Desde el pasado 23 de marzo y hasta el próximo 9 de julio, y coincidiendo con el séptimo aniversario del MMCAT, se ofrece al visitante un conjunto expositivo lleno de lirismo pictórico y de imágenes sin palabras, que invita no solo a viajar en el tiempo y adentrarse en una época de brillantez artística y esplendor cultural, sino a la relajación visual y al disfrute del espíritu, gracias a la contemplación de hermosos jardines, donde la mano del hombre domina la naturaleza, para sosiego y placer de nuestras almas. La obra de Rusiñol eleva el silencio a la sublimación de la quietud. Son entornos bellos, plácidos y placenteros, llenos de luz y de alegría, pero también de vida y de muerte; tal el fluir de aguas de fuentes y surtidores en contraste con las aguas estancadas de pequeños lagos, artísticos lavadores o conmovedores estanques, donde la Naturaleza, a pesar de estar dominada, intenta siempre desatarse y fluir hermosa y exuberante.

Todo artista plasma en sus obras su mundo interior, con independencia del estilo que utilice. Si bien Fontela en este caso se inspira en los paisajes asturianos para mostrar una obra de gama cromática contundente, elaborada en técnica mixta con pincelada vehemente – muy interesantes los grumos del acrílico que salpican algunos trabajos -  y rigor en la estructura y composición, y con el empleo de formatos en diversas medidas, los elementos  descritos son visibles a simple vista. Sin embargo, el espectador sensible,  si profundiza en la misma, observará que el aislamiento está muy presente, siendo la sola excepción un conjunto rocoso, lo que da más relevancia si cabe  a esa explícita metáfora de la incomunicación humana.

Durante los meses de mayo y junio, el Reial Cercle Artístic y la Librería + Bernat de Barcelona acogen el “Proyecto Secuencia”, que coordina Gustavo Puente.

Tres alumnos de la ESCAC (Escuela Superior de Cine y medios Audiovisuales de Cataluña), realizan un documental basado en la creación de una obra participativa, como reflejo de la visión del arte que tiene el artista, y demostración de su creatividad.

Acercar el arte a la ciudadanía, transmitir valores a través del arte, saber cómo se realiza una secuencia de tapiz y mostrar diversidad de visiones a través de diferentes personajes y conocer el artista Gustavo Puente, son los objetivos que se han marcado Claudia Romeo, Eduardo González y Laia Borràs, quienes basan su reportaje en la realización de una secuencia de tapiz, de forma colectiva. Al ser Puente experto en tejidos, y más concretamente en el arte del tapiz, los alumnos se han centrado en la composición de una secuencia de esta materia artística.

Nacido en Tucuman en 1924 y fallecido en la misma ciudad en 1992, ha sido uno de los pocos artistas argentinos galardonado con el Gran Premio de Honor Presidencia de la Nación Argentina, sección dibujo, el cual obtuvo un año antes de su defunción,  en 1991. Fue discípulo del gran maestro húngaro Lajos Szalay, quien a juicio de Pablo Picasso fue el mejor dibujante de la historia.

(…)Aunque Salas encuentra en el dibujo el medio adecuado para mostrar el mundo alucinante y fantástico de sus criaturas. El papel blanco y la tinta negra contribuyen a marcar los contrastes de su universo plástico. Una imaginación inagotable y un gran conocimiento de la técnica compositiva y un gran conocimiento de la técnica compositiva le permiten lograr vigor y equilibrio en la estructura de la obra. A esto se agrega un trazo sensible que responde a las exigencias del tema y al temperamento del artista.

(...)No es esta una exposición de fotografía documental, aunque el conjunto de la misma revela el paso del tiempo a través de la mirada introvertida  de Peter Hujar (1934-1987), un fotógrafo contracultural y marginal, que retrata un ámbito social verdadero, por lo tanto real y existente, que habita en un submundo de soledades intrínsecas e incomprensiones permanentes que la “feliz” sociedad de los años 60, 70 y parte de los 80, con  su revolución cultural, sexual, económica y política ocultaba – y sigue haciéndolo – de personajes y situaciones que nos rodean de forma tan abrumadora… que ya no les prestamos atención.

La muestra constituye también todo un retrato psicológico de cómo era Hujar. Iconografías de personas o animales, objetos,  algunos paisajes naturales, con abundancia de los urbanos, destacando altos edificios como símbolo de poder del ser humano, de alcanzar la cumbre, sin obviar alguna que otra connotación sexual o fálica, y en los que se aprecia interesantes puntos de fuga. (...)

(...) Tal evidencia puede comprobarse hasta el próximo 30 de abril gracias a la muestra Las últimas palabras en la que la galería Miguel Marcos presenta por primera vez en España la obra más reciente de Li Qiang (Pekín, 1960).

La mirada del visitante occidental no puede evitar la referencia al Pop Art de los años 60-70, ya que el artista utiliza iconos del mismo o bien personajes históricos como fondo de sus obras. La diferencia está en el grafismo chino que cubre cada pieza; una tarea ardua y paciente,  - el tiempo de ejecución de algunas piezas es a veces superior a dos meses - que obliga al pintor a marcar varias veces cada una de las palabras y frases, repetidas hasta el infinito: (...)

Palau Antiguitats presenta hasta el próximo 26 de mayo, la muestra Hogart, Goya, Bagaria, Nogués mestres de la sàtira i la caricatura (Maestros de la sátira y la caricaculra). Una cuidada selección de grabados y dibujos, con predominio de los primeros, en la que a través de los grandes maestros de la pintura y del dibujo, puede apreciarse la evolución del sentido del humor, de la burla punzante y la hipérbole incisiva desde el siglo desde el siglo XVIII hasta los años 40 del siglo pasado.

Partiendo del título de la muestra –cuyo protagonista puede recordar el surrealismo de la canción del grupo Counting crows, aunque nada tienen que ver con la obra fotográfica de la exposición- , permite al espectador sumergirse en las profundidades del singular mundo onírico de Jolonch, como representante, en este caso, del subconsciente del ser humano y adentrarse en una trama expositiva donde el Sr. Jones, siempre de espaldas, observa mayoritariamente e inter-actúa ocasionalmente. 

La atractiva imagen de la Virgen María suscita algunos enigmas. El historiador del arte y medievalista neerlandés Johan Huizinga descubría en ella “un soplo de decadente irreligiosidad”. Fouquet no la representó como madre nutriente, ya que el niño Jesús no está mamando de su pecho alto y no precisamente de nodriza. Y sin embargo, este pecho desnudo tiene una justificación teológica: Como Cristo le mostró a Dios Padre la herida del costado, Maria muestra su seno a los hombres, en referencia a su función de intercesora en la Tierra y en el Purgatorio.

Desde casi sus orígenes, al cine se le ha venido llamando el Séptimo Arte, por constituir la fusión de todas las demás artes, siendo algunos filmes la sublimación de las mismas. Pero la reflexión que Caixaforum Barcelona presentó hasta finales del pasado mes de marzo, Arte y Cine: 120 años de intercambios, fue mucho más allá de la producción cinematográfica. Busco la confluencia del cine y de cómo con su nacimiento y consolidación, a principios del siglo XX,  fue un nuevo lenguaje de expresión,  y los artistas vieron en este medio una forma de transmitir los cambios de tendencias artísticas y de pensamiento que estaban a punto de suceder.

De entre las muchas constantes de Chiro, posiblemente el color es el que sigue explicando mejor su relación con la práctica pictórica, más aun en todas aquellas que nos lo definen como un pintor dotado una particular vehemencia con la espátula en la aplicación de la gama cromática, planteando radicales juegos armónicos, haciendo de los equilibrios tonales el juego conductor.