¿quién ha sido el incauto al que han encajado el “muerto”? ¿Desde cuando una galeria expone SIN VENDER LO QUE EXHIBE????

 

Nunca creí que podría realizar una crítica en este sentido y más para tan conocida sala de arte, que incluso ha reducido su espacio expositivo, pero por experiencia profesional, creo sinceramente que esta prestigiosa galeria ha iniciado un camino hacia el declive artístico, y si su orientación no varía, es muy posible que dentro de poco, la Ciudad Condal pierda una sala de arte más, ante el escaso material, y la exigua calidad artística.

 

GALERIA JOAN PRATS – ARTGRÀFIC

C/ Balmes, 54

Barcelona

 

www.joanprats-artgràfic.com

ATENEU CAIXA LAIETANA (Mataró-Barcelona)

JOAQUIM BARTRA: SINGULAR Y EXQUISITO SENTIDO DEL HUMOR

Flora y el pintor de moda (Retrato)

 

“El humor más audaz para el espectador más inteligente". Con permiso del lema de la famosa revista satírica La Codorniz de entre los años 40 y 80 del siglo pasado (La revista más audaz para el lector más inteligente), la segunda tanda de dibujos que Joaquín Bartra exhibe en el Ateneu Caixa Laietana hasta finales del próximo mes de enero, (la primera fue en marzo-2009), bajo el título: Més dibuixos (Más dibujos), sigue manteniendo una ironía elevada a la máxima potencia, con un sentido del humor cáustico y sarcástico, que podría perfectamente encuadrarse con el talante de dicha publicación.

 

Lleno de detalles únicos que hace que el espectador tenga que hacer el esfuerzo de prestar atención a cada una de las obras - en algunas, incluso se debe mirar con lupa para apreciar pormenores y rostros –en todas y cada una de ellas, no sólo hay minuciosidad, sino temperamento de todos los estilos, con una buena dosis de "mala leche" generalizada.

Barriendo

Bartra no tiene ningún reparo en hacer una crítica a la sociedad.; su profesión de abogado le ha permitido captar demasiadas miserias, pero gracias a ello y a un trazo, ágil y dinámico, pero a la vez firme y cuidadoso, la idea de movimiento constante de sus dibujos - que a alguien le puede recordar la animación de George Dunning para el filme Yellow submarine con música de The Beatles, que ilustraba psicodélicas batallas entre azules y rojos – hacen que el global de la obra de Bartra encaje perfectamente dentro del arte, concretamente de la caricatura y el dibujo satírico

 

Pero si el dibujo es agrio y corrosivo, los títulos dan el toque final de distinción humorística, la provocación y la mordacidad de la obra bartrianas. Así podemos encontrar títulos como "Un món feliç” (Un mundo feliz), donde una enorme masa pasa por un estrecho laberinto, "Error bíblico", una singular y esperpéntica visión de Salomé llevando la cabeza de Juan el Bautista. La lascivia de "El botxí sentimental” (El verdugo sentimental), la dura crítica a los artistas abstractos con "Flora y el pintor de moda - Retrato", o el revuelo casi teatral, pero duro y punzante de "Homes, dones i bèsties” (Hombres, mujeres, y bestias), son ejemplo de la aguda diatriba de Bartra sobre el entorno que le ha tocado vivir, y que plasma sin contemplaciones ni pedir permiso a nadie, de forma punzante y burlona, para disfrute de parroquianos y nuevos conocedores de su obra.

 

ATENEU CAIXA LAIETANA

C/ Bonaire, 3-5

Mataró

 

www.fundaciocaixalaietana.es

SETBA ZONA D’ART (Bcn)

HOMENAJE ARTÍSTICO A LA PLAÇA REIAL DE BARCELONA

La tradición en cuanto a exhibiciones de las salas de arte, suele basarse principalmente en la exposición de trabajos artísticos, bajo un concepto unitario, procedente del autor de las obras a mostrar, sin elementos externos que se impliquen en la exposición de las mismas.

 

Sin embargo, SETBA ZONA D’ART, rompe este sentido unitario al buscar calidad e innovación, tanto en sus exposiciones como en la temática, por lo que en conmemoración de su quinto aniversario de existencia, exhibe: La memòria de la Plaça, en la que ha solicitado cinco artistas, relacionados de forma habitual con la galeria, que plasmen y muestren su visión de la Plaça Reial de Barcelona, resultando una exposición colectiva, y a la vez curiosa de cómo un elemento urbano es visto y a veces transformado por la imaginación surgida de las artes plásticas.

 

Pep Camps

La muestra no sólo engloba a estos artistas, sino que otros muy diversos han colaborado con sus trabajos, situados y exhibidos en los distintos locales, en su mayoría de ocio, que se encuentran en la Plaça Reial, de la ciudad condal, por lo que la galeria “sale a la calle”, y hace partícipes a los visitantes y transeúntes de este emblemático espacio urbano, y de su propuesta artística.

 

Nazario, Guadalupe Masa, Pep Camps, J.Antonio Sancho y Carles Piera, configuran una muestra singular, atrevida, dinámica, inteligente e interesante, demostrando como las iniciativas privadas son, sin lugar a dudas, motor de acción y reacción de la vida tanto cultural como social de las urbes, y que en las últimas décadas, por criterios políticos favorecedores del intrusismo y control, por parte de personajes y personajillos adictos a un régimen o partido, clásicos enchufados, de dudosa capacidad intelectual, advenedizos y ávidos de poder y amor por lo crematístico, han desmotivado y destrozado el sentido innato de la sociedad, para crear sus propios espacios y entornos culturales, pero es Setba Zona d’Art, y su titular a la cabeza, Dario Olartua, un ejemplo de constante planteamiento de nuevas ideas expositivas, huyendo de esta forma del “stablishment” galerístico, en general, excesivamente apoltronado, sin ánimos de renovación, y con muy pocas excepciones en este concepto.

Centrándonos en la exposición, Nazario, historietista y pintor, considerado padre del comic undergraund español, presenta dos obras de carácter onírico, con una extraña expresión de misticismo, a través de su particular e intransferible universo, donde también se muestran sentimientos y las emociones tienen rasgos, trazos colores y luces: “La Asunción Gloriosa de Ocaña al Reino de los Chulos”, en homenaje a este particular artista que vivió en la Plaça Reial es su obra para esta exposición.

 

 

Guadalupe Masa, presenta a través de una abstracción vital, sinuosa y colorista, plagada de gestos y movimiento de pincel, su particular visión de las estaciones del año, contemplada a través de la Plaça Reial.

 

José Antonio Sancho

Utilizando la cartografía como elemento artístico, Pep Comas ha realizado cinco piezas a partir de planos antiguos de la ciudad, destacando tanto la presentación geodesia como elementos artísticos claves de la Plaça Reial. Entre ellos, como ejemplo más específico, la fuente de las Tres Gràcies. Camps presenta una obra artísticamente original, y conceptualmente atractiva, donde el trazo es dominante, el color sugerente el planteamiento interesante y el desarrollo innovador, dando como resultado un trabajo sin indiferencias y donde el espectador debe prestar atención a los más mínimos detalles.

 

La fotografía también está presente en esta particular colectiva, a través de José Antonio Sancho, quien en 2011 expuso su “Barcelona Canalla i Sublim”, y que en esta ocasión ve una Plaça Reial siempre abierta al visitante, al turista, al paseante, al despistado, a quien se ha perdido o tal vez se ha encontrado. Siete son los accesos a la plaza, y en todas las fotografías, de excelente calidad, encuadre preciso, destacando luces y contraluces, y caracterizando cada dirección con un paseante anónimo que mira, pasa o simplemente cruza absorto con sus pensamientos, un emblemático lugar de Barcelona. Una fotografía con vida propia, y de curioso trazado estético.

Carles Piera

Carles Piera, que ya se dio a conocer en Setba Jove-2012, introduce al espectador en el entorno y en la memoria, a través del simbolismo, pero utilizando un singular lenguaje escultórico, mágico y encantador, que huye de ideas tradicionales para adentrarnos en un concepto onírico, rozando casi lo metafísico.

 

La memòria de la Plaça es un excelente proyecto artístico, que acerca el entorno al espectador, huyendo de elementos arcaicos, para proporcionar una visión de vanguardia del arte para el arte y el visitante.

 

SETBA ZONA D’ART

Plaça Reial, 10-1r-2ª.

Barcelona

www.setba.net

 

GALERIA MAR (Grupo Escolà - Barcelona)

 

PEDRO AGUSTÍN ALIAGA: LA FIGURACIÓN FEMENINA ENTRE EL COSTUMBRISMO DECIMONONICO Y ONIRICAS PLASMACIONES

En el transcurrir de la Historia del Arte, pintores, escultores, artesanos, etc., han plasmado a través de sus obras, una crónica en imágenes de la sociedad, sus costumbres, sus personajes, sus tradiciones y sus ideales. Entre estos últimos se encuentra la mujer, enaltecida desde la Biblia a través de Maria, su versión contraria, las Venus de Botticelli, Velázquez, y un larguísimo etc., hasta llegar a la sublimación de los simbolistas ingleses, todo ello haciendo, evidentemente, un gran salto en el tiempo.

Sin embargo, ha habido otra forma de realzar el ideal femenino, a través de la pintura costumbrista, pintoresca y folclorista, muy desarrollada por la escuela de Sevilla a mediados del siglo XIX, cuyo máximo representante fue José Domínguez Bécquer (1805-1841), y que en PEDRO AGUSTÍN ALIAGA tiene un gran continuador, tal como puede comprobarse en la exposición que actualmente presenta en la galeria MAR de Barcelona.

La pintura de Aliaga plantea el interés por las costumbres y tipos populares como constante histórica en nuestras literatura y pintura, que en su momento, la llegada del Romanticismo vivificó aportando a la tradición hispana la visión que los extranjeros tenían de nuestro país, debido al esnobismo de una burguesía nacional europeizante y liberal que, también por influencia extranjera y bajo la moda romántica, vuelve los ojos al pueblo y los monumentos del pasado.

Dentro de una visión preferentemente andalucista, (fue esta esta tierra meta soñada de los extranjeros, y donde se tuvo que dejar sentir más fuertemente el influjo de la visión que tenían del español y sus peculiares costumbres), Aliaga demuestra una excelente calidad y dominio técnico en el planteamiento de sus obras, con precisión en el pincel, pulcritud extrema, detallismo cuidado y un juego lumínico intenso, resplandeciente en las figuras femeninas, muy de acuerdo con el costumbrismo, pero a las que aplica una gama cromática vital, alegre, vibrante y luminosa, plasmando a sus personajes con elegancia no exenta de un toque de modernidad y de estilización femenina más actual, hasta tal punto que, como contraste de estilo y estética, muestra a una mujer en clave onírica, en marcos de paisajes diversos, encuadrada en un formato “cubista”, en cuanto a estructura y volúmenes, donde abundan los desnudos femeninos, de sensualidad sublimada y suave erotismo, con una paleta de colores diversa, etérea, sutil y distinción.

Una muestra de clara exaltación a la belleza femenina, a su idealización espiritual, que no real, en su faceta de “redención” al paraíso, muy olvidada en la segunda década del siglo XXI.

La exposición se complementa con las siempre atrevidas, impactantes sutiles y ágiles esculturas de Chiqui Díaz, contraste perfecto a la figuración pictórica de Aliaga, y con una colectiva: Selecció d’artistes-4, donde la mujer es protagonista, tanto de autoría como a nivel temático, aunque en este aspecto, el paisaje complementa el conjunto. Pueden contemplarse obras de: Montserrat Gudiol, Soledad Fernández, Núria Trius, Setela Vesa, Patricia Trujillo, Tatyana, Ma. Antonia Soler, Ma, Alonso Páez y Núria Domingo.

GALERÍA MAR – Grupo Escolà

C/ Pau Claris, 120

BARCELONA

 

www.grup-escola.com

SALA DALMAU (Barcelona)

JOSÉ LEGUEY: COLLAGES SURREALISTAS SIN PROFUNDIDAD

Que un artista exponga en una galería, no significa que su obra tenga una categoría excepcional en detrimento de otros, sino que bien ha gustado a la dirección de la sala de arte y se aviene con el talante expositivo de la misma (entre gustos no hay nada escrito), bien dispone de contactos y buenas relaciones tanto a nivel artístico como político, o bien ha sabido relacionarse con estamentos públicos o medios de comunicación, que le han dado el realce necesario para catapultarse en los ambientes propicios.

Este podría ser el caso del JOSÉ LEGUEY (Elche, 1951), que hasta el próximo 31 de diciembre expone por primera vez en Barcelona, concretamente en la Sala Dalmau buena parte de su obra más reciente, bajo el título de Transitos, un total de 30 obras aproximadamente, realizadas en técnicamixta sobre papel (fotografía, óleo, collage, acetatos…)

Si hay una técnica que ha hecho que los principios tradicionales del arte se tambaleen es, sin duda, el collage. Rompiendo con las convenciones, esta técnica revolucionaria, ha conseguido introducir la realidad en estado puro dentro de la obra de arte mediante todos aquellos elementos que le han sido propicios para ello. En el caso de Leguey vemos que abundan personajes, insectos y objetos arquitectónicos, procedentes de enciclopedias y de viejos periódicos, son recortados o ensamblados de tal forma que la relación entre ellos, y con el espectador, genere nuevos significados. Toda una temática muy próxima al surrealismo, no exenta de cierta crítica social.

 

En sus obras afloran los recuerdos que vuelven una y otra vez a la memoria, las pesadillas que aquejan en noches turbulentas, la soledad que produce el vacío existencial del hombre industrializado, el símil entre el infierno y el mundo contemporáneo, que a veces impone condenas más duras, y sobre todo, el paso del tiempo y la forma en la que el ser humano intenta comprenderlo. Sus obras terminan por convertirse en profundas reflexiones sobre la pérdida del espíritu del hombre y la mujer, y su consecuente aislamiento y búsqueda de un nuevo camino que los aleje de la inevitable destrucción de la inocencia.

 

Sin embargo, este conceptos y estas temáticas, han sido ya representadas, y de forma mucho más impactante para el espectador, que contempla un trabajo que resulta bastante frío, distante, demasiado “déjà vu”, con una gama cromática de colores muy básicos, poco vibrantes y atractivos, y un planteamiento estético que recuerda enormemente a las ilustraciones decimonónicas sobre hipnosis, mesmeretización y el magnetismo, propulsadas por el francés Franz Mesmer a principios del siglo XIX, y que a finales del mismo, fueron ampliamente desarrolladas.

 

Una exposición que no deja de tener algunas curiosidades, tanto en imágenes como en nombres, pero que en general puede ser fácilmente olvidable.

 

SALA DALMAU

C/Consell de Cent, 349

Barcelona

 

www.saladalmau.com

ESART Galeria (Barcelona)

 

PAISAJISMO Y FIGURACIÓN A TRAVÉS DE CINCO INTERPRETACIONES

 

Hay exposiciones colectivas que por el número de participantes en la misma, permiten al visitante recrearse en la obra sin dispersarse, y comprobar temáticas y estilos a través de forma más concentrada y a la vez diversa.

 

La Galeria ESART de Barcelona presenta hasta finales de mes la muestra CINCO ENCUENTROS ARTÍSTICOS, donde se exhibe obra de: Judit Valls, María Angustias Nolasco, Emili Gavaldà Ferrer, Carmina Nicolau y Díaz de Pedro.

Cinco encuentros artísticos, que son en realidad cinco formas de entender la vida, cinco maneras de mostrar sentimientos, cinco estilos de plasmar una idea, un entorno, un concepto…una ilusión y sin lugar a dudas, cinco procederes para expresar las emociones del ser humano, y que pocos son los capaces de captar y modelar las mismas.

 

Figuración y paisajismo forman el tándem de esta exposición, una muestra en conjunto donde la diversidad de conceptos queda patente, a pesar de que el espectador pueda pensar que hay cierta igualdad de criterios.

Judit Valls, una joven artista de 19 años presenta unos paisajes serenos y tranquilos, de juego lumínico intenso, gama cromática vital y vibrante, pero sin estridencias visuales, planteamiento estructural correcto con buen uso de la perspectiva y manejo del pincel suelto y ligero, y especial cuidado en los detalles, tal como se puede ver en la obra: Entrada al paraíso. Son obras de realizadas por una joven con grandes inquietudes y aptitudes para el arte. Dispone del tesón necesario y el ímpetu de la juventud, que debe canalizar a través del trabajo, del estudio, la práctica y el conocimiento de la historia del arte, para perfeccionar defectos e incrementar calidades.

Con respecto a la figuración, Maria Angustias Nolasco ofrece una variante poco habitual en estos tiempos de iconoclastia: la expresión de la pintura religiosa, en sus facetas más góticas o barrocas. Una obra que invita a la introspección y a la entereza, a través de esas maderas viejas, preparadas ex profeso para reproducir imágenes que no nos son del todo desconocidas, escogidas de museos y otras instituciones, y que para la artista resultan todo un ejercicio ético, moral y estético. Interesantes su Arcángel San Miguel basado en Blasco de Grañen, maestro de Lanaja o su Virgen y el Niño Jesús, retablo de Jaume Cabrera. Una obra meticulosa y exquisita, realizada con pulcritud extrema, rozando el perfeccionismo. Si bien no invitan a la oración, y a la reflexión.

 

El paisaje vuelve a estar presente, a través de alguien que ya no está entre nosotros, pero que dejó un legado pictórico importante, y que vivió la transición entre dos siglos (1883-1948) de cambios vertiginosos en técnica y temáticas artísticas: Emili Gavaldá Ferrer. Gracias a su nieta, esta exposición se complace en mostrar una obra delicada, elaborada, pulcra, y técnicamente muy bien estructurada. Gavaldà nació (Barcelona 1883 y falleció en la misma ciudad en 1948). Gran dibujante, pintor y escultor curso estudios en Escuela Oficial de Bellas Artes y Oficios en Barcelona en 1895, Trabajo como oficial de restauración en el Palau de la Generalitat de Catalunya en 1924.

 

Se puede observar que era un gran enamorado de la naturaleza, lo que reflejó en su obra artística. Picapedrero de profesión, demostró una delicada sensibilidad, recibiendo influencias de Rusiñol y de los impresionistas franceses. A destacar el vigor de su trazo en el dibujo, con una excelente base técnica.

 

Gracias a la obra de Gavaldà, puede apreciarse la diferencia entre la pintura actual y la de la primera mitad del siglo XX, lo cual es interesantísimo tanto a nivel técnico como de estilos y planteamiento temático.

 

Con respecto a Carmina Nicolau, se observan cambios destacados desde su última exposición, profundizando en un paisaje muy Mediterráneo, casi con sabor a sol y a sal, esa luminosidad que si bien no es sorollesca, si hace referencia al pintor valenciano, e introduciendo en esta ocasión una figuración femenina, idealizada, de facciones suaves y porte gentil. Destaca por su evocación oriental su obra Almendro en flor.

 

Díaz de Pedro. Nos introduce nuevamente al paisaje, romántico y misterioso, del siglo XIX, con esa gama cromática de recónditas sombras, de luminosidades sugerentes, de paisajes boscosos, profundos, de leyendas cargadas de ocultos secretos. Un pincel mucho más suelto y ligero, una gama cromática más ligera, pero con insinuantes profundidades, un planteamiento estructural perfectamente encajado y un excelente uso de la perspectiva, dan a su obra un aire melancólico y sombrío, destacando en su figuración imponente presencia, tal como demuestra su particular Sátiro de Rubens

 

Son cinco encuentros que en realidad son cinco estilos artísticos, expresados por personas que disponen del privilegio de saber expresar con pinceles y colores, lo que muchos sueñan y otros desean, con el fin de atestar paredes, colmar hogares y llenar almas.

 

ESART Galería

C/ Diputació, 188

Barcelona

 

www.esartgaleria.es

GALERIA GOTHSLAND (Barcelona)

UNA GLOSA AL CARTEL PUBLICITARIO,

SIN OLVIDAR A RAMON CASAS

A diferencia de otros estilos y técnicas pictóricas, el arte de cartelismo, nunca ha gozado del mismo status que un trabajo al óleo, un collage o la técnica mixta, cuando en realidad el cartel ha sido la obra gráfica más próxima a la cotidianidad de nuestras vidas, y que más ha impregnado de arte, aunque sea de forma inconsciente, al común de los mortales.

 

La galeria Gothsland de Barcelona, presenta desde mediados de Noviembre y hasta el próximo mes de enero-2013, la muestra: RAMON CASAS i l’art publicitari del Cartell (y el arte publicitario del Cartel), una cuidadosa selección de carteles modernistas que abarcan distintos ámbitos publicitarios, sea de forma comercial, como de campañas realizadas por estamentos públicos.

 

La muestra de carteles se combina con un magnífico conjunto de dibujos al carbón y retratos al óleo de Ramon Casas que como tema común presentan a la mujer de la época Modernista: elegante y distinguida, pero también pensativa, aturdida, romántica e intimista… Sólo la mano de este genial artista supo plasmar el mundo femenino del entorno burgués, desde su visión masculina pero con conocimiento, sensibilidad, respeto y admiración por las damas de entonces, que en tan sólo un poco más de 100 años, han quedado lamentablemente relegadas a las imágenes de entonces.

 

Con respecto a la muestra de carteles, son varios los autores de los mismos: Joan Llimona, Santiago Rusiñol, Miquel Utrillo, Alexadre de Riquer, Joan Llaverías, etc., todos ellos, reconocidos artistas en su tiempo, que supieron plasmar en una obra gráfica, el encargo o el evento que en los mismos se mencionan, con técnica depurada, un estilo inconfundible, maestría absoluta y AMOR POR EL ARTE. No se trataba simplemente de cumplir con un encargo, sino de transmitir un hecho con elegancia, mostrando a su vez una OBRA DE ARTE.

 

Ante tal exhibición de obra gráfica, es importante destacar los datos y comentarios realizados en el excelente catálogo de la muestra, a cargo de Gabriel Pinós y Beatriz Maeztu, esta última con respecto a Llaverías i Llimona.

 

En el momento de entrar en la galeria, la mirada no puede evitar dirigirse directamente al cartel de la 3ª Exposición de Bellas Artes e industrias Artísticas, que tuvo lugar en Barcelona, entre los meses de abril y junio de 1896.

 

Se trata de una cromolitografía sobre papel entelada, de 96x151 cm, realizada por la Litografía J.Thomas de la ciudad condal. Tal como indica el citado catálogo: “La gama cromática se centra en los colores pastel, para facilitar a sus idealizadas musas ese aspecto trascendental. (…) se considera este el primer cartel moderno, porque difiere de la estética de 1880 (…) de claro estilo neogótico, con las dos figuras de perfil y con ropajes amplios y muy ricamente decorados”.

Si antes se hablaba del anuncio de una exposición de Bellas Artes, el ocio también constituía un reclamo para las clases sociales altas, y artistas que quisieran darse a conocer. En 1902, el Real Club de Barcelona, una cromolitografía sobre papel de 76 x 108,7 cm, tuvo a bien anunciarse, y lo hizo de la mano de Joan LLaverías ya que, “a principios del siglo XX, se popularizaron las actividades de ocio en general, y marítimas en particular, y con ello los deportes acuáticos que tanto éxito tuvieron en la burguesía. Llaverías fue un profundo admirador de dichas actividades, y las representó a menudo en sus obras, tanto pictóricas como gráficas (…) Técnicamente se aprecia el contorno sinuoso e inquieto de las figuras, además de los perfiles tan característicos e intensos colores, influidos directamente por su dedicación a la ilustración humorística, por lo que poseen un cierto toque caricaturesco, que hace de esta obra el perfecto reclamo para una sociedad ocupada y distraída por los nuevos pasatiempos de la ciudad.

 

Interesante también destacar el cartel: Ferrocarril de Monistrol a Montserrat (1888), una cromolitografía sobre papel de 108,5 x 146 cm, realizada por Ed. Henrich, la cual “difiere del resto de composiciones modernistas por carecer de simplicidad en su composición y ejecución”.

No es posible terminar este artículo, sin poner en conocimiento del lector algunas “pinceladas” sobre Ramon Casas. Una obra dedicada a la feminidad, más que a la mujer en sí, y según indica Gabriel Pinós en el catálogo: “mostrada de perfil, que viste un abrigo o mantón, boa o pañuelo y suele tener el pelo recogido en un tocado o sombrero. Normalmente se observan determinados toques de color en los labios, y los elementos adicionales en el vestuario, en los que se emplea lápiz conté o acuarela…”

 

Han sido destacados unos pocos ejemplos de lo que exhibe esta muestra. Sin embargo, tan sólo son detalles técnicos e informaciones complementarias. La exposición en sí, va más allá de lo meramente artístico; nos invita desde la era digital a trasladarnos a una Barcelona bulliciosa, potente, activa, dinámica, emprendedora, capital europea, que a pesar de estar sujeta al yugo de gobiernos monárquicos españoles, siempre incomprensibles con el talante catalán, supo vencer obstáculos y dejar un legado artístico y arquitectónico único, maravilloso e indiscutible, mundialmente conocido, como prueba de un esfuerzo económico, de la pujanza de una clase social, de los deseos de ser innovador y de ser y sentirse europea.

La familia Pinós, a través de la Galeria Gothsland como del Museu del Modernisme Català, realiza una loable e ingente tarea por mostrar al público los tesoros modernistas, el entorno y contexto de una época (1880-1930), dedicando notables esfuerzos a la divulgación. Para ello utiliza todos los medios a su alcance. Así, ha editado en facsímil “La veu de l’Eixample”, (La Voz del Ensanche) donde en su primer número, editado el pasado noviembre, informó de los distintos acontecimientos relacionados con sus actividades artísticas, promoviendo a su vez que jóvenes o no tan jóvenes desentrañen el “Misteri del Drac Daurat” (El misterio del Dragón Dorado), facilitando una serie de pistas hasta encontrar el tesoro. El Misteri del drac daurat es la continuación de la exitosa: A la recerca del tresor perdut, inaugurada en el verano de 2010, que fue pionera en el desarrollo de actividades interactivas, utilizando símbolos y determinados elementos de las obras de arte para contextualizarlos en el discurso artístico del museo. Una idea original dentro del mundo del arte, que divierte, instruye e intenta inculcar el amor por el arte.

 

Todo un proyecto, toda una exposición que podría resumirse en la frase que pronunció el destacado muralista mexicano Diego Rivera (1886-1957): “Toda gran obra de arte tiene dos caras: una hacia su propio tiempo y otra hacia el futuro, hacia la eternidad”.

 

GOTHSLAND, Galeria d’art

C/ Consell de Cent, 331

BARCELONA

 

www.gothsland.com

 

 

MUSEU DEL MODERNISME CATALÀ

C/ Balmes, 487

08007 BARCELONA

 

www.mmcat.cat

ARTUR RAMON ART

PUBLICACIÓN DEL LIBRO: Nada es bello sin el azar.

 

El pasado lunes, 10 de diciembre, tuvo lugar en el espacio Forum de la Casa del Libro de Barcelona (Rambla, 37), la presentación del obra: Nada es bello sin el azar, cuyo autor es el anticuario y galerista Artur Ramon.

 

Sin dejar un asiento libre y con gentes de pie que llenaban las paredes del fondo de la sala, un centenar largo de personas, de mediana edad en conjunto– escasa era la presencia de jóvenes - acudieron al evento, en su mayoría relacionadas con el protagonista a nivel personal, también como clientes y profesional, especialmente en su vertiente de anticuario, puesto que no se apreció la presencia de galeristas conocidos.

 

El evento transcurrió dentro de los cánones de la brevedad, claridad y sencillez, sin que en ningún momento se rozase el tedio, ni se apreciase la presencia de protagonismos excesivos, lo cual en este tipo de actos es muy de agradecer.

Acompañaron al autor de la obra, el periodista y escritor Sergio Vila-Sanjuán, Josep Maria Trullen, director del Museo Marés y Clara Pastor, editora de la obra, quien en nombre de Ediciones Elba, tomó en primer lugar la palabra para agradecer al publico su presencia, desentrañando a continuación los pormenores de la edición de la obra, la cual tenía como principios básicos el resultar didáctica, para un público no especializado: “Yo quiero que hagas un libro para mis amigas”, enfatizó Pastor, dando a entender la sencillez que debían expresar los textos, con el fin de iniciar, una tradición de libros que acerquen el arte al gran público, algo que en países como Inglaterra o Francia está muy implantado, pero no en España.

 

Pastor finalizó su intervención, manifestando la libertad con que había sido escrito y editado el libro, agradeciendo a las personas del equipo de Ediciones Elba su colaboración y esfuerzo en el mismo, y declarando finalmente la apuesta de valentía que para una editorial joven significaba esta obra, en una época como la actual, marcada por la crisis.

 

Seguidamente, intervino Sergio Vila-Sanjuán, quien glosó la figura de Artur Ramon como “personaje interesante y atípico, polivalente y disciplinado… difícil de clasificar, quien como anticuario ha seguido la tradición familiar a través de exposiciones dignas de museos.

 

Vila-Sanjuán informó de aspectos relacionados con su profesión, entre ellos el ser un gestor cultural y haber sido presidente del Saló d’Antiquaris de Catalunya, sin olvidar que “es un hombre al que le gusta vivir la vida, es viajero infatigable, bibliófilo, dispone de una gran cultura, excelente conversador y presunto escritor, aunque no es persona de fácil acceso, pero una vez se entra en contacto con él, la comunicación es muy gratificante, y suele exhibir un gran sentido del humor”

 

Seguidamente, el periodista destacó las influencias académicas recibidas por Ramon: fue discípulo de José Milicua, catedrático de Historia del Arte, licenciado y doctorado en Barcelona, y que posteriormente realizó estudios en Florencia, donde fue alumno de Roberto Longhi, un prestigioso historiador del arte italiano, de quien Artur Ramon es también admirador y seguidor.

 

Con respecto a la obra Nada es bello sin el azar, Vila-Sanjuán hizo mención de los tres tipos de escuelas de crítica existentes a lo largo de la historia: la italiana muy antigua pero difícil de digerir, la francesa es elegante, la alemana es atractiva, pero la escuela inglesa de crítica es la que ha sabido llegar más directamente al gran público, al saberse expresar en una forma didáctica e instructiva, siendo sus más destacados interpretes: Robert Hughes o Edward J. Smith.

 

Como colofón, el escritor matizó el planteamiento de la obra, a través de 15 capítulos individuales, siguiendo una “trama policiaca”, todo ello surgido de las distintas colaboraciones periodísticas del galerista, como por ejemplo el suplemento Cultura/s de La Vanguardia, o de las conversaciones y líneas de actuación nacidas de distintos encuentros gastronómicos. Finalizó su intervención felicitando a Clara Pastor por la audacia en la edición de este libro que “aporta riqueza, valentía y ciudad en unos momentos muy complicados”.

A continuación tomó la palabra el autor del libro, Artur Ramon quien agradeció de forma muy explícita a tres personas la creación Nada es bello sin el azar: a Sergio Vila-Sanjuán y las diversas cenas que dieron origen al mismo, a Rafael Argullol, escritor, filósofo, poeta y profesor de estética de la Universidad Pompeu Fabra, de Barcelona, por su apuesta por el libro y a Clara Pastor por la edición del mismo: “Entre todos me ayudaron muchas veces a bajar el suflé” haciendo referencia a realizar una obra destinada al público en general.

 

Ramon habló de la importancia y relación de los medios de comunicación con su profesión, y de la complejidad del proceso de confección del volumen, mencionando las dudas que en más de una ocasión le asaltaron, y le hicieron temer que el proyecto no llegara a buen puerto. Habló también, de la colaboración mantenida con Josep Ma. Trullen, - quien desde mediados de año es el nuevo director del Museu Marés, en substitución de Pilar Vélez - y con anterioridad, conservador jefe el Museu Episcopal de Vic, que para Artur Ramon “es uno de los mejores museos de Catalunya”. Volvió a remarcar el hecho de sentirse un “convencido discípulo” de Roberto Longhi, aunque no lo hubiera conocido personalmente, pero si a través de Milicua.

El turno de intervenciones finalizó con Josep Ma. Trullen. En su calidad de historiador del arte, y por sus vinculaciones museísticas, enfocó la presentación del libro en base a un coloquio con el autor del mismo, - mientras, a sus espaldas aparecían diapositivas de diversos cuadros publicados en el tratado - indicando en primero lugar la expresividad del prólogo de Miquel Barceló, y siguiendo a continuación con el método empleado por Artur Ramon en el libro: la comparación de obras y el estudio o “diálogo” entre las mismas. “el libro está pensado de forma que el lector parezca que está en un museo, mirando los cuadros”

 

Por supuesto, Trullen también hace sus aportaciones sobre Longhi, y la influencia que tuvo en ciertos artistas italianos, especialmente el director de cine Pier Paolo Passolini, quien expreso cinematográficamente su admiración y las enseñanzas de su profesor en el filme: El Evangelio según San Mateo.

 

La conversación entre anticuario e historiador fue transcurriendo dentro de diferentes aspectos, como son la mención de la figura de Josep Pla, y su admiración por el mismo: “si Pla se hubiera dedicado al arte, hubiese sido un historiador fabuloso”, indicó Trullen, mientras que Ramon mencionó su vertiente Jeckyll/Hyde con respecto a su profesión y aficiones, iniciándose a continuación la explicación de algunos de los pasajes del libro, entre ellos, los referentes a la obra de Santiago Rusiñol: Terrible asesinato de 1890, y sus distintas versiones, tras una restauración, o la visión de Pablo Picasso sobre el suicidio y posterior entierro de su amigo íntimo Carles Casagemas, ambos explicados en el libro, así como otro de los homenajes que el pintor malagueño realizó a su amigo, a través de la obra La vida, actualmente exhibida en el museo de Cleveland en el estado de Ohio (EE.UU).

 

Invitándose a los asistentes a un turno de preguntas, dos fueran las cuestiones planteadas, en base a la opinión de Artur Ramon sobre el azar y la posibilidad de crear un libro que tuviera como soporte las conversaciones entre Picasso y Rusiñol, a lo cual el autor de Nada es bello sin el azar respondió negativamente, ya que se fundamentaría en meras especulaciones.

 

Con respecto al libro, en sus primeras páginas el autor realiza una ácida crítica, no exenta de toques de refinado humor, hacia las grandes instituciones museísticas mundiales, y sus políticas para conseguir visitantes para sus salas, en detrimento de la observación, admiración y amor por las obras que se exponen. En un primer análisis, compara la obra de Victor Navlet: Intérieur de la Chambre de la Signature au Vatican de 1867 con una pareja de cuadros del almeriense Miguel Pineda. Su continuación promete

 

ARTUR RAMON ART

Carrer de la Palla, 23-25

Barcelona

www.arturamon.com

ESPAI ARTGENT (Argentona – Barcelona)

JESÚS COSTA: La calidez del dibujo

El arte, no tiene que contemplarse siempre desde las obras de los grandes maestros, puesto que en el 95% de las ocasiones, no están al alcance del común de los mortales, físicamente, aunque sí pueden contemplarse en museos, catálogos o en la red de redes.

 

Sin embargo, si por arte pictórico se entiende una actividad realizada por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo mediante diversos recursos plásticos, entonces podemos encontrar infinidad de artistas que plasman con creces, su particular visión del mundo, de forma más cercana.

 

El Espai Artgent de Argentona presenta hasta principios del próximo mes de enero, la muestra de dibujos: cuyo autor es Jesús Costa Beiro.

Un conjunto de dibujos, realizados en lápiz, carbón acuarela y óleo, que aportan al espectador calidez, a través de escenas entrañables protagonizadas por modelos anónimos; diversidad de gentes que el artista captó al natural, en la cotidianidad de sus vidas, en entornos aun idílicos, donde se respira sosiego y serenidad, y el transcurrir del tiempo es reposado.

 

Técnicamente, Jesús Costa demuestra una indiscutible profesionalidad, no exenta de encanto, una obra donde su faceta de rotulista queda patente, en un realismo un tanto modernizado que, con riqueza de color – incluso en los diferentes trazos y tonos de carboncillo - y formas siempre fieles y veraces representa, paisajes urbanos o rurales con una belleza muy original.

Los dibujos de Costa son una hermosa combinación de colores. Unos azules, verdes y ocre-terroso reales que el pintor utiliza para representar la realidad y otros vívidos y muy brillantes queriendo resaltar los detalles que inspiran la obra. Ese equilibrio hace que las obras del pintor sean ideales para cualquier tipo de decoración, y de ambiente, proporcionado una sensación entrañable y acogedora, lo cual es también una forma de que el arte sencillo y asequible, pero realizado con sentimiento como el de esta exposición, acompañe nuestras vidas.

L’ARTGENT –Restaurant i Espai d’art i cultura

Pancho Tennis Club SL

Crta d’Argentona a Mataró Km 2,4

ARGENTONA

 

http://www.artgent.cat/

 

COLECTIVAS DE NAVIDAD:

TODO UN UNIVERSO ARTÍSTICO, AL ALCANCE DE TODOS (I)

Como marca la tradición, muchas son las salas de arte que apuesta por muestras colectivas, con el fin de poner a disposición de clientes y coleccionistas, una selección de obra, con gran diversidad de precios, estilos, temáticas, y sobre todo formatos, siendo de gran aceptación el de 30x30cm, tanto por su medida como por su economía.

 

GALERIA JORDI BARNADAS, situada en Consell de Cent, 347 de Barcelona www.barnadas.com

 

presenta desde el pasado 23 de noviembre y hasta el próximo 6 de enero de 2013 su Colectiva de Navidad, que si en otras ocasiones se basaba en el pequeño formato, en esta ocasión ha apostado por la diversidad total: Fernando ADAM, Fernando ALDAY, (de Venezuela y Chile respectivamente), Cristina Blanch, Alejandra CABALLERO, (procedente de Madrid), Mònica CASTANYS, Marc FIGUERAS, Vanessa LINARES, Joan LONGAS, Jordi MARSAL, (todos ellos de Barcelona), los hermanos Josep y Ramón MOSCARDÓ, Keiko OGAWA, procedente de Japón, Marcos PALAZZI (Barcelona), Piotr PERSKI de Stawiszyn (Polònia), Àlex PRUNÉS, Cristina SAMPERE, Gabriel SCHMITZ de Dortmund (Alemanya),Enric VALL KARSUNKE y Albert VIDAL, de Barcelona componen un atractivo muestrario donde escoger, siendo la figuración y el realismo los estilos dominantes.

 

La galería de arte ANQUIN’S de Reus (Tarragona) – www.anquins.com nos recuerda de nuevo a través de nota de prensa, que presenta para esta NAVIDAD la exposición ART per EMPORTAR (Arte para llevar). Se trata de una colectiva con obras de pequeño formato que ha sido seleccionada especialmente por su calidad y precio ajustado.

 

Pinturas, dibujos, papeles, pequeñas esculturas y cajas de vino pintadas de más de 40 artistas con un montaje sugerente adaptado al nuevo espacio de la galería en la C / Campoamor, 2. Se puede visitar hasta el próximo 7 de enero. Nuestro horario será de lunes a sábado, de 10,30 a 13,30 y de 17 a 20,30 h.

 

La exposición ART per EMPORTAR sustituye a la ya tradicional CAJA DE ARTE que la galería organizaba en esta época del año con el mismo objetivo: ofrecer pequeñas obras de arte a precios asequibles, pensados ​​como un obsequio ORIGINAL Y ÚNICO por NAVIDAD.

 

Esta semana, la galería ha incorporado a la exposición obras procedentes de las Ferias de arte de Colonia y Estrasburgo los artistas siguientes: Gustavo Díaz Sosa, Jesús Curia, Frank Jensen, Mònica Castanys, Alejandra Caballero, Teresa Riba, Carlos Díaz y Carlos Morago. Artistas que ha obtenido un gran éxito en dichas Ferias.

GALERÍA COMAS – Passeig de Gràcia, 114 (Diagonal) - www.galeriacomas.comapuesta como siempre por estas fechas por sus reconocidos artistas, con un bagaje expositivo importante, de trayectorias muy definidas, y con obras de composiciones estructurales marcadas, gusto y exquisitez, calidad y dominio en la técnica empleada y la experiencia del artista, y cuya temática, es conocida, y siempre admirada.

 

Toni Becerra, Borrell, Pasqual Bueno, Ulpiano Carrasco, Amadeu Casals, Crespo, Cruañas, Decoster, Marta Duran Quintana, Borja Fernández, M. J. Filella Musset, Fernando Gaya, Giner Bueno, LLucià González, Àngel González LLàcer, Elena González LLàcer, Luisa Granero, Granja LLobet, Laporta, Michele Lehmann, Teresa LLàcer, Mia Martí, Joan Mas, Carme Massana,Maño, Miró Puig, Ramon Navarra, M.D. Rubió, Sanromà, Santaló, Benet Sarsanedas y Vives Fierro.

Un sinfín de posibilidades para escoger, para valorar, para decorar, para obsequiar o simplemente para coleccionar, a precios siempre interesantes y siempre como norma, calidad y prestigio.

 

Finalmente, MARAGALL EDICIONS, emplazada en la C/ Petrixol nº 5 de Barcelona www.maragalledicions.compresenta como cada año su LITOMARKET, un exquisito mercado de litografías y grabados originales de artistas reconocidos, debidamente firmados y numerados. La firma y la numeración que el artista hace sobre cada ejemplar garantizan la limitación del tiraje y hacen de este obsequio algo único, irrepetible e individualizado. Un excelente y particular regalo de prestigio para estas fiestas, y también para coleccionistas de arte. Se incluyen nuevos artistas y nuevas obras inéditas, formatos y contenidos variables

 

La obra se acompaña normalmente con una presentación que incluye la biografía del artista, el certificado del editor con las características del tiraje y la explicación del motivo de la edición por parte de la empresa.

INFORMACIONES VARIAS

RESULTADO DEL CONCURSO DE PINTURA Y ESCULTURA DE SANT ANDREU DE LLAVANERES (Barcelona)

NOTA DE PRENSA FACILITADA POR LA ENTIDAD

El MUSEU ARXIU DE SANT ANDREU DE LLAVANARES, coincidiendo con la Fiestas patronales de Sant Andreu, y recuperando parte de su tradición cultural, hizo pública pública a mediados de verano-2012, la convocatoria del Concurso de Pintura y Escultura del Museu Arxiu de Sant Andreu de Llavaneres.

Este concurso está organizado por el Museu Arxiu y la Concejalía de Cultura de Sant Andreu de Llavaneres, y la participación estaba abierta a todos.

Sant Andreu de Llavaneres, en los años 50, ya contaba con un concurso de pintura. Y se pensó que valía la pena volver a apostar de nuevo por este acto cultural. Un jurado independiente seleccionó las tres obras finalistas, siendo el pintor mataronés Joan Poch fue el ganador de este PRIMER Concurso de Pintura y Escultura del Museu Arxiu de Sant Andreu de Llavaneres. El segundo premio recayó en el escultor Marc Sala de Argentona, y la artista de la localidad de Emma Agustín se llevó el tercer premio.

El veredicto del jurado, formado por Josep Maria Cadena, Pere Pascual y Tomás Safont-Tria, se hizo público el 1 de diciembre, por la tarde, en el marco de la Fiesta Mayor de Sant Andreu. La obra ganadora es una pintura en técnica mixta sobre papel titulada Tao. El trabajo clasificado en segunda posición es una escultura en acero oxidado por nombre: Bicho y en tercer lugar se premió una instalación formada por tres piezas: dos esculturas de hierro y una pintura en técnica mixta sobre papel, que llevaba por título: Convivencia.

Con esta iniciativa, el Museo Archivo ha querido recuperar una antigua tradición de los años 50 en Llavaneres. El balance es positivo porque el nivel de las obras presentadas, según aseguró el crítico de arte y miembro del jurado Pere Pascual, ha sido muy alto. En total, se presentaron 34 obras. Los premios los entregó el concejal de Cultura de Llavaneres, Luis Nogueras, acompañado del director del Museo, Luis Albertí, y otros miembros del Organismo Autónomo del Museo Archivo.

Los autores podrán exponer en una colectiva el próximo año, en la sala polivalente del Museo. El artista ganador tendrá el derecho a una exposición individual en 2014.

MUSEU ARXIU

Can Caralt – Carretera de Sant Vicenç, 14

SANT ANDREU DE LLAVANERES (Barcelona)

 

http://www.santandreudellavaneres.cat/ambit.php?id=1

ACTIVIDADES DE LA SALA PARÉS (Barcelona)

 

NEUS MARTÍN ROYO y JOSEP MOSCARDÓ:

EN CONVERSACIÓN CON EL PÚBLICO

Dentro del apartado Parlar amb els artistes, el pasado sábado, 15 de diciembre, NEUS MARTÍN ROYO y JOSEP MOSCARDÓ, hablaron sobre las obras de sus exposiciones actuales en la SALA PARÉS, explicando el porqué de los temas que han elegido, el procedimiento utilizado para pintar y lo que han querido expresar con sus cuadros. En definitiva ver su obra de otra manera

Se trataba de un coloquio informal de cada uno de los artistas con un número reducido de asistentes, previa información del acto a través de correo electrónico, y con una duración de 45 minutos aprox.

 

SALA PARÉS

C/ Petritxol, 5

08002 – Barcelona

 

www.salapares.com

FUNDACIÓ SUÑOL (Barcelona)

Actividades para estas Navidades

 

la fundació suñol envía a la redacción de esta web, nota de prensa con su programa de actividades , con motivo del 5º aniversario de la abertura al público de esta entidad

 

Entre visitas comentadas, un horario ampliado para dar una mayor cobertura de visitantes, y la posibilidad de visitar el archivo de la colección Josep Suñol, la dirección de la entidad propone también regalar entradas y catálogos de sus colecciones:

Se trata de la promoción:

ESTA NAVIDAD, ¡REGALA CULTURA!

 

Por lo que han preparado unos packs regalo que contienen dos catálogos y dos entradas individuales de la Fundació Suñol: PACK 1: 2 catálogos de las exposiciones 2007-2012 + 2 entradas al precio especial de 25€ (precio normal: 40€).

PACK 2: 1 catálogo del 5º Aniversario + 1 catálogo de las exposiciones 2007-2012 + 2 entradas al precio de 30€ (precio normal: 50€).Para su comodidad, pueden hacer su pedido por teléfono o correo electrónico y recibirlo directamente en su domicilio (consultar condiciones).

FUNDACIÓ SUÑOL

Passeig de Gràcia, 98

Barcelona

 

www.fundaciosunol.org

 

MUSEU DEL TAPIS DE SANT CUGAT DEL VALLÈS (Barcelona)

PRORROGA DE LA EXPOSICIÓN DE AURELOA MUÑOZ: Búsquedas infinitas. Fibras, texturas y espacio hasta el 27 de enero de 2013

El Departamento de Prensa del Museu, y otras entidades museísticas, informa a esta web de la citada prorroga:

El Museu del Tapis Contemporani de Sant Cugat y la Diputació de Barcelona prorrogan la primera exposición antológica de Aurèlia Muñoz, una de las figuras esenciales del arte textil contemporáneo catalán.

Debido al gran el interés suscitado con motivo de la exposición "Aurelia Muñoz, búsquedas infinitas. Fibras, texturas y espacio "está confeccionando una itinerancia que pasará por algunos de los centros de la red de museos de la Diputació de Barcelona.

Dentro de los movimientos de renovación del arte textil la figura de Aurelia Muñoz (Barcelona, ​​desde 1926 hasta 2011) destaca por su originalidad en el tratamiento de técnicas, fibras, insertando obras de arte textil en el espacio. Esta muestra quiere redescubrir una de las más destacadas artistas catalanas, de renombre internacional, que siempre ha vivido y promovido el arte desde su vertiente más amplia y global. Aurèlia Muñoz nos ha legado toda una forma de observar, de vivir y de crear que no implica fronteras técnicas ni conceptuales.

Actualmente, además del Museo del Tapiz Contemporáneo de San Cugat del Vallés, se pueden encontrar obras suyas en espacios como American Crafts Museum de Nueva York, The Art Institute of Chicago, Centro Nacional de Arte Reina Sofía o el Museo de Arte Moderno de Kioto (Japón).

AURÈLIA MUÑOZ, BÚSQUEDAS INFINITAS. FIBRAS, TEXTURAS Y ESPACIO

Comisarios

AndrésDengray SilviaVentosa

 

Museu del TapísContemporani

Casa Aymat, calle Villà68
08173 SantCugat del Vallès

www.museu.santcugat.cat

EL MUSEU DE LES ARTS DECORATIVES DE BARCELONA,

CELEBRA SU 80 ANIVERSARIO

 

El Departamento de prensa del DHUB-Museu de les Arts Decoratives, nos ha enviado

el siguiente comunicado

con respecto a la celebración citada en el titular

Con fecha 18 del corriente, tuvo lugar en el Auditorio del nuevo edificio del Disseny Hub Barcelona en la plaza de las Glòries, la celebración del 80 aniversario del Museo de Artes Decorativas de Barcelona.

El acto fue presidido por Jaume Ciurana, teniente de alcalde de Cultura, Conocimiento, Creatividad e Innovación, y por Pilar Vélez, directora de los Museos del Disseny Hub Barcelona, ​​y consistió en un coloquio con tres personas nacidas el mismo año que el Museo y que han tenido alguna relación, tanto profesional como personal: Joan Vila i Grau, pintor y vidriero, David Mackay, arquitecto y socio de MBM Arquitectos y uno de los autores del edificio DHUB, y Miguel Milán, diseñador industrial e interiorista.

Esta celebración fue dirigida exclusivamente a los donantes que ha tenido el museo en los últimos años, por lo que se les ha querido agradecer su generosidad y contribución al crecimiento de las Colecciones y, al mismo tiempo, al enriquecimiento del patrimonio cultural del país. Sin duda, el el Museu de les Arts Decoratives de Barcelona ha visto crecer sus fondos gracias a las donaciones realizadas por coleccionistas, diseñadores, empresas e instituciones, y se ha ocupado de preservar este patrimonio público con sus tareas de conservación, restauración, documentación y difusión.

Terminado el evento se soplaron las velas de un pastel de cumpleaños creado para la ocasión por la prestigiosa Pastelería Escribà, y a los asistentes se les ha entregado un ejemplar del libro: Increments 2007-2011 que recoge las 885 piezas que han entrado a formar parte de las colecciones en los últimos cinco años.

El el Museu de les Arts Decoratives de Barcelona es considerado el embrión de la actual Disseny Hub Barcelona, que actualmente integra las colecciones del citado museo, del Museu de la Ceràmica, del Museu Textil i de Indumentaria y del Gabinet de les Arts Gràfiques que está a punto de iniciar una nueva etapa con su traslado a la nueva sede de la plaza de las Glòries.

80 AÑOS DE HISTORIA DEL MUSEO

El 18 de diciembre de 1932 Francesc Macià inauguró el nuevo Museu de les Arts Decoratives, ubicado en el Palacio de Pedralbes y fruto de la nueva política museística de Barcelona, ​​impulsada por la Junta de Museos, máximo órgano de gobierno en estas materias.

Desde entonces y hasta el momento actual, el Museo ha vivido diferentes etapas, sobreviviendo a las penurias de la posguerra e incrementando luego su patrimonio de forma progresiva gracias a la aportación de los legados y las donaciones prácticamente hasta el día de hoy. Actualmente se inicia una nueva etapa con la integración de los diferentes museos en un mismo edificio donde se trasladarán en la primavera de 2013 para abrir al público a principios del 2014.

Disseny Hub Barcelona

Montcada, 12

Barcelona

 

www.dhub-bcn.cat

COMUNICADOS DE ARTE

10 de DICIEMBRE de 2012

FUNDACIÓ VILA CASAS (Barcelona)

VICTOR PÉREZ PORRO –DANIEL ENKAOUA: TANDEM DE CONTRASTES

Contemplar en una sala de exposiciones como la figuración y el minimalismo forman parte de un conjunto, con el arte como nexo común, pero de planteamiento artístico dispar, chocante y evidentemente arriesgado, es lo que ofrece la Fundació Vilacasas en su sede de Ausias Marc, 22 de Barcelona, (Espai Volart 1-2) a través de las muestra de Victor Pérez Porro: Els colors de Berlín van fer formes al meu cap y Daniel Enkaoua: Creure – Crear.

 

Pérez Porro (Barcelona, 1960) nos invita a una nueva visión del minimalismo de Mondrian, basado tanto en el color como en la textura. Su obra ordenada, meticulosa, de pulso firme y definido, de colores cálidos, sin estridencias, produce en su contexto expositivo - aquí la decisión y colocación de los trabajos ha sido importantísima – un equilibrio y armonía de extraña definición.

Es una obra que emite una paradójica vitalidad, a pesar de su ordenamiento. No hay violencia ni apasionamiento; más bien monotonía y decaimiento; las texturas han sido milimétricamente calculadas, admirando el espectador, la utilización de diversos útiles pictóricos: pinceles de distintos grosores, espátulas de distintas medidas y en general, la mayoría de trabajos, no dejan de recordar al mundo del diseño y el estampado textil.

 

No hay perspectivas, todo es bi-dimensional, a excepción de dos piezas: Seg-men-tos uno, del 2007, (técnica mixta sobre tela), como fondo de una escultura de base geométrica: Vista-Seg-Mentada, fechada en el 2006 y realizada en aluminio, u que recuerda a la obra de Palazuelo, y Zig-Zag still life, con fecha 2009, en técnica mixta sobre madera, cuyo dorso se refleja en un espejo. Una pieza que ofrece el efecto tridimensional, jugando con la perspectiva visual.

Els colors de Berlín van fer formes al meu cap (Los colores de Berlín materializaron formas en mi cabeza) es un trabajo de reciente manufacturación (2006-2012), realizado con pulcritud, sin sorpresas ni golpes de efecto, sin apasionamiento ni provocación, metódica y escrupulosamente, pero hay que reconocer que existe destreza, precisión, inteligencia y sosiego.

El contraste temático que no técnico en cuanto al esfuerzo y habilidad de planteamientos estéticos, es la obra de Daniel Enkaoua: Creure – Crear (Creer-Crear).

 

Una obra donde destaca una gama cromática tenue, suave, aterciopelada, de pincel elaborado, concienzudo y exacto, y donde el juego lumínico plantea espirituales atmosferas, etéreas pero extrañamente envolventes. Un trabajo muy académico que sorprende en la línea expositiva de Fundació Vila casas, más dada a contemporaneidades y ciertas estridencias conceptuales.

Enkaoua, un artista israelí nacido en Meaux (Francia) en 1962, ofrece bodegones y retratos donde la soledad es el denominador común. Retratos de niños o mujeres en grandes dimensiones, en fondos de azules y grises, tenues atmosferas que emiten un sereno “paisaje” de aislamientos, pero que invita a la introspección, a contemplarse el espectador a sí mismo, rodeado de espacio, de contenido vacio, ante la falta de humanismo actual. Sorprenden las miradas en algunos de sus retratos, que en apariencia, ofrecen distancia, pero que en realidad, reclaman atención, el blanco de primoroso de sus vestidos, la sencillez en el posado. Naturalidad y también paz interior.

 

Una exposición, donde la obra donde técnicamente, el trabajo roza la perfección, temáticamente, invita a la humanización y artísticamente expresa sublimación.

 

 

FUNDACIÓ VILA CASAS

Espacio Volart I y II

C/ Ausias Marc, 22

Barcelona

www.fundaciovilacasas.com

 

GALERIA D’ART PERAGON (Cerdanyola del Vallés)

Exposición colectiva “Bye, Bye Crisis”

El pasado 29 de noviembre, la galeria d’Art Peragón inauguró la exposición Bye, Bye Crisis, con obras de Juan Rozas, Rafael Cuartielles, Joan Escudé, Eva Ricart, Isa Biete y Sergi Peragón.

 

Una muestra colectiva con diversidad de estilos, atractiva e inspiradora, con el sentimiento de la creatividad  de los paisajes urbanos y campestres de Juan Rozas, la abstracción como elemento protagonista en la obra de Rafael Cuartielles: el color, al servicio de una expresividad lírica y de una manipulación sugerente y táctil de calidades y texturas. La inquietud de la curva y de la elipse en las esculturas de Joan Escudé, acompañándonos en la esencialidad de los interrogantes que van del alfa a la omega de la vía diaria, el paisaje urbano, bajo una mirada azul y gris, entre entrañable y nostálgica, plagada de detalles y pincelada definida de Eva Ricart, un “naïf” tierno de temática variada e influenciada por la naturaleza, especialmente el paisajismo en la obra de Isa Biete; un trabajo lleno de gran variedad de color contrastado, para finalizar con la fuerza implacable de la exuberante obra de Sergi Peragón, una personalidad arrolladora, de imaginación desbordante que obliga al espectador a no permanecer indiferente a la contemplación de su obra.

 

Una muestra heterogénea, de gran calidad, en diversidad de formatos, conceptos y estilos, gracias a la cuidada selección y conocimiento del director de la galeria de Pep Peragón.

 

 

GALERIA D’ART PERAGÓN

Plaza Palacio Valdés 2- 4, local 6

CERDANYOLA DEL VALLÉS (Barcelona)

 

www.galeriaperagon.com

JOSEP MOSCARDÓ Y NEUS MARTÍN ROYO EN

LA SALA PARÉS (Barcelona)

 

La Sala Parés informa a esta web, de sus actuales exposiciones

Hasta el próximo 18 de diciembre, la Sala Parés exhibe en sus Espai 1 i 2, obras de los artistas Josep Moscardó y Neus Martín Royo (Reconstrucció d’un món)

 

Tal como indica el catálogo remitido, el primero ha querido realizar una exposición basada en los paisajes urbano y marino, que son sus temas preferidos. Son escenas luminosas, coloristas, extraídas de la vida cotidiana, y tratadas sin ningún afán simbólico o grandilocuente, sino de una manera desenfadada y directa, haciendo un canto a la belleza, y una apuesta por el optimismo.

 

Con un registro de temas muy amplio, es capaz de pasar de una visión nocturna, donde aun se aprecian las luces del día y empiezan a vislumbrarse las artificiales, a una atmosfera radiante y transparente de una nítida mañana. Utiliza una paleta muy rica, que le permite idealizar la realidad, resaltando lo que le resulta más esenciar, para mostrar una obra fuertemente expresiva, de sugerente armonía cromática.

Con respecto a la obra de Neus Martín Royo, a través de la muestra: Reconstrucció d’un món (Reconstrucción de un mundo) la propia Sala Parés comenta: Sorprende en esta joven pintora su valentía y la incansable, pero a la vez renovada mirada realista, que trasciende temas habituales. Aun siendo el tema urbano el más característico en apoyo producción, el dominio del mismo no le priva de aplicar por completo, todo su bagaje pictórico a otras composiciones de paisaje a las que así mismo, logra irradiar una potente y atractiva luminosidad.

 

 

SALA PARÉS

C/ Petritxol, 5

08002 – Barcelona

 

www.salapares.com

 

AURÈLIA MUÑOZ, BÚSQUEDAS INFINITAS.
FIBRAS, TEXTURAS Y ESPACIO

 
El Museo del Tapiz Contemporáneo de Sant Cugat y la Diputación de
Barcelona presentan hasta el próximo 16/12/2012 la primera exposición antológica de Aurèlia Muñoz, una de las figuras esenciales del arte textil contemporáneo catalán. En nota de prensa enviada a esta web, informan de la muestra y de la artista.

Dentro de los movimientos de renovación del arte textil la figura de Aurelia Muñoz (Barcelona, ​​desde 1926 hasta 2011) destaca por su originalidad en el tratamiento de las, fibras, insertando obras de arte textil en el espacio. Su obra es un referente para jóvenes artistas que están encontrando esta fórmula de retorno al "hecho a mano" aplicado a un proyecto creativo, así como un buen ejemplo de las posibilidades que técnicas como el bordado o el macramé pueden convertirse en motores de expresión para obras de primera línea internacional.

 

Actualmente, además del Museo del Tapiz Contemporáneo de San Cugat del Vallés, se pueden encontrar obras suyas en espacios como American Crafts Museum de Nueva York, The Art Institute of Chicago, Centro Nacional de Arte Reina Sofía o el Museo de Arte Moderno de Kioto (Japón).

 

LA OBRA DE AURÈLIA MUÑOZ.

 

Aurèlia Muñoz era una buscadora de nuevos lenguajes universales, que tenían en la fibra y en la tradición una raíz sobre la que fundar la experimentación, empleando el textil como medio, no como fin. Su bagaje cultural y técnico puede ser revisado y actualizado con una mirada actual y, afortunadamente, en nuestros días el arte textil empieza a reavivar de nuevo.

 

Esta muestra quiere redescubrir una de las más destacadas artistas catalanas, de renombre internacional, que siempre ha vivido y promovido el arte desde su vertiente más amplia y global. Aurèlia Muñoz nos ha legado toda una forma de observar, de vivir y de crear que no implica fronteras técnicas ni conceptuales.

 

La vida creadora de Aurèlia Muñoz, tal y como se reivindica con el título, fue un camino continuo de experimentación e investigación, llegando al extremo de que en un periodo de 10 años las técnicas empleadas cambian radicalmente. Está previsto que de cara al 2014 la obra de Aurelia Muñoz estará presente en la exposición "Fiber Arts" del Institute of Contemporary Art / Boston (Estados Unidos).

LA EXPOSICIÓN

 

Se presenta 35 obras: 7 dibujos-proyectos, 2 tapices bordados, 2 collages, 11 obras en macramé, 2 pájaros-estrellas y 10 obras en papel. La exposición también incluye un módulo pedagógico con maquetas de las obras y se plantean talleres para hacer a partir de la obra expuesta, junto con un ciclo de conferencias y de visitas comentadas. Con esta muestra se quiere resolver cualquier duda o confusión con unas obras que reflejan cada uno de sus momentos creativos, diferenciados en cuatro ámbitos:

 

1960-1968 Representar la abstracción, 1969-1983 Descubrir el espacio interior, 1978-1983 Hacia el espacio exterior y

 

1980-2009 Jugar con el movimiento. La poética del papel. Para integrar la obra en el espacio, las velas se transforman en Origamis monumentales, los Seres de macramé se transforman en libros y móviles cubistas. El papel, hecho a mano y teñido por ella misma, se compone de materiales textiles, pastas de papel hechas de algodón, lino, etc. Esta época puede definirse como poética y ligada a la naturaleza. Con el papel, aparecen collages de caparazones de animales marinos, piedras, tallos, vegetales. Pero también los libros y las escrituras. En esta época podemos detectar una gran influencia del Extremo Oriente. Los pictogramas e ideogramas utilizados en sus obras sobre acetatos parecen intencionadamente a la escritura japonesa, u obras como Washi hacen referencia a la técnica de hacer papel a mano japonesa.

 

AURÈLIA MUÑOZ, RECERQUES INFINITES. FIBRES, TEXTURES I ESPAI
Comisarios: Andreu Dengra i Silvia Ventosa
 

 

Museu del Tapís Contemporani
Casa Aymat, carrer Villà 68
08173 Sant Cugat del Vallès (Barcelona)


www.museu.santcugat.cat

Photographic Social Vision presenta la exposición

World Press Photo 2012

La Fundación Photographic Social Vision organiza por octavo año consecutivo la exposición internacional World Press Photo en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), del 29 de noviembre 2012 al 6 de enero 2013.

 

Es una de las muestras fotográficas que concentra más público en Barcelona con 35.159 visitantes en la pasada edición.Considerada mundialmente como la más importante en el ámbito del fotoperiodismo, World Press Photo destaca por la calidad de sus fotografías, así como por el debate y la crítica que generan cada uno de los trabajos presentados. Una cita con los acontecimientos sociales, políticos, culturales y deportivos del último año que también es un escaparate para los mejores fotoreporteros del momento, ofreciéndoles la oportunidad de presentar un trabajo muchas veces censurado por los gobiernos y los medios.

 

La muestra, que recoge las 156 fotografías ganadoras del prestigioso premio internacional de fotoperiodismo, cuenta en esta edición con un fotógrafo catalán, Samuel Aranda, como ganador de la máxima categoría del concurso, el World Press Photo of the Year 2011, con una imagen tomada durante las revueltas en Yemen. Bajo el lema “Material sensible”.

Photographic Social Vision brinda la oportunidad al público de estar informado sobre el estado del mundo con unas fotografías que destacan por su excelencia estética, su valor informativo, su sensibilidad y su capacidad de emocionar al espectador. La exposición se podrá ver del 29 de noviembre de 2012 al 6 de enero de 2013.

 

Un año más, un jurado internacional independiente formado por 19 miembros ha sido el responsable de escoger las imágenes ganadoras entre las enviadas por fotoperiodistas, agencias y periódicos de todo el mundo. En la edición World Press Photo 2012 han participado 5.247 fotógrafos (de los cuales 217 españoles) de 124 nacionalidades, con 101.254 envíos de imágenes clasificados en 10 categorías: retratos, personajes de actualidad, temas de actualidad, noticias de actualidad, temas contemporáneos, vida cotidiana, naturaleza, artes y entretenimiento, deportes.

Novedades en World Press Photo

WPP introduce este año una novedad: la nueva aplicación para smartphone.

El kiosko, presente en otras ediciones, permitirá también conocer el archivo de imágenes de la fundación holandesa recopilado a lo largo de 55 años de actividad además de obtener más información sobre todos los fotógrafos ganadores, los miembros del jurado, los reportajes en su totalidad, etc.

 

Fundación Photographic Social Vision

La entidad organizadora de la exposición en Barcelona, Photographic Social Vision, es una fundación privada sin ánimo de lucro que, como en la edición anterior, este año hace posible que World Press Photo 2012 visite la ciudad gracias a la venta de entradas.

 

Son 11 años durante los cuales la fundación ha gestionado la creación, producción y difusión de reportajes fotoperiodísticos y audiovisuales con el objetivo de informar y concienciar a la sociedad sobre realidades y problemáticas sociales poco conocidas, así como fomentar el interés público por la fotografía documental.

 

World Press Photo

La fundación holandesa World Press Photo lleva más de 50 años dando apoyo al fotoperiodismo internacional y es la responsable de organizar el concurso más prestigio para fotoperiodistas que se muestra anualmente en más de 80 ciudades de 40 países y consigue reunir a más de 2 millones de personas. Sus imágenes nos informan, nos emocionan y sobre todo nos invitan a reflexionar sobre nuestra sociedad. Por ello, World Press Photo es una exposición con valores que genera opinión pública, a través de las múltiples miradas sobre situaciones sorprendentes y asombrosas que se presentan año tras año.

 

Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB)

Montalegre, 5

Barcelona

 

www.photographicsocialvision.org

www.worldpressphoto.org

www.cccb.org

 

Museo Diocesano de Barcelona

Navidad en la Pia Almoina

Exposiciones y actividades

Tradicional exposición de belenes catalanes y mexicanos

 

Durante les fiestas navideñas el Museo Diocesano de Barcelona presenta sus tradicionales actividades dentro del marco incomparable del monumento de la Pia Almoina con la Feria de Santa Lucía a sus pies.

El pasado lunes 3 de diciembre, a las 19 h., se inauguró la tradicional exposición de belenes que año tras año se organiza con la presencia de la excepcional colección de dioramas de la Asociación de Pesebristas de Barcelona.

                                                              

Este año también incorpora la colección de belenes mexicanos de la Asociación Cultural Mexicana Catalana. Durante este acto el grupo mexicano Amoría interpretará música barroca y villancicos mexicanos.

Los talleres familiares navideños que se realizan en el Museo consisten en aprender a hacer belenes en miniatura ja sea dentro de una caja de cerillas o dentro de una nuez.

Tendrán lugar los días 6, 8, 9, 15 y 22 de diciembre de 2012 .

 

Horario: de 11 a 13 h.

Precio: 4€ . Edades: 3-14 años . Duración: 1 h.

 

 

MUSEU DIOCESÀ – Monument de la Pia Almoina

Avdga. de la Catedral, 4

BARCELONA

e-mail:museudb@yahoo.es

FUNDACIÓN GODIA (Barcelona)

Presentación de libro

 

La Fundación Godia, presentará el próximo martes, 11 de diciembre a las 19,30 horas en su sede de la calle Diputació, 250 de Barcelona, el libro:

 

Sagnier Arquitech

 

Escrito por Candida Höfer, fotógrafa y cineasta nacida en Eberswalde, provincia de Brandemburgo, en 1944.

 

Candida Höfer es hija del periodista alemán Werner Höfer. En 1968 empezó a trabajar en periódicos como fotógrafa retratista y a partir de 1970 como ayudante de Werner Bokelberg. Posteriormente asistió a la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf entre 1973 y 1982, donde estudió cine con Ole John y a partir de 1976, fotografía como alumna de Bernd Becher. Junto con Thomas Ruff, fue una de las primeras discípulas de Becher en usar el color, mostrando su obra en proyecciones de diapositivas.

El insigne arquitecto Enric Sagnier i Vilavecchia, nació en Barcelona en 1858 y falleció en la misma ciudad en 1931. Supo entrever los tiempos de cambio que se avecinaban, con un concepto de urbanismo equilibrado, pero innovador y tremendamente influenciado por las transformaciones de grandes capitales europeas, gracias a una pujante burguesía.

 

El acto contará con la presencia de la presidenta de la fundación, Liliana Godia y de Antonio Sagner, nieto del arquitecto.

 

 

FUNDACIÓN FRANCISCO GODIA

C/ Diputació, 250

Barcelona

www.fundacionfgodia.org

El Disseny Hub Barcelona presentó el libro: Pedro Rodríguez. Catálogo de los vestidos de María Brillas.

 

El departamento de prensa del DHUB Museo Textil y de Indumentaria de Barcelona, envió en días pasados, la siguiente nota de prensa,

de la que esta web informa, ya que la moda y el diseño

en el vestir son ARTE y ARTESANÍA:

El DHUB - Museo Textil y de Indumentaria de Barcelona acaba de publicar el libro Pedro Rodríguez. Catálogo de los trajes de María Brillas, con el fin de difundir la colección de vestidos que Pedro Rodríguez (1895-1990) fue diseñar para María Brillas (1905-1992) entre 1935 y hasta los años setenta, y que la señora Hilda Bencomo, su nieta, dio al museo el año 2007.

 

El acto, tuvo lugar en el DHUB - Museo Textil y de Indumentaria, el pasado 27 de noviembre y contó con la intervención de Josep Lluís Alay, director de Patrimonio, Museos y Archivos del Ayuntamiento de Barcelona, siendo la presentación acargo de Pilar Vélez, directora de los museos del Disseny Hub Barcelona. Con este motivo, se organizó también un pequeño ciclo de conferencias, los días 27 y 29 de noviembre, en la sala de exposiciones del DHUB – y que giraron en torno a la figura de este modisto, uno de los más importantes del siglo XX en España.

 

«Pedro Rodríguez, una historia de la alta costura española », a cargo de Silvia Rosés, historiadora de moda y estudiosa del diseñador Pedro Rodríguez.

 

El archivo gráfico de la firma Pedro Rodríguez», a cargo de Concha García-Hoz, jefe del Departamento de Documentación del Museo del Traje de Madrid.

Esta colección de vestidos y complementos, que recoge íntegramente el libro, ha permitido estudiar y valorar la obra de Pedro Rodríguez, un maestro de la alta costura española que tuvo una trayectoria brillante desde1919 hasta los años 1980 en Barcelona, ​​Madrid y San Sebastián. Con un especial sentido patrimonial, Hilda Bencomo, la donante, conservó íntegramente la colección y la destinó a Barcelona a través del Museo Textil y de Indumentaria. De esta manera, se incrementó notablemente la importante colección que ya había dado en su momento el mismo modista.

 

En el catálogo, han participado varios profesionales del Museo, que han cuidado tanto del inventario de las 341 piezas que forman parte de esta donación como también de su catalogación, la documentación de los materiales y las técnicas con las que están hechas, y su datación. También han trabajado fotógrafos especializados en la fotografía de trajes y complementos, y profesionales del mannequinage para montar las piezas en maniquíes de la manera más adecuada.


El libro contiene artículos de tres especialistas en el campo de la historia y la sociología del vestido. Silvia Rosés, historiadora de la moda, ha escrito la tesis doctoral «Pedro Rodríguez: el nacimiento de una casa y la evolución de un estilo ». Miren Arzalluz, responsable de la Colección y Exposiciones de Fundación Cristóbal Balenciaga, que anteriormente ya había comisariado la exposición «¿Qué me pongo? Los vestidos de María Brillas por Pedro”, que el museo dedicó al guardarropa de María Brillas, firma el artículo «El papel de la clienta en la creación y difusión de nuevas tendencias ». Y la conservadora del Museo, Silvia Ventosa, analiza la colección presente en el museo con el texto "Del guardarropa al museo. Los vestidos de María Brillas en el Museo Textil y de Indumentaria de Barcelona ».

 

Disseny Hub Barcelona (DHUB)
Montcada, 12
BARCELONA

www.dhub-bcn.cat

 

DESPACHO LIDER EN ESPAÑA EN TASACIONES DE ARTE

Arte Contemporáneo

Vanguardias del Siglo XX

REVISTA CULTURAL DIGITAL

de carácter mensual para investigador@s, licenciad@s y graduad@s en Artes y Humanidades.

REVISTA DE ARTE

Galerías- Artistas - Vanguardia - Fotografía – Exposiciones

A free online platform designed to connect users to art.

The online resource for art,  collecting and education.

Artsy’s mission is to make all the world’s art accessible to anyone, with an Internet connection.

ARTSY is a resource for art collecting and education.

Discover, learn about, and buy art... Currently on Artsy.

 

Marta Teixidó

Crítico de arte

CUALQUIER COMENTARIO, CRÍTICA O SUGERENCIA, PUEDEN SER REALIZADOS EN LA SIGUIENTE DIRECCIÓN DE CORREO ELECTRÓNICO.

 

mteixido62@gmail.com

 

PERFIL

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Nacida en Mataró y actualmente residente en Barcelona,  con experiencia en el campo de la archivística y la investigación histórica, realizo críticas de arte a través de este portal, ejerciendo a su vez, la corresponsalía de la revista GAL-ART, para Barcelona y otras poblaciones, así como también colaboro con ARTyHUM, publicación de dicada a las humanidades en general. 

Hasta su cambio de titular, fui  columnista habitual de arte en Tribuna Maresme, periódico de edición mensual de Barcelona y otros medios, además  de haber documentado y confeccionado la descripción de obras para Artinternacional, firma dedicada a la subastas online, y para la cual, en su momento, edité quincenalmente un boletín informativo dirigido a los clientes de la firma y expertos en general.

A SU VEZ, realizo tasaciones online y peritajes para la firma Peritos de Arte.

ARCHIVO DE CRÍTICAS:

 

http://cuadrosdeunaexposicin.blogspot.com/

 

Para consultar articulos o comentarios anteriores.

 

El cine, como Séptimo Arte, bién merece un apartado en  Cuadros de una Exposición. Lluis Benejam, coleccionista ofrece a los incondicionales del mismo: ARCHIVOCINE.COM, una web única con información sobre películas, carteles, bandas sonoras, etc. Haciendo clic en la imagen, los amantes del cine podrán disfrutar de las maravillas de una de las más bellas artes del siglo XX.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

PERE ARAGAY

FORMAS SIMPLES, ESPACIO Y MATERIA

Pere Aragay, ha sabido compaginar su profesión con su afición, dando lugar a una obra escultórica y pictórica con la imaginación como herramienta fundamental, el punto de vista como enlace, el mensaje como justificación y la calidad como medio de despertar la admiración, para llegar de esta forma a la creación de unas esculturas que,  tomando como base la geometría,  le permiten erigir una obra de diseño ágil, estilizado y no exento de  sensación de movimiento.

Bajo los auspicios de la revista Gal-Art, la redacción de la misma prepara un nuevo libro dedicado exclusivamente a la mujer artista:

 

Mujeres con arte es el título de esta obra donde podrán participar todas aquellas pintoras, esculturas, grabadoras, dibujantes, etc., que quieran mostrar su imaginación, su técnica y por supuesto su creatividad en el siempre apasionante y a la vez complejo mundo del arte.

Un volumen que será publicado con la calidad y profesionalidad a la que la editorial de la misma tiene acostumbrados a sus suscriptores y lectores, con más de 30 años en el mercado, siendo el magazine decano de todas las publicaciones que sobre arte existen en España.

 

Toda mujer artista que desee participar en el mismo, sólo tiene que hacer click sobre la imagen.

 

ARIES SARMIENTO

NUEVOS CAMINOS EN LA ABSTRACCIÓN

Aries presenta unos trabajos con una asombrosa evolución técnica y cromática. Una obra abstracta muy depurada, elaborada – nada se deja al azar – de pincel o trazo amplio,  y en el que en algunas piezas se entrevé el uso de espátula combinada con distintos grosores de pintura.

 

Estamos ante una obra de amplia y variada paleta que desgrana tonos y busca contrastes a través de la mancha. Una mácula altamente creativa y también descriptiva, concediendo importancia al volumen y dejando voluntariamente en el camino, la posible frialdad detalle.

 CARMEN SELVES

RECONDITA ARMONIA

 (...) la temática de sus obras es diversa y llena de singulares matices que evidencian una clara pasión por el arte, y una sensibilidad exquisita para la creación de sus obras, por lo que vale la pena mantener una peculiar conversación con ellas.

 

Cualquier aspecto que implique vida, y con ello quiero simbolizar comedia y drama, ternura y aspereza, simplicidad y complejidad, es visto por Carmen Selves desde una perspectiva real, pero atendiendo a unos criterios muy singulares, donde la idealización es perceptible,  siendo a la vez notorio el deseo de dejar constancia.

EL PAISAJE INTERIOR DE ERCILIO VIDRIALES

 

Y para expresarlo con la magnificencia necesaria, hay en la obra del artista un oficio aprendido de los grandes maestros de siempre, con experiencias que no alteran su condición de autodidacta, que lo han enriquecido, dotándolo de una técnica imprescindible, a la que en muchas ocasiones añade el collage.

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