A beneficio del Casal dels Infants  de Barcelona, el próximo 29 de junio tendrá lugar en el Reial Cercle Artístic la subasta - colecta del tapiz solidario, que ha contado con la colaboración de 17 personas y que ha inspirado el video Seqüència, realizado por alumnos de la Escuela Superior de Cine y medios Audiovisuales de Cataluña -ESCAC.

Tal como Cuadros de una Exposición.com informó hace unas semanas, el diseñador moda y creador de tapices Gustavo Puente junto con tres  alumnos de la ESCAC (Escuela Superior de Cine y medios Audiovisuales de Cataluña), pusieron en marcha el proyecto Seqüència, a través del cual se incidía en la creatividad que supone la realización de un tapiz contemporáneo por parte de un público totalmente ajeno al mismo.

 (…) Luces y sombras, contrastes nebulosos para después pasar a la claridad diáfana, jugando con el color para los entrevistados y la realización de la obra, y el blanco y negro con respecto a la personalidad de Gustavo Puente, dan a la filmación un  muy loable carácter profesional y promocional, que finaliza con música de Malher de un tapiz, ya ejecutado, y que será subastado con la finalidad de recaudar fondos el próximo 29 de junio de 2017, en el Casal del Raval.

La galeria Jordi Barnadas presentó entre principios de mayo hasta el pasado 3 de  junio la muestra: Indrets sommiats (Lugares soñados), con obras de Fabio Hurtado y Leo Wellmar. Unos trabajos que se ajustan con precisión a lo descrito anteriormente.

Nacido en Madrid en 1960, el estilo de Hurtado recuerda algunas protagonistas de las novelas de Agatha Christie, presentando una mujer independiente, con estilo, culta y educada, que no necesita la compañía masculina para viajar, y que con un simple perrito, se da por satisfecha. Exhibe sofisticación y viaja libremente por el mundo, con el orgullo de saber tomar sus propias decisiones.

(…)  Weller invita a quienes estamos imbuidos por la influencia del “Mare Nostrum” a ser más introspectivos, más serenos y calmados, más analíticos y menos agresivos. Paisajes de gran lirismo, sin figura humana, donde la soledad estabiliza la mirada del espectador, que se funde en el blanco níveo, o las transparencias de un lago.

El Greco pintaba el milagro que pudo haber ocurrido en 1323 en la misma iglesia de Santo Tomé durante el entierro de D. Gonzalo Ruíz. Según la tradición, aparecieron los santos Esteban y Agustín que tomaron los restos mortales del difunto y los depositaron con sus propias manos en la tumba.

Ruíz había sido canciller de Castilla y señor de la Villa de Orgaz; fue un hombre acomodado e influyente, dispuesto a ayudar sobre todo a las instituciones religiosas. Facilitó a los agustinos un solar dentro de las murallas de Toledo y promovió con sus donativos y promovió con sus donativos la construcción de un monasterio y la reconstrucción de la iglesia de Santo Tomé.

ARTE ESPAÑOL EN LOS ESTADOS UNIDOS DE AMÉRICA

Una edición dirigida por Mark A. Roglan, director del Meadows Museum de Dallas (Texas), y con textos entre otros de Brian Allen, Lisa A Banner, Susan Grace Galasi, William Jeffett, Maria Dolores Sánchez Jauregui Alpañés, Rebeca Quinn Teresi, y un largo etc. Ofrece una interesante perspectiva del arte español que se encuentra en Norteamérica, siendo este el país que más ha valorado el mismo, al margen de nuestro país.

MUSEO DEL MODERNISME DE BARCELONA

CATALOGO: RUSIÑOL- Jardins d’Espanya

Con textos de Mercedes Palau Rives O’Callaghan, licenciada en historia del arte e investigadora, especializada principalmente en Casas y Rusiñol, y con la colaboración de Josep de C. Laplana, director del Museu de Montserrat,  y Francesc Fontbona y Margarida Casacuberta, todos reconocidos nombres en la investigación y la historia del arte catalán, el volumen, en edición bilingüe y profusamente ilustrado,  presenta un completo estudio de este ámbito de la obra de Rusiñol, con aportación de biografía, documentación fotográfica de la época y una excelente calidad de imagen y maquetado.

¿Por qué no se publican críticas negativas sobre exposiciones? ¿Por qué los críticos se someten a la voluntad de la prensa, cuando está cada vez dedica menos espacio al arte y a sus manifestaciones? ¿Por qué podemos hacer críticas a los políticos, a las empresas, a los gobiernos, a los programas de televisión o las películas de los cines Y NO PUEDE CRITICARSE Y PUBLICARSE NEGATIVAMENTE EL ARTE?

La falta de críticas negativas – de la que esta web no es, por supuesto,  un ejemplo, pues lo ha demostrado con creces cuando una exposición no le ha convencido – ha perjudicado enormemente al arte. Muchos críticos han dado soporte a manifestaciones artísticas deleznables, pero “políticamente correctas” que el público en general no ha entendido, y ello junto con el radical cambio de costumbres, precisamente debido a las redes sociales y a las  nuevas tecnologías, han alejado al público del arte y de sus creadores.

Desde el pasado 23 de marzo y hasta el próximo 9 de julio, y coincidiendo con el séptimo aniversario del MMCAT, se ofrece al visitante un conjunto expositivo lleno de lirismo pictórico y de imágenes sin palabras, que invita no solo a viajar en el tiempo y adentrarse en una época de brillantez artística y esplendor cultural, sino a la relajación visual y al disfrute del espíritu, gracias a la contemplación de hermosos jardines, donde la mano del hombre domina la naturaleza, para sosiego y placer de nuestras almas. La obra de Rusiñol eleva el silencio a la sublimación de la quietud. Son entornos bellos, plácidos y placenteros, llenos de luz y de alegría, pero también de vida y de muerte; tal el fluir de aguas de fuentes y surtidores en contraste con las aguas estancadas de pequeños lagos, artísticos lavadores o conmovedores estanques, donde la Naturaleza, a pesar de estar dominada, intenta siempre desatarse y fluir hermosa y exuberante.

Nacido en Tucuman en 1924 y fallecido en la misma ciudad en 1992, ha sido uno de los pocos artistas argentinos galardonado con el Gran Premio de Honor Presidencia de la Nación Argentina, sección dibujo, el cual obtuvo un año antes de su defunción,  en 1991. Fue discípulo del gran maestro húngaro Lajos Szalay, quien a juicio de Pablo Picasso fue el mejor dibujante de la historia.

(…)Aunque Salas encuentra en el dibujo el medio adecuado para mostrar el mundo alucinante y fantástico de sus criaturas. El papel blanco y la tinta negra contribuyen a marcar los contrastes de su universo plástico. Una imaginación inagotable y un gran conocimiento de la técnica compositiva y un gran conocimiento de la técnica compositiva le permiten lograr vigor y equilibrio en la estructura de la obra. A esto se agrega un trazo sensible que responde a las exigencias del tema y al temperamento del artista.

Pere Aragay presenta a través de Cuadros de una Exposición.com sus nuevas esculturas. La primera de ella: L’Ocell ha volat, (El pájaro ha volado) realizada en hierro con baño de cobre de color presenta una singular jaula sujeta por un marco de hierro. Un canto a la libertad, a veces tan deseada y la mayoría de las ocasiones tan utópica,  a través de un material como el usado en esta pieza, que tiende a representar una visión atemporal y en estos momentos post-industrial del mundo, aunque todavía se sigue utilizando, a pesar de haber surgido nuevos materiales.

Desde el pasado 3 de junio y hasta el próximo 26 de julio la galería Lucía Mendoza presenta nuevamente, la obra fotográfica de Christian Voigt, bajo el título:  Life in Motion.

Un conjunto de imágenes realizadas por Voigt, con cámaras de gran formato, tanto digitales como analógicas. Experimenta con técnicas nuevas así como con antiguas, y emplea para ello los medios digitales. Produce una edición de museo, sus obras de gran formato pueden medir hasta ocho metros de ancho. 

(...) Este  II Salón de Pintura Realista y Figurativa, al igual que el primero y otros que puedan venir,  tiene como objetivo reclamar el lugar que le corresponde al Realismo, desde un ámbito moderno, de vanguardia, y desde una vertiente absolutamente contemporánea. Obras en las que imaginación, técnica, destreza y plasmación demuestren sobriedad en el planteamiento, agudeza en la expresión e innovación temática.

Con un total de 50 artistas seleccionados, y con un registro de 710 votos – realizados a través de un jurado cualificado, presidido por: Martín Castro y formado por Luis Garzón, Álvaro Regidor y Xavier Deop, quien seleccionó a los ganadores, y de las votaciones de los visitantes, que escogieron los accésits, los resultados son los siguientes....

No dudo que al lector de esta web pueda sorprender el subtítulo de este artículo, puesto que para la creación escultórica es absolutamente imprescindible un diseño previo, en el que han de expresarse medidas, volúmenes, puntos de apoyo y un sinfín de datos imprescindibles para el buen resultado escultórico.

Pero la contemplación de los dibujos de David Abella correspondientes a su serie “Yunque”, puede dar a entender que se traten de bocetos, cuando en realidad son dibujos de piezas en la que un bloque de hierro, en el que generalmente uno de los laterales termina en punta, y sobre el que se trabajan los materiales al rojo vivo para darles forma, pueda suponer la inspiración a un conjunto de piezas de carácter profundamente cubista, de formas extrañas, punzantes, duras que oscilan entre la extravagancia y el surrealismo, y que llevan implícitas un talante crítico y una opinión contundente.

Para este mes de junio, la obra escogida por Chiro, un Sin título donde el verde con algunos de sus derivados domina un contexto de paleta ágil, y sincopada confiriendo a la pieza un dinamismo sugerente, una impresión de movimiento, dentro de una temática abstracta, de gestos marcados, a través de una pincelada abrupta, potente y enérgica.

Durante los meses de mayo y junio, el Reial Cercle Artístic y la Librería + Bernat de Barcelona acogen el “Proyecto Secuencia”, que coordina Gustavo Puente.

Tres alumnos de la ESCAC (Escuela Superior de Cine y medios Audiovisuales de Cataluña), realizan un documental basado en la creación de una obra participativa, como reflejo de la visión del arte que tiene el artista, y demostración de su creatividad.

Acercar el arte a la ciudadanía, transmitir valores a través del arte, saber cómo se realiza una secuencia de tapiz y mostrar diversidad de visiones a través de diferentes personajes y conocer el artista Gustavo Puente, son los objetivos que se han marcado Claudia Romeo, Eduardo González y Laia Borràs, quienes basan su reportaje en la realización de una secuencia de tapiz, de forma colectiva. Al ser Puente experto en tejidos, y más concretamente en el arte del tapiz, los alumnos se han centrado en la composición de una secuencia de esta materia artística.

La Galería Guillermo de Osma inaugura en el mes de junio y hasta el 21 de julio una exposición dedicada a la obra sobre papel realizada por artistas próximos a la Generación del 27, compuesta por cerca de 75 obras

Desde finales de la década de 1910 y hasta la Guerra Civil en España se produce un intenso movimiento cultural, la “Edad de plata de la cultura española”, de la que su exponente más conocido es la Generación literaria del 27. También fue un momento de esplendor en la pintura, la arquitectura, la música, el diseño, la escenografía y las ciencias.

La exposición pretende mostrar la vertiente plástica, con obras  realizadas entre 1920 y 1939 por artistas muchos de ellos ligados a la generación literaria, con los que colaboraron estrechamente en libros y revistas. Poetas como Lorca, Alberti y Celaya fueron espléndidos dibujantes y pintores; y Moreno Villa y Ramón Gaya compaginaron su vocación plástica con la literaria...

Todo artista plasma en sus obras su mundo interior, con independencia del estilo que utilice. Si bien Fontela en este caso se inspira en los paisajes asturianos para mostrar una obra de gama cromática contundente, elaborada en técnica mixta con pincelada vehemente – muy interesantes los grumos del acrílico que salpican algunos trabajos -  y rigor en la estructura y composición, y con el empleo de formatos en diversas medidas, los elementos  descritos son visibles a simple vista. Sin embargo, el espectador sensible,  si profundiza en la misma, observará que el aislamiento está muy presente, siendo la sola excepción un conjunto rocoso, lo que da más relevancia si cabe  a esa explícita metáfora de la incomunicación humana.

Desde casi sus orígenes, al cine se le ha venido llamando el Séptimo Arte, por constituir la fusión de todas las demás artes, siendo algunos filmes la sublimación de las mismas. Pero la reflexión que Caixaforum Barcelona presentó hasta finales del pasado mes de marzo, Arte y Cine: 120 años de intercambios, fue mucho más allá de la producción cinematográfica. Busco la confluencia del cine y de cómo con su nacimiento y consolidación, a principios del siglo XX,  fue un nuevo lenguaje de expresión,  y los artistas vieron en este medio una forma de transmitir los cambios de tendencias artísticas y de pensamiento que estaban a punto de suceder.

(...)No es esta una exposición de fotografía documental, aunque el conjunto de la misma revela el paso del tiempo a través de la mirada introvertida  de Peter Hujar (1934-1987), un fotógrafo contracultural y marginal, que retrata un ámbito social verdadero, por lo tanto real y existente, que habita en un submundo de soledades intrínsecas e incomprensiones permanentes que la “feliz” sociedad de los años 60, 70 y parte de los 80, con  su revolución cultural, sexual, económica y política ocultaba – y sigue haciéndolo – de personajes y situaciones que nos rodean de forma tan abrumadora… que ya no les prestamos atención.

La muestra constituye también todo un retrato psicológico de cómo era Hujar. Iconografías de personas o animales, objetos,  algunos paisajes naturales, con abundancia de los urbanos, destacando altos edificios como símbolo de poder del ser humano, de alcanzar la cumbre, sin obviar alguna que otra connotación sexual o fálica, y en los que se aprecia interesantes puntos de fuga. (...)